História da Arte e cia.

Ao segundo 2011

2011-11-07T11:06:00.000-02:00

Mais um ano está acabando!
Já estou ficando com saudade das turmas que me acompanharam durante esse ano! Muita gente do bem, muita gente que vai ficar pra sempre na minha lembrança!

Para acabar o ano, nada melhor que mais uma prova de artes!

Lembrem-se que esta será a última prova toda de artes de vocês... então, tenham atenção, leiam com cuidado. Não fiquem afobados nem nervosos.

Quem prestou atenção nas aulas vai tirar de letra!

Para quem precisar de ajuda, aqui no blog tem muitas coisas que podem ajudá-los.

Lembrem-se que o assunto da prova é TODO o século XX. Apesar de parecer MUITA COISA, é tranquilo! Além disso, eu preciso ter certeza que vocês entenderam as coisas mais importantes.

Lembrem-se que mesmo depois dessa prova, podem contar sempre comigo!

Voltem ao blog sempre que precisarem lembrar alguma coisinha de arte (porque como já disse pra vocês, isso está sendo cada vez mais cobrado nos vestibulares - e como muita gente não tem aulas de história da arte na escola, vocês podem ter um diferencial!!!)

Além disso, espero ter conseguido plantar a sementinha da arte em vocês!!! Visitem exposições, vejam mais filmes, observem mais a cidade... Ouçam mais música, dancem mais, vejam peças de teatro! Saiam da rotina!!! Sobretudo no próximo ano, quando vocês serão submetidos a um estresse imenso! (a arte pode ajudá-los a relaxar! hehehehehe)

Alguns links do blog que podem ser úteis pra PF:

http://prosalunos.blogspot.com/2011/11/teoria-do-nao-objeto.html

http://prosalunos.blogspot.com/2011/11/cronologia-arte-brasileira-do-seculo-xx.html

http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/arte-contempornea-brasileira.html

http://prosalunos.blogspot.com/2010/11/terceira-geracao-modernista-pos.html

http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/segunda-gerao-modernista.html

Vejam as anotações do caderno! Elas também serão bem úteis!!!!

Boa prova a todos!

Ah, eu queria compartilhar com vocês uma coisa muito bonitinha que tem muito a ver com o que eu sinto nesse momento!!!

http://www.youtube.com/watch?v=dan6g5a3Dgg&feature=related
vejam! (talvez alguns achem meio breguinha... mas é lindinho!)

Somewhere out there
Beneath the pale moonlight
Someone's thinking of me
And loving me tonight

Somewhere out there
Somone's saying a prayer
That we'll find one another
In that big somewhere out there

And even though I know how very far apart we are
It helps to think we might be wishing on the same bright star
And when the night wind starts to sing a lonesome lullaby
It helps to think we're sleeping underneath the same big sky

Somewhere out there
If love can see us through
Then we'll be together
Somewhere out there
Out where dreams come true

Esterei sempre com vocês!
Grande abraço!

Teoria do Não-objeto

2011-11-04T22:57:00.000-02:00

O não-objeto está relacionado ao NEOCONCRETISMO, movimento que surgiu no Rio de Janeiro em 1959 (e que foi desenvolvido nos anos 60).

A arte neoconcreta busca uma ruptura com os gêneros tradicionais da arte e anuncia novas formas de manifestações artísticas.

As principais características do não-objeto, segundo Ferreira Gullar são:

- O não-objeto repele as noções acadêmicas de gênero artístico.

- Não se esgota nas referêcias de uso e sentido porque não possui utilidade prática, ao contrário dos objetos.

- É um ser íntegro, que dispensa intermediários na relação com o sujeito.

- Não é representação de nada, é presentação, aparecimento primeiro de uma forma.

- Transcende o espaço em que se insere, trabalha e refunda o mesmo espaço transformando-o.

- Só se completa com a ação do espectador, que passa de passivo para ativo.

Na arte neoconcreto é muito comum acontecer a fusão de mais de uma linguagem. Em alguns Penetráveis de Hélio Oiticica, por exemplo, temos música... em alguns Parangolés, poesia (além do fato deles proporem a dança). Para o próprio Hélio Oiticica "Não há mais possibilidade de existir estilo, ou a possibilidade de existir uma forma de expressão unilateral como a pintura, a escultura departamentalizada. Só existe o grande mundo da invenção" (1979, entrevista a Ivan Cardoso, citado em Celso Favaretto, A invenção de Hélio Oiticica)

É importante ficar claro que o "não-objeto" não é um anti-objeto ou um objeto negativo. Mas um objeto especial que pretende realizar a síntese de experiências sensoriais e mentais.

Alguns exemplos de "não-objetos" de Lygia Clark:

Nós e um Ninho de Hélio Oiticica (29a. Bienal de São Paulo)

Pra quem não lembra:

incêndio do acervo de Hélio Oiticica

Cronologia: arte brasileira do século XX

2011-11-04T22:21:00.000-02:00

1917 - Exposição "bombástica" de Anita Malfatti. (A que foi criticada por Monteiro Lobato no texto "Paranoia ou Mistificação").

--> Nesse mesmo ano aconteceu o primeiro registro fonográfico de um samba! Foi a música "pelo telefone", de Donga e Mário de Almeida.

1922 - Comemoração do centenário da independência do Brasil.
Aconteceu a Semana de Arte Moderna (em fevereiro, no teatro municipal de São Paulo).
Oswald de Andrade publicou "Os condenados" e Mario de Andrade "Paulicéia Desvairada".

1923 - Lasar Segall volta ao Brasil (com intenção de ficar por aqui).

Nesse mesmo ano foi fundada a primeira rádio brasileira: a RÁDIO SOCIEDADE DO RIO DE JANEIRO.

1924 - Primeira exposição "modernista" de Lasar Segall (em 1913 ele veio ao Brasil e fez uma exposição de arte expressionista - mas ele ainda não estava ligado ao movimento modernista brasileiro).

1926 - Primeira exposição individual do escultor Victor Brecheret.

Nesse mesmo ano Marinetti (o criador do futurismo italiano) veio ao Brasil. Ele era amigo de Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral.

1927 - Mario de Andrade fez uma longa viagem pela Amazônia para fazer registros antropológicos.

1928 - Tarsila do Amaral pintou "O Abaporu". Oswald de Andrade, inspirado nessa obra, publicou o "Manifesto Antropofágico".
A antropofagia na arte é a ideia de devorar a cultura do outro para criar a sua. Misturar elementos de culturas diferentes (inclusive de regiões brasileiras que não faço parte) com a minha realidade.

Nesse mesmo ano Mário de Andrade publica "Macunaíma".

Entre 1928 e 1929 Mário de Andrade viajou pelo nordeste brasileiro para recolher músicas, danças e o folclore da região.

Portinari (que ainda era acadêmico) foi para a Europa estudar arte acadêmica.

1930 - Golpe de Estado - Getúlio Vargas na presidência.
Carmem Miranda lançou seu primeiro sucesso: "Tá aí!"
http://youtu.be/V6v7HFVjObk
Ela participa de algumas montagens musicais da cia. cinematográfica Cinédia (fundada nesse mesmo ano).

1931 - Primeira experiência performática na arte brasileira com Flavio de Carvalho.

Nesse mesmo ano Portinari voltou ao Brasil e começou sua série nacionalista.

Mario de Andrade e Oswald de Andrade brigam (e rompem relações).

1932 - Revolução Constitucionalista em São Paulo.

1935 - Surgimento do grupo Santa Helena.
Este foi um grupo de artistas mais pobres (a maioria auto-didata) de São Paulo. Participaram do grupo Alfredo Volpi e Francisco Rebolo.

Cândido Portinari foi premiado nos Estados Unidos pela obra "Café". A partir dai ele se tornou mundialmente conhecido.

1936 - Projeto do edifício do ministério da educação e da saúde pública (hoje MEC) no Rio de Janeiro, Este foi o primeiro projeto de grande porte de Oscar Niemeyer e Lúcio Costa.
Nesse prédio o paisagismo é de Burle Max, os murais são de Cândido Portinari e as esculturas de Bruno Giorgi e Celso Antonio.

1937 - Oswald de Andrade escreveu duas peças de teatro: "A morta" e "O Rei da Vela".

1938 - "Vidas Secas", de Graciliano Ramos.

1939 - Foi criado o DIP (Departamento de Imprensa e Propaganda): órgão do governo responsável por analisar tudo o que fosse escrito e publicado, ou seja, censura.

1940 - Exposição individual de Cândido Portinari no MOMA, em Nova York.

1941 - Criação da Atlântida - companhia cinematográfica que realizou as famosas "Chanchadas".

1942 - Lançamento do Conjunto da Pampulha, obra de Oscar Niemeyer encomendada por Juscelino Kubitschek.

No projeto da Pampulha o paisagismo é de Burle Max e os murais de Portinari.

1943 - Montagem de "Vestido de Noiva", com a companhia carioca "Os Comediantes", com direção do polonês Ziembinsky. Essa montagem é considerada o marco inicial do teatro moderno brasileiro.

1944 - Primeira exposição individual de Alfredo Volpi.

1945 - Morte de Mário de Andrade (ele ainda estava brigado com Oswald de Andrade, que ficou muito comovido com a morte, sentindo-se arrependido).

1947 - Fundação do MASP, Museu de Arte de São Paulo.

1948 - Fundação do MAM (Museu de Arte Moderna) do Rio de Janeiro e de São Paulo.
Nesse ano também foi fundado o TBC (Teatro Brasileiro de Comédia), em São Paulo. Esta foi a primeira companhia teatral profissional do Brasil. Fizeram parte de seu elenco grandes atores brasileiros como Fernanda Montenegro, Cacilda Becker, Paulo Autran, Raul Cortez, Tônia Carrero, etc.

1949 - Fundação da Companhia Cinematográfica Vera Cruz (São Bernardo do Campo, SP).

1950 - Primeiro canal de TV do Brasil (São Paulo), a TV Tupi - foi criada pelo empresário e jornalista Assis Chatobrian.

São lançados os primeiros filmes da Vera Cruz.

1951 - Primeira exposição concretista em São Paulo (do artista Max Bill).

Aconteceu também a Primeira Bineal Internacional de Arte de São Paulo.

1952 - Criação do grupo Ruptura, de São Paulo.
Lembrando que os concretistas faziam obras de arte abstratas geométricas.

1953 - O filme "O Cangaceiro", de Lima Barreto (produzido pela Vera Cruz) ganha o prêmio de melhor filme no Festival de Cannes (França). Com o sucesso no festival, o filme foi levado para mais de 80 países, foi vendido para a Columbia Pictures. Só na França, ficou 5 anos em cartaz!

1954 - Criação do grupo Frente, do Rio de Janeiro - que também era concretista.
Morte de Oswald de Andrade.
Inauguração do Parque do Ibirapuera.

1956 - Portinari conclui os painéis "Guerra" e "Paz", para a sede da ONU (Organização das Nações Unidas) em Nova York.

1958 - Início da Bossa Nova no Rio de Janeiro, mistura de samba com jazz e música erudita. Principais representantes: João Gilberto, Tom Jobim e Vinícius de Moraes.

1959 - Primeira exposição neoconcreta no MAM do Rio de Janeiro.
Manifesto Neoconcreto de Ferreira Gullar.

1960 - Inauguração de Brasília.

1964 - Golpe Militar.
Primeiro "Bicho" da Lygia Clark.

"Deus e o diabo na terra do sol", de Glauber Rocha (Cinema Novo).

1965 - Primeiro festival da Música Brasileira. O primeiro lugar ficou com a música "Arrastão", de Edu Lobo e Vinícius de Moraes, interpretada por Elis Regina.

O programa "Jovem Guarda" começa a ser exibido na TV. O programa era comandado por Roberto carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa.

Hélio Oiticica é expulso do MAM-RJ por levar um grupo de integrantes da Mangueira (escola de samba) vestidos com Parangolés.

1966 - Segundo festival da Música Brasileira. O primeiro lugar ficou com a música "A Banda", de Chico Buarque de Holanda, interpretado por ele mesmo e Nara Leão.

1967 - Terceiro festival da Música Brasileira, o festival da virada. Este foi o mais importante de todos os outros festivais. Foi nesse festival que apareceram os tropicalistas.

Lançamento do disco Tropicália.
Vídeo sobre o movimento tropicalista AQUI.
"Terra em Transe", de Glauber Rocha (Cinema Novo).

1968 - AI-5

QUARTO CONJUNTO

2011-10-18T21:57:00.000-02:00

Algumas coisinhas que já estão aqui no Blog que podem ser úteis para a prova.
Alguns post estão falando de mais coisas que eu mostrei em sala de aula... mas fiquem calmos, só o que eu comentei em aula cairá na prova!!!

SEMANA DE ARTE MODERNA (clique)

Tarsila do Amaral

http://www.tarsiladoamaral.com.br/

Lembrem-se que Tarsila do Amaral não participou da Semana de Arte Moderna em 1922 - ela estava em Paris. Só depois, em 1923 ela começa a fazer parte do Modernismo Brasileiro.

Manifesto Antropofágico (escrito por Oswald de Andrade inspirado pela obra "Abaporu" de Tarsila do Amaral):

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/texto-de-apoio-ii-oswald-de-andrade.html

É importante lembrar do gesto antropófago, da deglutição! Comer, devorar o outro para criar o seu! (e esse "outro" não é só o europeu, mas qualquer outro... sobretudo o simples, o brasileiro).

"TUPI OR NOT TUPI, THAT IS THE QUESTION."

SEGUNDA GERAÇÃO MODERNISTA (clique)

TERCEIRA GERAÇÃO MODERNISTA (clique)

Fotografias famosas - I

2011-08-29T10:10:00.000-03:00

Estas são algumas das fotografias mais famosas do mundo. Não estão em uma ordem de preferência ou de importância. Mais tarde eu coloco outras que também são muito importantes!

A imagem de Che Guevara
A famosa foto de Che Guevara, conhecida formalmente como "Guerrilheiro Heróico" foi tirada por Alberto Korda em 5 de março de 1960 quando Guevara tinha 31 anos num enterro de vítimas de uma explosão. Foi publicada somente em 1967.O Instituto de Arte de Maryland - EUA denominou-a "A mais famosa fotografia e maior ícone gráfico do mundo do século XX". É uma das imagens mais reproduzidas em toda a história. Até hoje jovens de ideais de esquerda utilizam essa imagem em camisetas, botons e bandeiras.

A menina do Vietnã
Em 8 de junho de 1972, um avião norte-americano bombardeou a população de Trang Bang com napalm (uma arma química que faz com que o corpo queime e a pele derreta por conta disso). Kim Phuc e sua família estavam por lá. Com sua roupa em chamas, a menina de nove anos corria em meio ao povo desesperado e no momento, que suas roupas tinham sido consumidas, o fotógrafo Nic Ut registou a famosa imagem.
Depois, Nic levou a garotinha para um hospital onde ela permaneceu por durante 14 meses sendo submetida a 17 operações de enxerto de pele.
Qualquer pessoa que vê essa fotografia, mesmo que menos sensível, poderá ver a profundidade do sofrimento, a desesperança, a dor humana na guerra, especialmente para as crianças.
Hoje em dia Pham Thi Kim Phuc está casada, com 2 filhos e reside no Canadá onde preside a "Fundação Kim Phuc", dedicada a ajudar as crianças vítimas da guerra e é embaixadora da UNESCO.

A menina Afegã
Sharbat Gula foi fotografada quando tinha 12 anos pelo fotógrafo Steve McCurry, em junho de 1984. Essa foto foi feita no acampamento de refugiados Nasir Bagh do Paquistão durante a guerra contra a invasão soviética. Essa foto foi publicada na capa da National Geographic em junho de 1985 e, devido a seu expressivo rosto de olhos verdes, a capa converteu-se numa das mais famosas da revista e do mundo.
No entanto, naquele tempo ninguém sabia o nome da garota. O mesmo homem que a fotografou realizou uma busca à jovem que durou exatos 17 anos. Em janeiro de 2002, encontrou a menina, já uma mulher de 30 anos e pôde saber seu nome. Sharbat Gula vive numa aldeia remota do Afeganistão, é uma mulher tradicional pastún, casada e mãe de três filhos. Ela regressou ao Afeganistão em 1992. O resultado desse encontro pode ser visto também na revista National Geographic.

Einstein
Apesar de muita gente, graças a essa foto, pensar em Einstein como um sujeito simpático e brincalhão, a história dessa foto é um tanto diferente. Ela foi feita em 14 de Março de 1951 pelo fotógrafo Arthur Sasse, que foi o único que captou o momento, apesar de que Einstein estivesse rodeado de vários fotógrafos. O fato de estar cercado de jornalistas causou a tal careta do físico. Ele tinha acabado de ser homenageado por seu aniversário de 72 anos e já estava de saco cheio com o tanto de gente em sua volta. Por causa da perseguição dos fotógrafos e repórteres que pediam que ele tirasse fotos e mais fotos, ele começou a gritar "Basta!, muito bravo, e mostrou a língua com o intuito de estragar as fotos. Mas, no fim, o resultado não foi exatamente esse, já que essa acabou sendo sua imagem mais famosa.

O beijo do Hotel de Ville
Esta bela foto, que data de 1950, é considerada como a mais vendida da história. Isto se deve à intrigante história com a que foi descrita durante muitos anos: contam que esta foto foi tirada ao acaso por Robert Doisneau enquanto estava sentado tomando um café. Ele fazia várias fotos aleatórias das pessoas que passavam e captou esta imagem de amantes beijando-se com paixão enquanto caminhavam no meio da multidão.
Esta foi a história que se conheceu durante muitos anos até 1992, até que dois impostores se fizeram passar pelo casal protagonista. Doisneau ficou indignado pela falsa declaração e acabou revelando a história original, que a fotografia não tinha sido tirada ao acaso, mas que ele tinha pedido a um casal que passava para posarem para ele. O fotógrafo, inclusive, tinha lhes enviado uma cópia da foto como agradecimento.
55 anos depois Françoise Bornet (a mulher do beijo) reclamou os direitos de imagem das cópias desta foto e recebeu 200 mil dólares!

O beijo da Time Square
Essa famosa foto do beijo da Time Square foi feita por Victor Jorgensen em 14 de Agosto de 1945. Um soldado da marinha norte-americana estava beijando apaixonadamente uma enfermeira. O que é fora do comum para aquela época é que os dois personagens não eram um casal, eram perfeitos estranhos que haviam acabado de encontrar-se. Essa fotografia é considerada uma analogia da excitação e paixão que significa regressar a casa depois de passar uma longa temporada fora, como também a alegria experimentada ao final de uma guerra.

Triunfo dos Aliados
Nessa fotografia um soldado Russo agita a bandeira soviética no alto de um prédio após a vitória dos aliados na Segunda Guerra Mundial. A foto demorou a ser publicada pois as autoridades Russas quiseram modificá-la. A bandeira era na verdade uma toalha de mesa vermelha e o soldado aparecia com dois relógios no pulso, o que indicava um provável furto.

A bandeira americana em Iwo Jima
Esta é uma importante fotografia histórica que foi feita em 23 de fevereiro de 1945, por Joe Rosenthal. Ela apresenta cinco fuzileiros navais e um da Marinha dos EUA levantando a bandeira americana no topo do Monte Suribachi durante a Batalha de Iwo Jima na Segunda Guerra Mundial.

O homem do tanque de Tiananmen
Também conhecida como o "Rebelde Desconhecido", mostra um jovem anônimo que se tornou internacionalmente famoso ao ser gravado e fotografado em pé em frente a uma linha de vários tanques durante a revolta da Praça de Tiananmen de 1989 na República Popular Chinesa.
A foto foi tirada por Jeff Widener, e na mesma noite foi capa de centenas de jornais, noticiários e revistas de todo mundo. O jovem estudante (certamente morto horas depois) interpôs se a duas linhas de tanques que tentavam avançar. No ocidente as imagens do rebelde foram apresentadas como um símbolo do movimento democrático Chinês: um jovem arriscando a vida para opor-se a um esquadrão militar.
Na China, a imagem foi usada pelo governo como símbolo do cuidado dos soldados do Exército Popular de Libertação para proteger o povo chinês: apesar das ordens de avançar, o condutor do tanque recusou fazê-lo! Ok, senta lá Claudia!!! hehehehe

The Falling Man
Esta é uma fotografia tirada por Richard Drew durante os atentados do 11 de setembro de 2001 contra as torres gêmeas do WTC em Nova York. Na imagem pode-se ver um homem caindo de uma das torres (nitidamente ele se jogou lá do alto - como tantas outras pessoas, quando perceberam o que estava acontecendo). Sua publicação pouco depois dos atentados irritou a certos setores da opinião pública norte-americana. A maioria dos meios de comunicação se auto-censurou, preferindo mostrar unicamente fotografias de atos de heroísmo e sacrifício.

Abbey Road
Esta é a mais famosa foto feita dos Beatles. Tirada em 1969 na rua de mesmo nome, em Londres, na frente do estúdio onde o album Abbey Road foi gravado, em 8 de agosto de 1969 por Iain Macmillan. A foto foi objeto de rumores e teorias de que Paul estaria morto, vítima de um acidente de carro em 1966. Apesar de ter sido apenas uma brincadeira e puro marketing do grupo, a lenda ainda é assunto de alguns beatlemaníacos. A foto conteria supostas "pistas" que dariam força ao rumor de que Paul estava morto: Paul está descalço (segundo ele, aquele dia fazia muito calor, e ele não estava aguentando ficar com nada nos pés), fora de passo com os outros, está de olhos fechados, tem o cigarro na mão direita, apesar de ser canhoto, e a placa do fusca, em inglês, "beetle" estacionado é "LMW" referindo se as iniciais de "Linda McCartney Widow" ou "Linda McCartney Viúva" e abaixo o "281F", supostamente referindo-se ao fato de que McCartney teria 28 anos se (if em inglês) estivesse vivo. (O I em "28IF" é realmente um "1", mas isso é difícil de se ver na capa. Um contra-argumento é que Paul tinha somente 27 anos no momento da publicação de Abbey Road, embora alguns interpretem isso como ele teria um dia 28 anos se ele estivesse vivo.) Os quatro Beatles na capa, segundo o mito "Paul está morto", representariam o Padre (John, cabelos compridos e barba, vestido de branco), o responsável pelo funeral (Ringo, em um terno preto), o Cadáver (Paul, em um terno, mas descalço - como um corpo em um caixão), e o coveiro (George, em jeans e uma camisa de trabalho denim). Além disso há um outro carro estacionado, de cor preta, de um modelo usado para funerais e eles andam em direção a um cemitério próximo a Abbey Road. Notem também que atrás do Paul tem um carro como se estivesse passado pelo mesmo lugar que ele está. Outra suposta pista seria que na contra-capa do álbum, ao lado esquerdo da palavra Beatles, teria 8 pontos formando o número 3 (sendo então "3 Beatles"). O homem de pé na calçada, à direita, é Paul Cole, um turista dos EUA que só se deu conta que estava sendo fotografado quando viu a capa do álbum meses depois. Obviamente que se o Paul da capa fosse um sósia, convenhamos que seria um sósia muito talentoso, pois esse grande disco e o restante da carreira de McCartney revelam o grande artista que ele é!!! Além disso, ele veio recentemente ao Brasil e fez shows sensacionais... hahahahahahaha! Bom esse sócia, né!?

Espreitando a morte
Essa é uma das fotos mais famosas quando o assunto são aqueles emails sentimentais sobre a fome no mundo. Ela foi tirada em 1994 pelo fotógrafo sudanês Kevin Carter. Com essa fotografia tirada na região de Ayod (uma pequena aldeia em Suam), ele ganhou o prêmio Pulitzer de fotojornalismo.
A figura esquelética de uma pequena menina, totalmente desnutrida, recostando-se sobre a terra, esgotada pela fome, e a ponto de morrer, enquanto num segundo plano, um abutre se encontra espreitando e esperando o momento preciso da morte da garota.
Quatro meses depois, abrumado pela culpa e conduzido por uma forte dependência às drogas, Kevin Carter suicidou-se.

Até mais!

Arte Moderna

2011-08-19T09:43:00.002-03:00

O que é arte moderna?

Para muitos teóricos, o início da Arte Moderna se dá em 1860 com o Impressionismo e vai até a Segunda Guerra Mundial. Argan, em seu importante livro "A Arte Moderna" já chama de modernos os movimentos a partir do romantismo, que para ele é o início do pensamento modernista.

A arte moderna é uma atitude do artista que já não se preocupa com regras e encomendas. Faz sua arte por que quer e não porque alguém (ou alguma instituição lhe encomendou).

LINK PRA POST ANTIGO SOBRE ARTE MODERNA

e outro Link, outro post.

Na Europa, chamamos de Arte Moderna os movimentos da primeira metade do século XX que ficaram conhecidos como VANGUARDAS ARTÍSTICAS. Apesar de termos vários movimentos, sete deles tem destaque:

nExpressionismo

nFauvismo

nCubismo

nFuturismo

nAbstracionismo

nDadá

nSurrealismo

O que há de novo nessa arte?

A ruptura com a tradição, desmistifica a própria arte e nega a ilusão da arte tradicional, assumindo os materiais (ou seja, as pinceladas não são escondidas... a tela, em alguns casos, perde a moldura e é assumida... etc)

Mas não se esqueça que, apesar das mudanças, a arte moderna mantém os mesmos suportes da arte tradicional (óleo sobre tela, por exemplo!) e também as mesmas linguagens continuam sendo desenvolvidas (pintura, escultura, gravura, etc).

O primeiro museu voltado exclusivamente para a arte moderna no mundo foi o MOMA de Nova York.
MOMA OFICIAL

Aqui no Brasil, a primeira exposição modernista aconteceu em 1913 com o artista lituano Lasar Segall (que era expressionista na ocasião).

Algumas obras de Segall:

Asilo de velhos, 1909

Vilna e eu, 1910

Aldeia Russa, 1912

Em 1917, a artista Anita Malfatti realiza a primeira exposição modernista brasileira. Tal exposição foi um escândalo, sobretudo, graças à crítica de Monteiro Lobato, "Paranoia ou mistificação", publicada no jornal O Estado de São Paulo.

A crítica, muito pesada (não só à exposição, mas à arte moderna de modo geral) fez com que os modernistas se juntassem forças para tentar mostrar / explicar à sociedade o que é arte moderna. Uma das consequências disso foi, anos mais tarde, a Semana de Arte Moderna.

Outra coisa é importante é conseguir comparar obras tradicionais e modernas. No caso, trago uma análise comparativa entre arte acadêmica e impressionista. CLIQUE AQUI!!!!

Prestem atenção nos links! Eles levam para vários outros posts que podem ser bem úteis, com imagens e mais explicações.

Paranoia ou mistificação (mais uma vez)

2011-08-09T20:03:00.000-03:00

PARANOIA OU MISTIFICAÇÃO
Monteiro Lobato
Estado de São Paulo, 20/12/1917

Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que vêm as coisas e em consequência fazem arte pura, guardados os eternos ritmos da vida, e adotados, para a concretização das emoções estéticas, os processos clássicos dos grandes mestres.
Quem trilha esta senda, se tem gênio é Praxiteles na Grécia, é Rafael na Itália, é Reynolds na Inglaterra, é Dürer na Alemanha, é Zorn na Suécia, é Rodin na França, é Zuloaga na Espanha. Se tem apenas talento, vai engrossar a plêiade de satélites que gravitam em torno desses sóis imorredouros.
A outra espécie é formada dos que vêm anormalmente a natureza e a interpretam à luz das teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes, surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva. São produtos do cansaço e do sadismo de todos os períodos de decadência; são frutos de fim de estação, bichados ao nascedouro. Estrelas cadentes, brilham um instante, as mais das vezes com a luz do escândalo, e somem-se logo nas trevas do esquecimento.
Embora se dêem como novos, como precursores de uma arte a vir, nada é mais velho do que a arte anormal ou teratológica: nasceu como a paranóia e a mistificação.
De há muito que a estudam os psiquiatras em seus tratados, documentando-se nos inúmeros desenhos que ornam as paredes internas dos manicômios.
A única diferença reside em que nos manicômios essa arte é sincera, produto lógico dos cérebros transtornados pelas mais estranhas psicoses; e fora deles, nas exposições públicas zabumbadas pela imprensa partidária mas não absorvidas pelo público que compra, não há sinceridade nenhuma, nem nenhuma lógica, sendo tudo mistificação pura.
Todas as artes são regidas por princípios imutáveis, leis fundamentais que não dependem da latitude nem do clima.
As medidas da proporção e do equilíbrio na forma ou na cor decorrem do que chamamos sentir. Quando as coisas do mundo externo se transformam em impressões cerebrais, “sentimos”. Para que sintamos de maneira diversa, cúbica ou futurista, é forçoso ou que a harmonia do universo sofra completa alteração, ou que o nosso cérebro esteja em desarranjo por virtude de algum grave destempero.
Enquanto a percepção sensorial se fizer no homem normalmente, através da porta comum dos cinco sentidos, um artista diante de um gato não poderá “sentir” senão um gato; e é falsa a “interpretação” que o bichano fizer do totó, um escaravelho ou um amontoado de cubos transparentes.
Estas considerações são provocadas pela exposição da sra. Malfatti, onde se notam acentuadíssimas tendências para uma atitude estética forçada no sentido das extravagâncias de Picasso & Cia.
Essa artista possui um talento vigoroso, fora do comum. Poucas vezes, através de uma obra torcida em má direção, se notam tantas e tão preciosas qualidades latentes. Percebe-se, de qualquer daqueles quadrinhos, como a sua autora é independente, como é original, como é inventiva, em que alto grau possui umas tantas qualidades inatas, das mais fecundas na construção duma sólida individualidade artística.
Entretanto, seduzida pelas teorias do que ela chama arte moderna, penetrou nos domínios de um impressionismo discutibilíssimo, e pôs todo o seu talento a serviço duma nova espécie de caricatura.
Sejamos sinceros: futurismo, cubismo, impressionismo e tutti quanti não passam de outros ramos da arte caricatural. É a extensão da caricatura a regiões onde não havia até agora penetrado. Caricatura da cor, caricatura da forma – mas caricatura que não visa, como a verdadeira, ressaltar uma idéia, mas sim desnortear, aparvalhar, atordoar a ingenuidade do espectador.
A fisionomia de quem sai de uma de tais exposições é das mais sugestivas.
Nenhuma impressão de prazer ou de beleza denunciam as caras; em todas se lê o desapontamento de quem está incerto, duvidoso de si próprio e dos outros, incapaz de raciocinar e muito desconfiado de que o mistificaram grosseiramente.
Outros, certos críticos, sobretudo, aproveitam a vasa para “épater le bourgeois” (chocar o burguês). Teorizam aquilo com grande dispêndio de palavreado técnico, descobrem na tela intenções inacessíveis ao vulgo, justificam-nas com a independência de interpretação do artista; a conclusão é que o público é uma besta e eles, os entendidos, um grupo genial de iniciados nas transcedências sublimes duma Estética Superior.
No fundo, riem-se uns dos outros – o artista do crítico, o crítico do pintor. É mister que o público se ria de ambos.
“Arte moderna”: eis o escudo, a suprema justificação de qualquer borracheira.
Como se não fossem moderníssimos esse Rodin que acaba de falecer, deixando após si uma esteira luminosa de mármores divinos; esse André Zorn, maravilhoso virtuose do desenho e da pintura; esse Brangwyn, gênio rembrandtesco da babilônia industrial que é Londres; esse Paul Chabas, mimoso poeta das manhãs, das águas mansas e dos corpos femininos em botão.
Como se não fosse moderna, moderníssima, toda a legião atual de incomparáveis artistas do pincel, da pena, da água-forte, da “ponta-seca”, que fazem da nossa época uma das mais fecundas em obras primas de quantas deixaram marcos de luz na história da humanidade.
Na exposição Malfatti figura, ainda, como justificativa da sua escola, o trabalho de um “mestre” americano, o cubista Bolynson. É um carvão representando (sabe-se disso porque o diz a nota explicativa) uma figura em movimento. Ali está entre os trabalhos da sra. Malfatti em atitude de quem prega: eu sou o ideal, sou a obra prima; julgue o público do resto, tomando-me a mim como ponto de referência.
Tenhamos a coragem de não ser pedantes; aqueles gatafunhos não são uma figura em movimento; foram isto sim, um pedaço de carvão em movimento. O sr. Bolynson tomou-o entre os dedos das mãos, ou dos pés, fechou os olhos e fê-lo passear pela tela às tontas, da direita para a esquerda, de alto a baixo. E se não fez assim, se perdeu uma hora da sua vida puxando riscos de um lado para outro, revelou-se tolo e perdeu o tempo, visto como o resultado seria absolutamente igual.
Já em Paris se fez uma curiosa experiência: ataram uma brocha à cauda de um burro e puseram-no de traseiro voltado para uma tela. Com os movimentos da cauda do animal a brocha ia borrando um quadro...
A coisa fantasmagórica disso resultante foi exposta como um supremo arrojo da escola futurista, e proclamada pelos mistificadores como verdadeira obra prima que só um ou outro raríssimo espírito de eleição poderia compreender.
Resultado: o público afluiu, embasbacou, os iniciados rejubilaram – e já havia pretendentes à compra da maravilha quando o truque foi desmascarado.
A pintura da sra. Malfatti não é futurista, de modo que estas palavras não se lhe endereçam em linha reta; mas como agregou à sua exposição uma cubice, queremos crer que tende para isso como para um ideal supremo.
Que nos perdoe a talentosa artista, mas deixamos cá um dilema: ou é um gênio o sr. Bolynson e ficam riscadas desta classificação, como insignes cavalgaduras cortes inteiras de mestres imortais, de Leonardo a Rodin, de Velazquez a Sorolla, de Rembrandt a Whistler, ou... vice versa. Porque é de todo impossível dar o nome de obra d’arte a duas coisas diametralmente opostas como, por exemplo, a “Manhã de Setembro” de Chabas e o carvão cubista do sr. Bolynson.
Não fosse profunda a simpatia que nos inspira o belo talento da sra. Malfatti, e não viríamos aqui com esta série de considerações desagradáveis. Como já deve ter ouvido numerosos elogios à sua nova atitude estética, há de irritá-la como descortês impertinência a voz sincera que vem quebrar a harmonia do coro de lisonjas.
Entretanto, se refletir um bocado verá que a lisonja mata e a sinceridade salva.
O verdadeiro amigo de um pintor não é aquele que o entontece de louvores; sim, o que lhe dá uma opinião sincera, embora dura, e lhe traduz chãmente, sem reservas, o que todos pensam dele por detrás.
Os homens têm o vezo de não tomar a sério as mulheres artistas. Essa é a razão de as cumularem de amabilidades sempre que elas pedem opinião.
Tal cavalheirismo é falso; e sobre falso nocivo. Quantos talentos de primeira água não transviou, não arrastou por maus caminhos, o elogio incondicional e mentiroso? Se víssemos na Sra. Malfatti apenas a “moça prendada que pinta”, como as há por aí às centenas, calar-nos-íamos, ou talvez lhe déssemos meia-dúzia desses adjetivos bombons que a crítica açucarada tem sempre à mão em se tratando de moças.
Julgamo-la, porém, merecedora da alta homenagem que é ser tomada a sério e receber a respeito de sua arte uma opinião sinceríssima – e valiosa pelo fato de ser o reflexo da opinião geral do público não idiota, dos críticos não cretinos, dos amadores normais, dos seus colegas de cabeça não virada – e até dos seus apologistas.
Dos seus apologistas, sim, dona Malfatti, porque eles pensam deste modo... por trás.

Segundo Conjunto 2011

2011-05-22T10:22:00.000-03:00

Aqui estão alguns links pra post sobre os seguintes assuntos:

Barroco Brasileiro:
Geral:
http://prosalunos.blogspot.com/2011/04/barroco-brasileiro.html
http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-brasileiro.html

Barroco Mineiro
http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-mineiro.html

Missão Artística Francesa:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/misso-artstica-francesa.html

Academia Imperial de Belas Artes:

Nesse post falo também de Almeida Junior (mas não estará na prova - já que só na 52 consegui chegar nesse artista).
http://prosalunos.blogspot.com/2010/05/academia-imperial-de-belas-artes.html

Lembre-se que terão coisinhas sobre História da Arte Geral! Não adianta reclamar! rs! É pro bem de vocês!

Como disse na sala de aula: olhem as PÁGINAS 12 E 13!

Ah, só pra constar, aqui está uma foto da Galeria Imperial com as duas imagens que lemos em sala de aula: a BATALHA DOS GUARARAPES e a BATALHA DO AVAÍ.

Pequena a sala, né?! hehehehehe!

Abraços!

ESCHER no CCBB

2011-05-16T10:49:00.000-03:00

Diferente de algumas críticas que li, não achei a exposição "O Mundo Mágico de Escher" no Centro Cultural do Banco do Brasil decepcionante.

Quando cheguei dei de cara com uma fila enorme. Isso me deixa um pouco chateada: odeio filas! Mas ao mesmo tempo me fez ficar feliz! Como arte educadora, acho o maior barato saber que as pessoas fazem fila pra ver ARTE! E tinha gente de todo tipo... famílias com crianças, casais de idosos, descolados, intelectuais, intelectualóides, adolescentes... enfim, várias pessoas. No começo me irritei com uma possível falta de organização dos funcionários, já que havia uma fila e pessoas entravam sem ficar na fila! Uma mulher que estava atrás de mim foi tirar satisfação com o segurança e ele a disse que algumas pessoas tinham monitoria agendada e por isso não precisavam ficar na fila! E até disse que se ela não quisesse ficar na fila era só ligar lá em horário comercial e agendar a sua visita. Esse serviço existe e é de graça... ou seja, você que está lendo isso aqui pode formar um pequeno grupo e tentar fazer isso!

Outro motivo de pessoas entrarem sem ficar na fila é que a tal fila era para ver a exposição como se devia: começando pelo terceiro piso. Quem ficasse contente em ver só o subsolo poderia entrar sem fila... Bom, sem fila "mais ou menos", já que também tinha uma fila para ir ao subsolo. Parei de reclamar da fila e resolvi curtir!

Conheci Escher na época da faculdade. Lembro de passar horas olhando para suas obras reproduzidas em livros imensos (e caros, que nunca pude comprar) na biblioteca. Ele sempre me fascinou com suas formas impossíveis e improváveis, com seus desenhos tão realistas, mas tão oníricos ao mesmo tempo.

Estar ao vivo, ao lado de obras de Escher foi uma experiência muito boa para mim. Apesar de já ter viajado um pouco e conhecido vários museus por ai, nunca tinha visto tantas obras desse holandês... nunca tinha visto ao vivo imagens que sempre considerei sensacionais, como essas:

Claro que o fato de eu ser "louca" por esse artista ajudou eu gostar da exposição.

Gostei de ver obras que tanto gosto ao vivo, gostei de ver tantas crianças, jovens, adultos e idosos maravilhados... curtindo, rindo... fazendo comentários empolgados! Isso, pra mim que sou arte-educadora, supera os pequenos problemas de curadoria.

A proximidade entre as obras que foi criticada por alguns é algo que, infelizmente, vemos por toda parte! mesmo museus grandes e respeitados como o Louvre (Paris) ou o Metropolitan (Nova York) fazem esse tipo de coisa. Fui em uma exposição super bacana do Kandinsky no Guggenheim NY e também critiquei o pouco espaço entre as obras, mas depois de ouvir o comentário de algumas pessoas percebi que isso é uma opção muito comum de curadores atualmente, pois faz com que mergulhemos no universo do artista. Enquanto nossos olhos estão fixados em uma imagem, vemos (sem nos dar conta) outras obras... e isso colabora para a imersão no universo do artista. Há quem diga que nosso cérebro até guarda mais aquilo que vemos sem nos dar conta do que aquilo que prestamos bastante atenção. Olhar pra uma imagem e ficar concentrado nela é sensacional... pra ler, pra curtir... Mas não há problema em ela estar próxima de outra. Nossos olhos são seletivos! É até bacana pra "brincar" de figura-fundo - como tantos artistas ao longo da História da Arte fizeram.

A exposição trazia vários textos curtos e superficiais sobre o artista e suas obras. Penso que a opção partiu da ideia de que a maioria das pessoas não lê os textos nas exposições. Não lêem por que são longos, por que são complexos demais ou por falta de interesse mesmo. Pra mim que sou historiadora da arte e, portanto, tenho um conhecimento técnico sobre arte maior que o dos leigos, achei simples demais... mas, não acho que os textos das exposições devam ser complexos... afinal, já disse... textos complexos afastam o público. Parto do princípio de que quem quiser conhecer mais o artista irá procurar em livros, na Internet... Não estou dizendo que as pessoas leigas em arte não merecem conhecer mais um artista... Se pensasse assim não seria professora! Mas acho que uma exposição não é o lugar para se sair especialista. Uma exposição é o lugar pra se conhecer... pra ser "tocado". Como ADORO imagens, acredito que é mais importante VER do que LER sobre o artista. Muitas vezes os textos fazem com que a visão seja racional demais... limitam, bloqueiam a contemplação espontânea. Por isso gostei dos textos da exposição no CCBB. Nunca vi em uma exposição tanta gente parar pra ler os textos... além disso, eram acessíveis. Crianças liam e entendiam! E repito: aqueles que gostaram das obras certamente irão atrás de mais informações! É assim que deve ser!

A exposição também conta com alguns vídeos, esse é um deles. Achei sensacional! Essa gravação não está tão boa, mas dá pra ter uma ideia do que é!

Outro vídeo bastante concorrido era um filme em 3D de 8 minutos pelas construções de Escher. Era preciso pegar ingresso na bilheteria (gratuito). Não eram um "Avatar" da vida, mas foi divertido! É bem legal ver que mesmo o que parece não é! rs! Eu tenho problemas com 3D! Demoro pra acostumar e, como uso óculos, sempre tenho problemas em ver a imagem direito! Como alguns brincam, eu sou "chique" e só consigo curtir 100% cinema 3D se for IMAX! (porque os óculos são imensos e consigo colocá-los sobre os meus sem incômodo)... por isso, normalmente, fujo dos filmes 3D em salas normais. Ainda assim fui, nem fiquei enjoada! hehehehehe! Foi bacana, simples... como já mencionei, mas bacana.

Esse vídeo mostra mais ou menos o que vemos no filminho 3D. A qualidade desse vídeo está ruim e há um narrador falando em inglês.

Nessa exposição há um pouco de interatividade. Notem que disse "um pouco"! Bom, não culpo o CCBB já que o artista nunca fez nenhuma obra que o público interagisse fisicamente (tocando, entrando na obra fisicamente). A interação de Escher com o público era mental.
Algumas instalações foram criadas a partir de obras famosas. Divertido! Poucas coisas e bem simples, mas divertido!
Há uma salinha chamada "casa de Escher" no subsolo que reproduz a sala em que ele fez algumas obras (como aquela que eu coloquei acima, que ele segura a esfera de vidro espelhada). Você pode se sentar na cadeira e segurar a bola! E verá você no lugar dele! Bom, isso se você tiver sorte de a sala estar vazia ou então as pessoas que estiverem lá dentro com você forem camaradas e não ficarem tão no meio do caminho. Tive essa sorte! As pessoas foram legais!

Há também um documentário sobre o artista. Muito poucas pessoas ficavam para vê-lo (já que tem mais de 50 minutos). Eu entendo que ficar uma hora vendo um documentário não é (definitivamente) atrativo. Mas ai entra aquele papo sobre os textos simples. A pessoa que tiver interesse vai querer saber mais e ai, o documentário pode ajudar! Eu, se fosse curadora, teria feito a mesma coisa. Informações simples pro público geral e mais completas para os que tem interesse.

O que vale é que a exposição tem várias obras sensacionais! vale demais a pena ver e curtir! Saiba apenas que está bem lotada! Segundo uma segurança muito gente boa que conversou comigo, todos os dias estão bem cheios... mas é claro que aos finais de semana fica um pouco pior. O melhor dia, pra quem tem tempo, parece que é a terça-feira.

A exposição vai até dia 17 de Julho. Terça a domingo. GRÁTIS!

PS.: o catálogo da exposição custa R$ 80,00 e ainda não comprei o meu por problemas técnicos ($$$)! rs
(portanto não posso dizer se é bom e se vale a pena o investimento).

Vejam... aproveitem, comentem!

Um pouco de arte pro OITAVO

2011-05-04T17:47:00.001-03:00

Olá pessoal

Não é a primeira vez que coloco por aqui algumas coisinhas pra dar um help pros meus alunos. Dessa vez é uma ajudinha pros menores.

Nos nossos últimos encontros fizemos uma série de trabalhos ligados à pintura. Quero apresentá-los aqui pra vocês e explicar um pouquinho sobre o objetivo de tudo isso.

O objetivo primeiro era trabalhar com pintura. Pintura no sentido teórico e prático. A experiência de ver, conhecer e fazer... Um pouco do que Ana Mae Barbosa propõem com a Metodologia Triangular.

Parte I

O TEMA trabalhado foi a pintura de paisagem. Esse é um gênero que só ganhou destaque depois do romantismo. Até então, era considerado um gênero inferior. Pois é! Menor...

Algumas paisagens de Monet (importante artista impressionista, século XIX)

Paisagem é a representação de um LUGAR. Não precisa ser somente paisagem natural (como algumas pessoas pensam). Uma pintura de paisagem pode trazer uma cidade, casas, prédios, fazendas... É a representação de um ONDE.

Pintura de paisagem feita pelo aluno Natan.

Nesse trabalho trabalhamos com a técnica do degradê de duas maneiras:

ADIÇÃO: quando misturamos duas ou mais tintas diferentes para alterar a cor (como o que fizemos com o azul).

SUBTRAÇÃO: quando diluímos a tinta para diminuir sua intensidade e, com isso, o tom (como fizemos com o verde).

Parte II

O segundo tema trabalhado foi o Reatrato. Há muito tempo os artistas fazem retratos e auto-retratos (quando o artista retrata a si mesmo).

Vários estilos artisticos trabalham esse gênero, desde os mais tradicionais até os mais modernos.

Alguns retratos de Pablo Picasso, um dos maiores artistas do século XX. (O primeiro é um auto-retrato)

Retrato é a representação de uma ou mais pessoas. Difere das cenas porque os personagens estão posando, parados. (Nas cenas há uma ação e é ela o mais importante da pintura).

Pintura de Retrato feita pela aluna Nathalia.

Nesse trabalho trabalhamos os recortes de tons. Ma mistura de PRETO + BRANCO gerando tons de cinza.

Quanto mais branco mais claro, quanto mais preto mais escuro.

Parte III

O terceiro tema trabalhado foi a pintura abstrata. Mais especificamente o ABSTRACIONISMO GEOMÉTRICO (também conhecido como Abstracionismo Formal).

A arte abstrata é uma das maiores inovações da arte do século XX. Ela vem pra mostrar que a pintura não precisa estar subordinada a uma história. É a arte por si só! São cores, formas, ideias, materiais e expressão do artista.

Um dos maiores artistas que trabalha com a abstração geométrica é MONDRIAN.

Outro que também ficou conhecido por suas composições geométricas foi o russo MALEVICH. Veja uma obra desse artista:

O outro tipo de asbtracionismo é o INFORMAL - aquele que não usa formas geométricas, mas a livre expressão do artista. A cor é mais importante que a forma. O maior representante desse tipo de pintura é KANDINSKY.

Veja algumas composições abstratas desse artista:

Em nossa aula, trabalhamos com a abstração geométrica.

Pintura abstrata geométrica feita pela aluna Najla.

A ideia era trabalhar com POLICROMIA - uso de várias cores na composição (além, é claro, de usar polígonos e / ou sólidos geométricos).

Parte IV

O quarto tema trabalhado foi a pintura de natureza-morta. Esse gênero engloba as pinturas com objetos e flores e frutas sobre mesas.

Costumo dizer aos alunos que, se uma flor é representada em um jardim, trata-se de uma paisagem... mas se ela está em um vaso, sobre uma mesa, é uma natureza-morta.

Vários artistas trabalharam esse gênero ao longo da História da Arte. Muitas vezes ele era usado como treinamento de desenho e pintura de observação.

Aqui está uma das naturezas mortas mais famosas da História da Arte: os Girassóis de VAN GOGH:

Em nossa aula, trabalhamos além do gênero, a ideia empregada por Van Gogh: a de usar cores análogas em sua composição. Nessa obra, vemos cores análogas ao AMARELO.

Pintura de natureza-morta feita pela aluna Jessica.

Parte V

O quinto tema trabalhado foi mais uma vez a arte abstrata, porém, dessa vez mostrei aos alunos um pouco do EXPRESSIONISMO ABSTRATO de Jackson Pollock.
Com sua inovadora técnica do GOTEJAMENTO ele criou quadros incríveis e arrojados.
Era muito mais do que simplesmente jogar tinta na tela, mas era ser diferente. Até ele, a pintura (desde os tempos das cavernas) utilizava mais ou menos a mesma ideia: uma tinta, um suporte e um objeto que levasse a tinta ao suporte tocando-o. Pollock quebra essa regra básica da pintura e por isso é tão inovador.

Uma composição de Jackson Pollock:

Uma composição "a la" Pollock feita pela aluna Giovanna:

Gostaria de lembrar que o estilo EXPRESSIONISMO ABSTRATO também referência ao gesto. Não é só uma pintura abstrata e expressiva. A expressão vem do gesto do artista, do corpo todo.

Por enquanto foi isso. Ainda temos dois temas pela frente: a cópia e a releitura. Depois coloco trabalhos de alunos por aqui!

Para quem quiser dar uma olhada, aqui está um post de 2009 aqui do blog que fala de pintura e de releitura. Tem algumas imagens bem legais! Vale a pena conferir!!!

http://prosalunos.blogspot.com/2009/03/revisoes-e-mais-revisoes.html

Apareçam sempre!
Boa visita ao "prosalunos".

Barroco Brasileiro (2011)

2011-04-16T12:16:00.004-03:00

Cresci em uma pequena cidade do interior de São Paulo chamada Piracaia... cresci, de certa forma, em um cenário barroco. Morei por vários anos em uma casa colonial numa cidadezinha com várias casinhas coloniais (já não está mais tão cheia assim, infelizmente). As duas igrejas mais importantes da cidade, a matriz de Santo Antonio e a de Nossa Senhora do Rosário, barrocas. Isso tudo sempre foi comum pra mim: pé direito alto, portas enormes... igreja com talhas douradas, azulejos portugueses, esculturas de santos bem dramáticas (e assustadoras! Sim, morria de medo de algumas delas quando era criança).

Algumas fotos Barrocas lá de Piracaia

Interior da Igreja de Santo Antonio da cachoeira

Como já comentei com alguns, no teto dessa igreja estão pintados todos os papas desde São Pedro até Bento XVI. É a única igreja fora de Roma que tem isso (a de Roma é a de São Paulo)

Essa era uma das esculturas que me dava medo quando criança! rs

Igreja do Rosário

Notem que o altar da igreja do Rosário tem talha de madeira e bem poucos detalhes dourados. É uma igreja bem mais simples que a Matriz.

Esse prédio em estilo colonial é o colégio que eu estudei a maior parte da minha vida! O "Grupo Escolar" (Escola Estadual de Primeiro Grau Coronel Thomaz Gonçalves da Rocha Cunha) é a escola mais tradicional da cidade. Várias (bota várias nisso) gerações estudarm lá.

Todas as vezes quando começo a falar do Barroco Brasileiro pros meus alunos me lembro de meu tempo no interior... das Semanas Santas (com a procissão do Senhor Morto), das brincadeiras em frente a igreja do rosário, da minha antiga casa... Dá saudade!

Também lembro das viagens a Minas Gerais nas férias... Tanto da casa dos meus avós como de Ouro Preto, Mariana, São João del Rei, Congonhas do Campo...

Estes são alguns post antigos sobre o Barroco aqui no blog. Podem ajudá-los a entender melhor o movimento aqui no Brasil.

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-mineiro.html

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-brasileiro.html

Abraço a todos!

Olhos

2011-04-10T11:55:00.000-03:00

Sempre achei os olhos a coisa mais atraente em uma pessoa. E não estou restringindo aos olhos de cores mais raras: os azuis, verdes e cia. Mas aos olhos com expressão. Os olhos que são como ímãs.

Esses dias cai na "praga da vez": peguei conjuntivite. Não sei ao certo onde ou por quem peguei esse mal, o fato é que passei uma semana me segurando para não colocar no meu olho vermelho os dedos cheios de vontade de coçar.
Uma das frases de alerta no papel recebido pelo médico dizia em letras garrafais: TENHA PACIÊNCIA! E, confesso que esse é o desafio mais difícil quando se está com conjuntivite. O meu caso não foi tão sério, além disso, consegui não passar a vermelhidão do olho direito para o esquerdo. Para conseguir isso foi um sufoco. Mas consegui!!!

O fato é que esses dias em casa (em "quarentena") me fez pensar muito em OLHO. Como disse no início, os olhos sempre me atrairam. Certa vez, quando adolescente, fiz uma capa para um caderno cheia de olhos! (Eu adorava fazer colagens para encapar meus cadernos e fichários). É uma pena que não tenho mais esses cadernos, nem mesmo fotos deles. Do caderno com olhos, me deu ideia de criar um painel cheio de olhos... um quadro de olhos. Cheguei a recortar muitos olhos de revistas, mas no fim a ideia só ficou no papel (e sem cola) e acabei perdendo os recortes.

Dessa vez, não fiz recortes, mas pensei em algumas obras de arte que gosto e que tem olhos!

Magritte, Dalí, Man Ray e Miró... quatro artistas que, cada um à sua moda, fizeram obras surreais. Esses olhos sempre me atraíram... e agora, ainda mais.

Deliciem-se com as imagens que eu vou me deliciar com meus olhos (sem lágrimas, sem vermelhidão e sem coceira).

Holandeses no Brasil

2011-03-29T20:52:00.000-03:00

No século XVII a Holanda invadiu o Brasil, mais precisamente Pernambuco. O conde Mauricio de Nassau trouxe em sua comitiva um pequeno grupo de artistas para retrataram o novo mundo para os europeus verem - ou melhor, para retratar a "nova Holanda". Os principais artistas desse grupo foram Frans Post e Albert Eckhout.
Frans Post ficou encarregado de registrar as paisagens pernambucanas. Seus quadros serviriam como cartões postais, fotografias jornalísticas. Cabia a esse artista ser fiel ao que via para que, lá na Holanda, todos soubessem como era a nova colônia.
Albert Eckhout ficou encarregado de registrar os tipos etnicos. Os holandeses tinham se deparado com uma realidade muito diferente da européia, já que aqui a mistura entre europeus, índios e negros tinham gerado vários tipos diferentes: mulatos, mamelucos e cafusos. Eckhout também se interessava pela flora brasileira e fez vários quadros onde esse elemento era enfatizado - seja em seus retratos etinicos, seja em suas naturezas-mortas.
É importante lembrarmos que trata-se do século XVII e de holandeses. Nessa época, na Holanda, tinhamos o Barroco (os principais artistas holandeses dessa época eram Rembrant e Vermeer), com características específicas.
Além dos efeitos de luz e sombra e da composição desequilibrada - características que também percebemos no Barroco italiano, temos quadros amarelados, com cores terrosas e escuros. Parece que falta luz!
Também precisamos lembrar que na Holanda, a reforma protestante bem forte e, por isso, a contra-reforma não conseguiu levar ao país o Barroco católico. O Barroco holandês traz como principal tema a vida cotidiana - resquício do humanismo da época do Renascimento.

Algumas obras de Frans Post:

Algumas obras de Albert Eckhout:

Arte Brasileira I

2011-03-24T16:34:00.001-03:00

Olá pessoal

Para variar, época de prova e o pessoal aparece para visitar o "prosalunos".
Gostaria de indicar alguns sites pra vocês. Podem ser bem interessantes!

- Arqueologia
http://www.arqueologiabrasil.com.br/ http://www.fumdham.org.br/parque.asp

- Cerâmica Marajoara / Santarém
http://www.marajoara.com/index_portuguese.html http://prosalunos.blogspot.com/2007/03/arte-brasileira.html

- Arte Indígena
http://www.arteindigena.com.br/http://www.socioambiental.org/pib/portugues/comovivem/artes.shtm

- Post antigo sobre o Pré Cabralino (com algumas coisas sobre as culturas Santarém e Marajoara).

http://prosalunos.blogspot.com/2007/03/arte-brasileira.html
Lá eu coloquei a letra de uma música chamada "Chegança", do artista brasileiro Antonio Nobrega.

Vale a pena conhecer a música!

The Metropolitan Museum of Art

2011-02-03T20:17:00.001-02:00

http://www.metmuseum.org/
Sei que ainda estou muito empolgada com a recente viagem, mas começo dizendo que este é o melhor museu que eu já vi em minha vida. Há quem diga que isso não é possível, outros podem concordar e alguns apenas concluir que ainda faltam importantes museus na minha lista.
O fato é que mesmo depois de ter ido à Europa e feito meu tour por museus, considero o MET o melhor.
Mas por quê?
Uma das razões que me fez ficar tão encantada com o Met foi a organização, clareza, cenografia, disponibilização das obras no espaço. O Met é um museu em que você se sente acolhido. É bom estar lá. Não há paredes abarrotadas de quadros, não há objetos jogados nos cantos. Tudo é especial.
Para se entrar no Met não é preciso pagar. Se você não tiver dinheir também pode visitá-lo. O valor da entrada (US$ 20) é só um preço sugerido - você pode, portanto, pagar menos ou mais... Ou como disse, não pagar nada.
No Met podemos encontrar desde arte pré-histórica até arte contemporânea. Pinturas, esculturas, múmias, tumbas, ânforas gregas, instalações, jóias, móveis de época, fotografias e tantas outras coisas ocupam o mesmo espaço - claro que de maneira muito organizada e harmônica.
Lá podem não estar as obras mais famosas do mundo, mas certamente o conjunto é sensacional. Não tem como ficar apático às salas do século XIX e as tantas obras de Cézanne, Monet, Pissarro, Renoir, Degas... e os Van Goghs! Como são lindos os quadros de Van Gogh que estão no Met.

Lá eu encontrei várias crianças em atividades arte-educativas, estudantes de arte, artistas fazendo seus desenhos, famílias (turistas também, claro). Gosto muito de ver museu cheio de gente interessada - não só pessoas que vão só pra dizer que foram (uma das coisas que mais me irritou no Louvre, por exemplo, foi ver a multidão de pessoas lá só pra ver a Monalisa). Lá no Met, por mais que tenham obras importantes, nenhuma é tão famosa quanto a "Dona Gioconda". Lá tem muita coisa importante, mas a maior parte delas só é facilmente reconhecida para aqueles que conhecem um pouquinho de arte pelo menos. Talvez isso me fez gostar tanto desse lugar: lá tem "todo mundo" que é mestre na história da arte e, ao mesmo tempo, o mais valorizado é a ARTE em si e não um nome ou uma obra específica.

Não consegui ver o Met em um dia só. Fui lá em dois dias - e passaria dias e dias por lá se pudesse.
A diversidade e a maneira tão primorosa como os espaços são organizados fazem com que o Met proporcione aos seus visitantes momentos tão diferentes e tão mágicos. Quando fui lá pela segunda vez, por um instante me desliguei tanto do mundo que pensei estar em outro lugar... como se dentro do Met coubessem vários museus diferentes. Pode ser que algumas pessoas achem que isso seja um defeito, mas para mim não é - sobretudo porque eles organizam os espaços de modo a criar propositadamente essas diferenças. Eles SABEM fazer isso! (Uma coisa meio "disney world"! hahahahaha).
Estar no Met é vivenciar uma aula de História da Arte. Dá para se fazer percursos cronológicos, temáticos... estabelecer relações entre épocas, artistas e ideias sem precisar sair de ir a outro museu.
Bom, é melhor eu parar de "babar" pelo Metropolitan, antes que meu teclado se estrague! hehehehehe!
O negócio é começar a fazer planos para juntar dinheiro para poder voltar pra lá o mais rápido possível!

Ajudinha 4 de 2010

2010-11-02T19:18:00.001-02:00

Para aqueles que precisam rever imagens, uma ajudinha.

SEGUNDA GERAÇÃO MODERNISTA

PÓS-MODERNISMO

HÉLIO OITICICA E LYGIA CLARK

Gostaria de deixar AQUI o link pro site do Projeto Portinari. É muito bom, bem completo e será muito interessante para vocês conhecerem melhor esse artista do interior de São Paulo.

Gostaria de lembrar que nada, nada mesmo substitui a atenção às aulas. Espero ter ajudado.

Pra quem quer ver algumas obras ao vivo aqui em São Paulo, indico:

MAC - USP

Cidade Universitária

Rua da Praça do Relógio, 160 (antiga Rua da Reitoria) - Cidade Universitária

Horários:

Terça à sexta das 10 às 18; Sábado, domingo e feriados das 10 às 16 horas

Segunda-feira fechado

Ibirapuera

Pavilhão Ciccillo Matarazzo, 3° piso - Parque Ibirapuera

Horários:

Terça a domingo das 10 às 18 horas

Segunda-feira fechado

ATENÇÃO: a entrada no MAC é sempre GRATUITA!

MAM - SP
Parque do Ibirapuera, portão 3 - s/nº
Horários:
Bilheteria: terça a domingo e feriados das 10h às 17h30
Visitação: terça a domingo e feriados das 10h às 18h
Fechado às segundas-feiras (inclusive feriados)
Entrada: R$5,50
Meia entrada para estudantes, mediante apresentação da carteirinha
Gratuidade para menores de 10 e maiores de 65 anos, sócios do MAM e funcionários das empresas parceiras
ATENÇÃO: ENTRADA GRATUITA AOS DOMINGOS!

MASP
Avenida Paulista, 1578
Próximo à estação do metrô Trianon-MASP
Horários:
Segunda-feira: fechado
De terça a domingo: das 11h às 18h (bilheteria aberta até até 17h30)
Quinta-feira: das 11h às 20h (bilheteria até até 19h30).
Ingressos:
Para público em geral: R$15,00 (valor inteiro)
Para estudantes, professores e aposentados com comprovantes: R$7,00 (meia-entrada)
Menores de 10 e maiores de 60 anos não pagam
ATENÇÃO: Terça-feira: entrada gratuita para o público em geral!

PINACOTECA
Pinacoteca do Estado de São Paulo
Praça da Luz, 02 - Luz - Tel. 11 3324-1000
Estação Pinacoteca
Largo General Osório,66 - Centro - Tel. 11 3335-4990
Horários:
Terça a domingo das 10h às 17h30 com permanência até as 18h
Ingresso combinado (Pinacoteca e Estação Pinacoteca): R$ 6,00 e R$ 3,00
Estudantes com carteirinha pagam meia entrada.
Crianças com até 10 anos e idosos maiores de 60 anos não pagam.
ATENÇÃO: Grátis aos sábados!

Hélio Oiticica e Lygia Clark

2010-11-02T18:56:00.000-02:00

Mais uma vez venho aqui nesse blog pra falar de Hélio Oiticica e Lygia Clark. Tem um post de 2008 chamado Arte Contemporânea Brasileira. Mas lá não tem tudo o que eu gostaria que vocês soubessem sobre eles, sobretudo sobre Oiticica.
Primeiramente gostaria de dividir a obra desse artista em 5 tipos. (Não gosto muito disso, de rotular sua obra, mas por questões didáticas fica mais fácil.) A obra dele é muito mais que isso... Esses nomes são apenas os principais. Se você gostar desse artista incrível, procure conhecê-lo mais e melhor. O Itaú Cultural tem um Programa sobre ele. Vale a pena conferir: programa Hélio Oiticica.

Basicamente, suas obras são:

Metaesquemas: pinturas abstratas geométricas. Note o início do estudo sobre o espaço e o movimento.

Núcleos: placas quadrangulares que ocupam o espaço. Uma certa forma de trazer para a realidade as pinturas de seus metaesquemas.

Penetráveis: salas, instalações, ninhos.

Parangolés: capas, obras de vestir, dançar, sentir.

Bólides: objetos artísticos feitos com materiais diversos, muitas vezes encontrados no cotidiano.

Só para constar, na 29a Bienal Internacional de São Paulo temos algumas obras de Oiticica. Clique aqui pra dar uma olhada!

Sobre Lygia, o post anterior, de 2008 já pode ser útil.

Gostaria de dizer também, sobre eles, que são artistas fundamentais na História da Arte. Suas obras influenciaram muitos artistas pelo mundo. A proposta de interação, participação, múltiplas sensações estão presentes em obras de vários artistas contemporâneos. Eles fizeram com que a arte não fosse apenas para ser contemplada, mas também sentida. O público deixa de ser passivo e passa a ser parte da atividade criadora!

Beijocas artísticas a todos!

Terceira Geração Modernista / Pós Modernismo

2010-11-02T18:34:00.001-02:00

Depois da Segunda Guerra Mundial, ou melhor, nos anos 1950, a Arte Brasileira passou por um processo de intensa abstração.
Várias coisas contribuíram para esse fato. Primeiro, podemos citar a abertura do MASP - Museu de Arte de São Paulo em 1947 (ainda não era na sede atual, na Avenida Paulista, e sim no prédio dos Diários Associados, que na época era o maior conglomerado de comunicação do país). Depois a criação do MAM-SP e MAM-RJ. Esses espaços eram voltados à arte moderna e foram responsáveis pela aproximação da população a esse tipo de arte.

Além disso, no ano de 1950 aconteceu em São Paulo uma exposição inovadora do artista suiço Max Bill, em que ele mostrou, entre outras obras, Unidade Tripartida. Esta era uma escultura abstrata, algo bastante moderno até mesmo para os modernistas brasileiros. No ano seguinte aconteceu a primeira Bienal de São Paulo e, mais uma vez, Max Bill chamou a atenção. Ele recebeu, com essa mesma obra, o primeiro prêmio do evento.

Era o início de uma arte brasileira abstrata e concreta. Vão se formar dois grupos de artistas abstratos no Brasil: o grupo FRENTE no Rio de Janeiro e o grupo RUPTURA em São Paulo.

Alguns artistas do Ruptura:

Waldemar Cordeiro

Movimento, 1951

Geraldo de Barros

Função Diagonal, 1952

Alguns artistas do Frente:

Ivan Serpa

Formas, 1951

Lygia Pape

Sem título, 1858

Nesse período vamos ter ainda alguns artistas que lançam uma nova tendência da arte: A ARTE INTERATIVA. Saídos do grupo Frente, Hélio Oiticica e Lygia Clark revolucionam a arte.

Assunto para outro post.

Modernismo, uma revisão

2010-09-08T09:14:00.001-03:00

Aqui no blog mesmo tem umas coisas que podem ser úteis aos bonitinhos do segundo desse ano. Por exemplo:
Sobre o início do Modernismo no Brasil:
http://prosalunos.blogspot.com/2007/05/modernismo-brasileiro.html

Mais imagens de Lasar Segall

O Bananal

Navio de Emigrantes

Pogron

Sobre Anita Malfatti:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/anita-malfatti.html

e também tem o texto de Monteiro Lobato a respeito da exposição de 1917:

http://prosalunos.blogspot.com/2010/08/paranoia-ou-mistificacao.html

Sobre a Semana de Arte Moderna:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/semana-de-arte-moderna.html

Outros artistas da Primeira Geração Modernista (além da Anita):

Di Cavalcanti:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/di-cavalcanti.html

Nascimento de Vênus

Victor Brecheret

http://www.victor.brecheret.nom.br/

(gente... é "ponto NON" mesmo, viu!!!!)

Monumento às Bandeiras (deixa que eu empurro)

Só o coitado lá atrás é que está empurrando o barco! Reparou?? (por isso o apelido carinhoso desse monumento)

Portadora de Perfumes

Tarsila do Amaral

http://www.tarsiladoamaral.com.br/

Abaporu

Lembrem-se que Tarsila do Amaral não participou da Semana de Arte Moderna em 1922 - ela estava em Paris. Só depois, em 1923 ela começa a fazer parte do Modernismo Brasileiro.

Manifesto Antropofágico (escrito por Oswald de Andrade inspirado pela obra "Abaporu" de Tarsila do Amaral).

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/texto-de-apoio-ii-oswald-de-andrade.html

PARANÓIA OU MISTIFICAÇÃO

2010-08-09T15:45:00.000-03:00

Pessoal, mais uma vez coloco aqui o texto que Monteiro Lobato escreveu a respeito da exposição da Anita Malfatti. Gostaria de discutir esse texto com você. Saber o que concordam ou discordam das ideias de Lobato...

"A Boba", Anita Malfatti (1915/16)

MAC USP

PARANÓIA OU MISTIFICAÇÃO
Monteiro Lobato
Estado de São Paulo, 20/12/1917

Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que vêm as coisas e em consequência fazem arte pura, guardados os eternos ritmos da vida, e adotados, para a concretização das emoções estéticas, os processos clássicos dos grandes mestres.
Quem trilha esta senda, se tem gênio é Praxiteles na Grécia, é Rafael na Itália, é Reynolds na Inglaterra, é Dürer na Alemanha, é Zorn na Suécia, é Rodin na França, é Zuloaga na Espanha. Se tem apenas talento, vai engrossar a plêiade de satélites que gravitam em torno desses sóis imorredouros.
A outra espécie é formada dos que vêm anormalmente a natureza e a interpretam à luz das teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes, surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva. São produtos do cansaço e do sadismo de todos os períodos de decadência; são frutos de fim de estação, bichados ao nascedouro. Estrelas cadentes, brilham um instante, as mais das vezes com a luz do escândalo, e somem-se logo nas trevas do esquecimento.
Embora se dêem como novos, como precursores de uma arte a vir, nada é mais velho do que a arte anormal ou teratológica: nasceu como a paranóia e a mistificação.
De há muito que a estudam os psiquiatras em seus tratados, documentando-se nos inúmeros desenhos que ornam as paredes internas dos manicômios.
A única diferença reside em que nos manicômios essa arte é sincera, produto lógico dos cérebros transtornados pelas mais estranhas psicoses; e fora deles, nas exposições públicas zabumbadas pela imprensa partidária mas não absorvidas pelo público que compra, não há sinceridade nenhuma, nem nenhuma lógica, sendo tudo mistificação pura.
Todas as artes são regidas por princípios imutáveis, leis fundamentais que não dependem da latitude nem do clima.
As medidas da proporção e do equilíbrio na forma ou na cor decorrem do que chamamos sentir. Quando as coisas do mundo externo se transformam em impressões cerebrais, “sentimos”. Para que sintamos de maneira diversa, cúbica ou futurista, é forçoso ou que a harmonia do universo sofra completa alteração, ou que o nosso cérebro esteja em desarranjo por virtude de algum grave destempero.
Enquanto a percepção sensorial se fizer no homem normalmente, através da porta comum dos cinco sentidos, um artista diante de um gato não poderá “sentir” senão um gato; e é falsa a “interpretação” que o bichano fizer do totó, um escaravelho ou um amontoado de cubos transparentes.
Estas considerações são provocadas pela exposição da sra. Malfatti, onde se notam acentuadíssimas tendências para uma atitude estética forçada no sentido das extravagâncias de Picasso & Cia.
Essa artista possui um talento vigoroso, fora do comum. Poucas vezes, através de uma obra torcida em má direção, se notam tantas e tão preciosas qualidades latentes. Percebe-se, de qualquer daqueles quadrinhos, como a sua autora é independente, como é original, como é inventiva, em que alto grau possui umas tantas qualidades inatas, das mais fecundas na construção duma sólida individualidade artística.
Entretanto, seduzida pelas teorias do que ela chama arte moderna, penetrou nos domínios de um impressionismo discutibilíssimo, e pôs todo o seu talento a serviço duma nova espécie de caricatura.
Sejamos sinceros: futurismo, cubismo, impressionismo e tutti quanti não passam de outros ramos da arte caricatural. É a extensão da caricatura a regiões onde não havia até agora penetrado. Caricatura da cor, caricatura da forma – mas caricatura que não visa, como a verdadeira, ressaltar uma idéia, mas sim desnortear, aparvalhar, atordoar a ingenuidade do espectador.
A fisionomia de quem sai de uma de tais exposições é das mais sugestivas.
Nenhuma impressão de prazer ou de beleza denunciam as caras; em todas se lê o desapontamento de quem está incerto, duvidoso de si próprio e dos outros, incapaz de raciocinar e muito desconfiado de que o mistificaram grosseiramente.
Outros, certos críticos, sobretudo, aproveitam a vasa para “épater le bourgeois” (chocar o burguês). Teorizam aquilo com grande dispêndio de palavreado técnico, descobrem na tela intenções inacessíveis ao vulgo, justificam-nas com a independência de interpretação do artista; a conclusão é que o público é uma besta e eles, os entendidos, um grupo genial de iniciados nas transcedências sublimes duma Estética Superior.
No fundo, riem-se uns dos outros – o artista do crítico, o crítico do pintor. É mister que o público se ria de ambos.
“Arte moderna”: eis o escudo, a suprema justificação de qualquer borracheira.
Como se não fossem moderníssimos esse Rodin que acaba de falecer, deixando após si uma esteira luminosa de mármores divinos; esse André Zorn, maravilhoso virtuose do desenho e da pintura; esse Brangwyn, gênio rembrandtesco da babilônia industrial que é Londres; esse Paul Chabas, mimoso poeta das manhãs, das águas mansas e dos corpos femininos em botão.
Como se não fosse moderna, moderníssima, toda a legião atual de incomparáveis artistas do pincel, da pena, da água-forte, da “ponta-seca”, que fazem da nossa época uma das mais fecundas em obras primas de quantas deixaram marcos de luz na história da humanidade.
Na exposição Malfatti figura, ainda, como justificativa da sua escola, o trabalho de um “mestre” americano, o cubista Bolynson. É um carvão representando (sabe-se disso porque o diz a nota explicativa) uma figura em movimento. Ali está entre os trabalhos da sra. Malfatti em atitude de quem prega: eu sou o ideal, sou a obra prima; julgue o público do resto, tomando-me a mim como ponto de referência.
Tenhamos a coragem de não ser pedantes; aqueles gatafunhos não são uma figura em movimento; foram isto sim, um pedaço de carvão em movimento. O sr. Bolynson tomou-o entre os dedos das mãos, ou dos pés, fechou os olhos e fê-lo passear pela tela às tontas, da direita para a esquerda, de alto a baixo. E se não fez assim, se perdeu uma hora da sua vida puxando riscos de um lado para outro, revelou-se tolo e perdeu o tempo, visto como o resultado seria absolutamente igual.
Já em Paris se fez uma curiosa experiência: ataram uma brocha à cauda de um burro e puseram-no de traseiro voltado para uma tela. Com os movimentos da cauda do animal a brocha ia borrando um quadro...
A coisa fantasmagórica disso resultante foi exposta como um supremo arrojo da escola futurista, e proclamada pelos mistificadores como verdadeira obra prima que só um ou outro raríssimo espírito de eleição poderia compreender.
Resultado: o público afluiu, embasbacou, os iniciados rejubilaram – e já havia pretendentes à compra da maravilha quando o truque foi desmascarado.
A pintura da sra. Malfatti não é futurista, de modo que estas palavras não se lhe endereçam em linha reta; mas como agregou à sua exposição uma cubice, queremos crer que tende para isso como para um ideal supremo.
Que nos perdoe a talentosa artista, mas deixamos cá um dilema: ou é um gênio o sr. Bolynson e ficam riscadas desta classificação, como insignes cavalgaduras cortes inteiras de mestres imortais, de Leonardo a Rodin, de Velazquez a Sorolla, de Rembrandt a Whistler, ou... vice versa. Porque é de todo impossível dar o nome de obra d’arte a duas coisas diametralmente opostas como, por exemplo, a “Manhã de Setembro” de Chabas e o carvão cubista do sr. Bolynson.
Não fosse profunda a simpatia que nos inspira o belo talento da sra. Malfatti, e não viríamos aqui com esta série de considerações desagradáveis. Como já deve ter ouvido numerosos elogios à sua nova atitude estética, há de irritá-la como descortês impertinência a voz sincera que vem quebrar a harmonia do coro de lisonjas.
Entretanto, se refletir um bocado verá que a lisonja mata e a sinceridade salva.
O verdadeiro amigo de um pintor não é aquele que o entontece de louvores; sim, o que lhe dá uma opinião sincera, embora dura, e lhe traduz chãmente, sem reservas, o que todos pensam dele por detrás.
Os homens têm o vezo de não tomar a sério as mulheres artistas. Essa é a razão de as cumularem de amabilidades sempre que elas pedem opinião.
Tal cavalheirismo é falso; e sobre falso nocivo. Quantos talentos de primeira água não transviou, não arrastou por maus caminhos, o elogio incondicional e mentiroso? Se víssemos na Sra. Malfatti apenas a “moça prendada que pinta”, como as há por aí às centenas, calar-nos-íamos, ou talvez lhe déssemos meia-dúzia desses adjetivos bombons que a crítica açucarada tem sempre à mão em se tratando de moças.
Julgamo-la, porém, merecedora da alta homenagem que é ser tomada a sério e receber a respeito de sua arte uma opinião sinceríssima – e valiosa pelo fato de ser o reflexo da opinião geral do público não idiota, dos críticos não cretinos, dos amadores normais, dos seus colegas de cabeça não virada – e até dos seus apologistas.
Dos seus apologistas, sim, dona Malfatti, porque eles pensam deste modo... por trás.

Ajuda de junho

2010-06-16T19:17:00.000-03:00

Para ajudá-los, aqui estão links pras postagens antigas que podem ajudá-los.

MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA
http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/misso-artstica-francesa.html

ACADEMIA IMPERIAL DE BELAS ARTES
http://prosalunos.blogspot.com/2010/05/academia-imperial-de-belas-artes.html

ESCOLA NACIONAL DE BELAS ARTES
http://prosalunos.blogspot.com/2010/05/escola-nacional-de-belas-artes.html

Alguma coisa sobre teatro do século XIX
http://prosalunos.blogspot.com/2008/10/origens-martins-pena.html

Aproveito a oportunidade para lembrá-los que várias obras que estão ai, nos assuntos acima, estão na Pinacoteca do Estado aqui em São Paulo (do ladinho do metrô Luz). Aproveitem e olhem algumas exposições que estão acontecendo por lá.
http://www.pinacoteca.org.br/pinacoteca/default.aspx?c=exposicoes&mn=100

Outra dica (nem que seja só uma viagem virtual) é o Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro.
http://www.mnba.gov.br/abertura/abertura.htm

Olha só a galeria com as duas obras enormes (Baralha do Avahy do Pedro Américo e Batalha dos Guararapes do Vitor Meireles)

Abraços a todos!

Boi ou búfalo?

2010-06-16T18:57:00.001-03:00

ESSA É A POSTAGEM MAIS VISTA DO MEU BLOG. O QUE ME DEIXA MEIO TRISTE É QUE ELA NEM É EXATAMENTE SOBRE ARTE! PROVAVELMENTE AS PESSOAS ENTRAM PRA PROCURAR "BOI" OU "BÚFALO" NO GOOGLE E CHEGAM ATÉ AQUI!

CONVIDO VOCÊ QUE VEIO PARAR NESSE SITE A DAR UM PASSEIO POR ELE!!!

UM ABRAÇO!!

Já faz um tempo que estamos travando esse dilema: boi ou búfalo? Enfim... o que isso importa? Tem diferença? Claro que tem!!! Búfalo tem os chifres mais enrolados e eles formam uma espécie de tiara na cabeça do animal (hahahahahahaha). O boi (marido da vaca... que na verdade é touro --> a diferença entre boi e touro é que o touro é aquele que "pega" a vaca e aquele que é usado nos rodeios e touradas (ou seja, aquele que se dá bem ou então muito mal! hehehehe). O boi é aquele que a gente come (pelo menos gente carnívora como eu!). A gente come carne de búfalo? Não faço a menor ideia! Sei que a mulher do búfalo, a búfala, dá leite (e nós pagamos mais caro por ele do que pelo da vaca ... pelo menos quando está em forma de mussarela).

No quadro do Pedro Américo tem um carro de boi... sim, de boi. (Essa imagem aqui em cima é do animal: boi, não é?).

Eu que sou caipira e que já vi muitos bois na minha vida (seja no pasto, no rodeio e na tourada) posso dizer: BOI! BOI! BOI!

Observem bem:

Isso é um búfalo. Olhem só os chifres! Nada a ver com boi!!!

(Parece uma tiara-capacete)

Esse da foto ai em baixo é um touro (o Boi Bandido, famoso! Participou até de novela!)

Viram?????

É diferente, não é!!!!!!

Ok, ok... vocês não vão parar de dizer que é um búfalo no quadro do Pedro Américo! Tudo bem aluninhos! Tudo bem! Eu gosto muito de vocês e não vou reclamar... Mas qiue é boi, é boi!

A Escola Nacional de Belas Artes

2010-05-29T15:49:00.000-03:00

Com a Proclamação da República em 1889 a Academia Imperial de belas Artes passa por algumas mudanças. Inicialmente ela é fechada para passar por algumas reformas burocráticas. Como não se trata mais de um império, mas de uma república, o nome “Academia Imperial” não fazia mais sentido. Além disso, os rígidos cânones da pintura acadêmica foram, aos poucos, dando lugar a novas tendências importadas tardiamente da Europa. Com isso o termo “academia” também não fazia mais sentido – já que se refere à arte clássica acadêmica. Em um sentido de democracia, já que se tratava de uma República, acharam melhor mostrar que essa nova instituição pertencia ao povo brasileiro. Disso tudo saiu o novo nome da Academia Imperial de Belas Artes: ESCOLA NACIONAL DE BELAS ARTES.

A mudança no nome praticamente não saiu da questão burocrática. A escola continuava a mesma, com as mesmas aulas e os mesmos professores. Claro que no final do século XIX, mesmo no Brasil, era difícil se manter longe das novas tendências que já dominavam a Europa e, portanto, alguns pensamentos foram incorporados, como o plein aire (pintura ao ar livre) desenvolvido pelos impressionistas.

A presença desses novos padrões estéticos pode ser observada nas produções de Rodolpho Amoedo (1857-1941) que, em obras como Más notícias, revela afinidades com a obra de Manet e Cena de café, em que se aproxima de Degas. A transição marcou também outros trabalhos, como os de Belmiro de Almeida (1858-1935), sensível ao Pontilhismo e a Art Nouveau, e os de Artur Timóteo da Costa (1882-1923), evidenciando propostas impressionistas.

O artista mais importante desse período de transição foi Eliseu Visconti, que foi o último artista oficial antes dos modernistas. Divulgou suas idéias pós-impressionistas e da Art Nouveau em seus trabalhos para o Teatro Municipal do Rio de Janeiro.

Sua tela Gioventu (1898) foi muito aclamada na Europa, onde chegou a ser comparada com a Monalisa de Da Vinci.

Eliseu Visconti se aproximou de vários estilos de sua época, transitando entre várias formas de expressão. “Sem pesquisa, sem procura, não pode existir nenhuma criação nova” Eliseu Visconti.

Gioventu (1898)

Óleo sobre tela, 65 x 49 cm.

Rio de Janeiro, Museu Nacional de Belas Artes.

A Academia Imperial de Belas Artes

2010-05-29T15:45:00.001-03:00

Em 1826, dez anos depois da chegada da Missão Artística Francesa, a ACADEMIA deixa de ser apenas uma idéia.

O grupo original já não existia. Alguns tinham morrido, outros, como Taunay, voltado pra Europa. Só sobraram Debret e Grandjean de Montigny.
Nem o país era mais o mesmo, em 1822 acontece a Independência e com isso, surge uma temática nacionalista nas artes em geral: era necessário se escrever a história do Brasil e criar uma iconografia que fosse nacional. Retratos de personalidades e fatos históricos tomaram conta da pintura acadêmica, inspirados em mestres de Roma e Paris e com os quais os jovens pintores brasileiros iam estudar em viagens patrocinadas pelo governo imperial.

Principais artistas da AIBA

Víctor Meirelles (1832-1903)

Victor Meirelles foi o primeiro grande aluno da Academia Imperial de Belas Artes, a AIBA. Em 1852 ele recebeu o tão desejado prêmio de viagem e foi para Roma estudar no ateliê de Tommaso Minardi.
É dele o primeiro quadro brasileiro, de tema brasileiro e feito por um brasileiro a ser exposto em Paris: isso aconteceu em 1861 e a obra é A primeira missa no Brasil.

Primeira missa no Brasil (1860)

Óleo sobre tela, 268 x 356 cm

Rio de Janeiro, Museu Nacional de Belas Artes

A carta de Pero Vaz de Caminha havia sido publicada em 1817 e se tornou popular entre os intelectuais da época. A obra monumental de Meirelles foi inspirada em seus relatos e se transformou na primeira pintura histórica nacionalista no império de D. Pedro II.

Pedro Américo (1843-1905)

Pedro Américo foi um garoto prodígio. Aos nove anos foi contratado pelo naturalista francês Brunet, para fazer os desenhos científicos da flora nordestina. Matriculou-se na AIBA com apenas 13 anos de idade e se transformou em um dos artistas mais conhecidos do Brasil.
Em 1859, antes de terminar seu curso na Academia, vai para Paris, com um auxílio particular do imperador para custear seus gastos.
Modernizou a Pintura Histórica brasileira, usando amplamente a fotografia, da qual tinha se aproximado na Europa, como modelo em seus retratos. Sua tela “A batalha do Avahy”, de 1877, foi considerada a maior obra de arte que o Brasil já havia possuído até então.
Uma de suas obras mais conhecidas é, certamente, Independência ou morte (O brado do Ipiranga) feito a pedido do imperador D. Pedro II em um momento de forte declínio do império, para elevar o espírito nacionalista e valorizar o imperador.

Independência ou morte (O brado do Ipiranga) (1888)

Óleo sobre tela, 760 x 415 cm

São Paulo, Museu Paulista

Curiosidade

Por volta de 1870, Pedro Américo recebeu a encomenda de uma grande tela sobre a batalha dos Guararapes, mas ele recusou a oferta e partiu prontamente para Florença, na Itália. A oferta foi feita então a Víctor Meirelles, que também era um grande artista da época, que aceitou a encomenda.
Nesse meio tempo, Pedro Américo sabe do ocorrido e resolve também pintar uma grande tela com o mesmo tema de batalha. Escolhe a Guerra do Paraguai, mais precisamente a batalha do Avahy, e quando o quadro fica pronto vem para o Brasil e consegue com que as duas telas sejam expostas juntas.
A comparação foi inevitável. Todos se perguntavam quem seria o maior pintor brasileiro. Na ocasião a obra de Pedro Américo recebeu os louros da vitória por representar de fato uma batalha acontecendo. O quadro de Meirelles foi considerado sólido demais.
Ainda hoje essas duas obras são mostradas lado a lado e, dessa maneira podemos fazer a comparação e tirar nossas próprias conclusões.

Compare você mesmo:

Pedro Américo: Batalha do Avahy (1877)
Óleo sobre tela, 600 x 1100 cm.
Rio de Janeiro, Museu Nacional de Belas Artes.

Victor Meirelles: Batalha dos Guararapes (1879)
Óleo sobre tela, 494,5 x 923 cm.
Rio de Janeiro, Museu Nacional de Belas Artes.

Almeida Junior (1850-1899)

Almeida Júnior ingressou na AIBA em 1869, onde estudou pintura com Victor Meirelles. Concluiu seus estudos em 1874, mas não concorreu ao Prêmio de Viagem, como seria usual, já que era um grande aluno e retornou a sua cidade natal, Itu. Abriu ateliê particular em 1875 e atuou como retratista e professor de desenho. O imperador D. Pedro II, em uma viagem pelo interior de São Paulo, conheceu a obra de Almeida Junior e teria se impressionado com seus trabalhos. Com isso lhe deu uma bolsa para estudar na Europa.
Quando volta da Europa desenvolve em São Paulo uma pintura realista, mostrando a realidade urbana e também rural. Almeida Junior faz o que vinha sendo feito na Europa: coloca temas cotidianos em quadros enormes, valorizando, portanto, o dia-a-dia em detrimento das cenas históricas, que até então predominavam na pintura brasileira. Ficou muito conhecido por suas figuras de caipiras.

A leitura (1892)

Óleo sobre tela, 95 x 141 cm

São Paulo, Pinacoteca do Estado

Caipira picando fumo (1893)

Óleo sobre tela, 141 x 202 cm

São Paulo, Pinacoteca do Estado

Conclusão

A pintura acadêmica do Brasil, apesar de ter como base a arte tradicional e clássica, desenvolveu duas tendências muito marcantes:

Tendência Romântica
Tendência Realista

A primeira pode ser vista nas pinturas de caráter histórico, nacionalista e indianista, sobretudo nas obras de Victor Meirelles e Pedro Américo. A tendência romântica também pode ser relacionada ao Império. Já a tendência realista pode ser vista nas pinturas que trazem cenas comuns, costumes e tipos regionais, sobretudo nas obras de Almeida Junior. Essa tendência também pode ser relacionada ao início da República.

Enfim 2010

2010-04-13T17:24:00.000-03:00

Olá pessoas

Espero que ajude; sempre pensei na utilidade pública e cultural desse Blog. Vejam, leiam, participem.

Prometo dar mais atenção a ele!

Link para um post sobre o Período Pré-Cabralino

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/brasil-antes-da-chegada-de-cabral.html

Link para um post sobre Barroco Brasileiro:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-brasileiro.html

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-mineiro.html

Este aqui é o link pro site da unesco pra quem tiver interesse em conferir a lista completa dos Patrimônios da Humanidade.

Lembrem-se... pra gente, o importante são os brasileiros.

http://whc.unesco.org/en/list

Este aqui é outro link sobre os Patrimônios... mas que dá destaque aos brasileiros. Só pra lembrar, as informações desse site vieram do livro "Conhecendo os Patrimônios da Humanidade no Brasil", de Percival Tirapeli (um dos maiores pesquisadores sobre o barroco brasileiro e meu ex professor da faculdade)

http://www.universia.com.br/especiais/patrimonios_historicos/index.htm

Abraço a todos!

Volpi e poesias

2009-11-29T18:59:00.002-02:00

(misturando um pouco pintura e poesia)

Alfredo Volpi.
Fachada das Bandeiras Brancas, déc. 1950.
Óleo sobre tela, 155 x 102 cm. Coleção Particular

A obra de Alfredo Volpi, Fachada das Bandeiras Brancas, é uma obra bastante simples do ponto de vista técnico. Apresenta apenas três cores: branco, azul e marrom e, as formas escolhidas pelo artista também são muito simples. Bandeirinhas são quadrados recortados por triângulos, telhados são retângulos marrons horizontais e as portas, retângulos verticais. Cada porta tem batentes brancos que formam arcos compostos por quatro triângulos marrons. Tudo muito simples. Apesar das poucas cores e formas, vemos claramente as casas, a rua e até profundidade no chão de terra batida.
O conteúdo do quadro é muito simples: casinhas em estilo colonial, muito humildes, bandeirinhas que são usadas nas festas populares, a economia das formas e das cores.
Não posso ficar apática ao olhar para essa tela. Sua simplicidade me remete à minha infância simples em uma pequena cidade do interior de São Paulo. Na época, a rua em que vivia era repleta dessas casas e o povo enfeitava as ruas de bandeirinhas na época das festas. Não só nas festas juninas como muitos pensam, e de pronto rotulam as obras de Volpi, mas em todas elas. As bandeirinhas eram símbolo de festa e se havia alguma, lá estavam elas para colorir a cidade.
Minha origem simples também fez com que me identificasse com os poemas “Ditirambo”, de Oswald de Andrade e “Cidadezinha qualquer” de Carlos Drummond de Andrade, que, assim como a obra de Volpi, falam de simplicidade. Esse foi o verdadeiro motivo pelo qual escolhi esse conjunto para comentar.

Ditirambo

Meu amor me ensinou a ser simples
Como um largo de igreja
Onde não há nem um sino
Nem um lápis
Nem uma sensualidade
(Oswald de Andrade, Pau-Brasil, p. 99)

Quando leio “Meu amor me ensinou a ser simples” penso em minha cidade. Ela é o sujeito de minha leitura desse poema. Foi ela quem me ensinou a ser simples “como um largo de igreja”. Foram as fachadas coloniais, as bandeirinhas que me fizeram ver as coisas simples e valorizá-las.
Quando penso sobre o título do poema: “Ditirambo”, penso no significado simples dessa palavra. Ditirambo é uma poesia lírica que exprime entusiasmo ou delírio. Também era o canto em honra ao deus Dionísio. Sai da cidadezinha simples das casinhas coloniais e das bandeirinhas para estudar teatro, a arte abençoada por Dionísio, em uma cidade grande. O contraste entre o simples e o complexo sempre me chamou a atenção. Por esse motivo, assim como Oswald, me entusiasmo com o simples. Foi o meu amor que me ensinou a ser assim, não foi qualquer um. Foi meu amor que me ensinou a ver beleza no pouco, no mínimo. A buscar o simples no meio da confusão. Como as bandeirinhas de Volpi.
Me chama a atenção o fato de elas não seguirem exatamente o mesmo padrão. Há três fileiras de bandeirinhas, mas a de cima parece destoar das duas de baixo. Apesar de terem a mesma cor e estar em mesmo número, a primeira fileira não acompanha a simetria das outras duas, como se estivesse em outro plano ou então, como se simplesmente estivessem assim para causar estranhamento. Talvez Volpi preferisse deixar assim para que o quadro não ficasse tão estático, talvez quisesse mostrar que as bandeirinhas feitas pelo povo não seguiam exatamente o mesmo padrão, já que muitas mãos ajudavam a colocá-las no alto. Lembro-me novamente de minha infância. Sentada no chão da calçada, tesoura na mão, cortando bandeirinhas. Cola de trigo para prendê-las no barbante e depois a briga entre a criançada para ver quem ajudaria a pregá-las no alto. Sempre ficavam tortas, mas nunca ficavam tristes. Quantas mãos ajudavam nesse labor. Elas eram sempre simples, mas nem por isso deixavam de ser a principal marca das festas. Quadradinhos de papel de seda que tirávamos os triangulinhos. Tão pouco, tanta alegria.

Cidadezinha qualquer

Casas entre bananeiras
mulheres entre laranjeiras
pomar amor cantar.

Um homem vai devagar.
Um cachorro vai devagar.
Um burro vai devagar.
Devagar... as janelas olham.

Eta vida besta, meu Deus.

(Carlos Drummond de Andrade, Alguma poesia, coligido em Poesia completa. Rio de Janeiro: Nova Aguilar, 2002, p. 23)

O poema de Carlos Drummond de Andrade fala de outras tantas coisas que me fazem lembrar esse tempo. As “casas entre bananeiras”, as “mulheres entre laranjeiras”, o “pomar”. Tanta coisa simples, mas ao mesmo tempo com tantos significados para mim. Na minha realidade não eram apenas as casas na roça que tinham jardim e pomar, mas as casas da cidade também. Lá era assim – ainda continua um tanto assim em um tanto de lugares. Lá, a vida vai mais devagar. Lá as mulheres conversam entre as laranjeiras. Lá as casas estão entre as bananeiras.
Graças a minha vivência pude entender o poema “Cidadezinha qualquer”, porque vivi em uma cidadezinha qualquer, aonde “um homem vai devagar”, “um cachorro vai devagar”, “um burro vai devagar”. Mais uma vez vejo a obra de Volpi e sinto que as pessoas que habitam aquelas casinhas, vivem assim: devagar. A simplicidade é calma. A simplicidade não exige que tenhamos pressa.
Já vi muitas pessoas que, ao olharem para obras como essa, de Volpi, sentem tédio. Elas parecem se incomodar com a simplicidade da obra, com a falta de informações, com a calma. Talvez por serem pessoas que não conhecem o “devagar”, talvez por não terem aprendido a ser simples “como um largo de igreja”. Na cidade em que se corre, Volpi pode incomodar.
Ao terminar sua poesia com “Eta vida besta, meu Deus.”, Carlos Drummond de Andrade pode parecer uma dessas pessoas. Não entende a “vida Besta” de quem anda no lugar de correr. Mas será que é besta? Será que viemos ao mundo para correr? Prefiro “pomar amor cantar”. Por outro lado, a expressão “Eta vida besta, meu Deus” pode também se referir ao linguajar desse povo. Pode ser um suspiro desse pobre que vive a vida devagar. Já que a vida nas cidadezinhas não é um mar de rosas.
Sempre vi as bandeirinhas de Volpi como símbolos do simples, do povo, do pobre. Não há glamour nessa vida, e sim muito suor e muita labuta. O bonito é que mesmo com todos os problemas, com todas as dificuldades, a vida continua sendo celebrada. As bandeirinhas continuam a ser feitas e penduradas no alto, as pessoas continuam cantando e amando. E a cidadezinha qualquer continua ensinando que o importante são as pequenas coisas, as coisas simples. Continua ensinando que o pouco pode ser mais, desde que tenha significado.

HOSTEL

2009-11-24T20:47:00.001-02:00

Não encontrei o artigo que comentei com alguns de vocês. Não está mais no site. Bom, resolvi então escrever eu mesma o meu!

HOSTEL (2005) // HOSTEL PART 2 (2007)
Dir.: Eli Roth

A princípio, “O Albergue” é só mais um filme gore, repleto de sangue, carnificina e mulheres semi-nuas. Depois de pensar um pouco sobre esse filme a idéia que tenho é diferente. “O Albergue” é um filme cheio de sangue, carnificina e mulheres semi-nuas? Sim, mas apesar disso consegue inovar. O primeiro filme apresenta um começo bem banal, quase uma comédia adolescente... Jovens que vão para a Europa em busca de diversão, sexo e drogas. Tudo parece divertidíssimo! Estão em Amsterdam, cidade conhecida por permitir a venda e o consumo de maconha em seus famosos coffee shops e por ter a prostituição legalizada e organizada, com moças se oferecendo em vitrines como objetos. E os personagens estão lá, desfrutando os prazeres do distrito vermelho quando descobrem que há um lugar na Europa ainda mais “legal” que aquele: uma pequena cidade na Eslováquia. E partem pra lá! Quando chegam são levados para um albergue e, bom, aparecem garotas lindas e “fáceis”. Só que o que eles não sabem é que foram levados ali para serem abatidos, como animais por um bando de ricos sádicos que pagam para se divertir. E ai começa a carnificina! Se você é do tipo que se impressiona facilmente com sangue e corpos sendo mutilados é melhor fechar seus olhinhos! Eli Roth não economiza em sangue e gosma! E, faz isso assumidamente. Alguns outros filmes gore, entre eles a famosa série “Jogos Mortais” usa tomadas um pouco mais escuras e até granulação, pras imagens não ficarem tão nítidas. Em “O Albergue” é tudo bem iluminado! Há cenas, inclusive, que se você prestar atenção até parecem reais... bem reais, como se aquelas pessoas realmente estivessem sendo torturadas. Dá até a impressão que rolou uma certa tortura psicológica para conseguirem alguns olhares de desespero. E é isso. Sangue, muito sangue.
Ai a trama continua em “O Albergue 2”. A história começa meio parecida. Mas agora são garotas que estão na Europa fazendo cursos e resolvem curtir. Conhecem uma moça bonitona (que no começo do filme é modelo vivo do curso de desenho que elas estão fazendo) que as convida pra ir pra Eslováquia... e, adivinha pra que albergue elas são levadas?? Pois é, pro mesmo! Quando você vê o atendente, na hora reconhece! Lá está ele! O cara gentil e com carinha de fofo! E ai acontece mais ou menos a mesma coisa que no primeiro. As meninas saem pra se divertir e acabam sendo capturadas e levadas ao mesmo local sinistro para serem abatidas.
O que me faz gostar muito do “2” é que eles nos mostram como as coisas acontecem. Fica mais claro como acontecem os leilões, como é o processo dos caçadores. Isso, na minha opinião deixa o filme mais sádico ainda. Há menos sangue, menos carnificina. Talvez esse seja o motivo pelo qual a maioria prefere o primeiro. O segundo nos faz pensar mais sobre a situação toda... o quanto o dinheiro está envolvido na história, o quanto as pessoas são sádicas.
O mais bizarro é que, segundo o próprio diretor, o filme foi baseado em um website que oferecia um serviço de atirar em uma pessoa por U$ 10 mil. Esse serviço não existe mais (pelo menos não que eu saiba!) porque obviamente os donos da ideia se sentiram ameaçados! (Tadinhos! Hehehehe). Saber isso pode te deixar com mais raiva e indignação ao ver o filme. Caso duvide que um ser humano seja capaz de cometer tal atrocidade, pense no terrorismo, no tráfico de drogas, na pedofilia, no playboy que ateou fogo num índio em Brasília anos atrás, no massacre da Candelária no Rio, no menino João Hélio que foi arrastado preso pelo cinto de segurança do carro, na Isabela que foi jogada pela janela... e por ai vai. O mais terrível é pensar na quantidade de pessoas que desaparecem todo dia misteriosamente, sem deixar nenhum vestígio. Não duvido que existam pessoas que realmente sejam sádicas o suficiente para cometer coisas como os ricos de “O Albergue”... Pensem mesmo! Quantos jovens somem sem motivo. Numa época que existe internet, telefone... será que é possível simplesmente se perder e ninguém achar, não conseguir encontrar o caminho de volta?
O dinheiro é o que conta mais... Ele que acaba valendo mais que a vida. Caramba! Mais que a vida!!! Quem tem mais dinheiro leva o prêmio! Matar é só uma questão de ter dinheiro pra fazer isso sem que você seja culpado por isso. Ter a sensação de matar alguém sem ter a preocupação de ir pra cadeia. Oh, que sensação de poder! (É isso que o filme mostra).
Bom, eles vendem vida no filme. Você compra pra acabar com ela, e não de forma rápida... afinal de contas pagou caro por isso. Deve ser desfrutada como um precioso vinho.
O que gosto é o jeito como Eli Roth apresenta essa associação que organiza esses massacres. Algo absolutamente organizado, cheio de pessoas ricas, poderosas e influentes. Acima de qualquer suspeita. Coisa do tipo: seu vovô com cara de Papai Noel poderia ser um deles sem despertar qualquer suspeita. Isso deixa o filme ainda mais sádico.
Outra coisa interessante é o contrato que se faz com essa associação. Uma vez assinado o acordo de compra, você está preso ao contrato. Tem que fazer aquilo que comprou... Não há direito de devolver o produto! A quebra do contrato significa a morte. Mais uma vez o dinheiro e a organização (e as pessoas que fazem parte dela) falando mais alto.
Preciso contar o final do segundo filme (desculpa pelo spoiler), mas é importante na minha visão. A mocinha bonitinha do segundo filme, que também é presa e capturada, consegue reverter o jogo. (Essa relação dela com o cara que a comprou é ótima! Mas não darei mais detalhes). Ela tem dinheiro, muito dinheiro... E por isso, ela vale mais que ele.
A cena final é ótima! Sádica, mas ótima!
Pensem nessas coisas: como o homem é sádico. Como o homem deseja a sensação de poder! Como o homem se sente bem com o sofrimento alheio... São coisas mostradas exageradamente nesse filme, mas que fazem a gente pensar muito. Claro que não saímos por ai matando pessoas (eu pelo menos não saio... espero que vocês também não!), mas pensem nessas coisas. Cada um ao seu modo, somos assim. Temos que controlar nossos instintos.

Ninguém é verdadeiramente bom, ninguém é verdadeiramente mau.
Nos resta escolher pra qual lado nossa balança vai pender.

Bom, espero que vocês vejam esses filmes com outros olhos.

PS.: repito aos desavisados que esses filmes são de terror, altamente violentos, cheios de sangue, carnificina... Também aparecem drogas e sexo. (Não estou recomendando que ninguém que não está acostumado com esse tipo de coisa veja os filmes!!!) Sei que muitos de vocês já assistiram. Quem não viu, cuidado! Se você viu “Jogos Mortais” e ficou assustado, teve nojo, não dormiu a noite, passou mal... nada de ver “O Albergue”. Se você não viu, está curioso, mas acha que vai passar mal, veja só o 2. Dá pra entender a história e é bem mais leve em matéria de sangue.

Beijocas a todos!

Cena "bonita" do filme. Não tem sangue! Mas é legal!

Música Brasileira II

2009-11-08T21:49:00.002-02:00

No final do século XIX começa a surgir um novo tipo de música nacionalista: aquela que mistura elementos da música popular brasileira (folclórica) com as técnicas de composição erudita.

Claro que, dos compositores que usam esse tipo de estratégia, o mais famoso é Heitor Villa-Lobos... mas é importante lembrar que não foi ele quem "inventou" isso!!! Alguns outros compositores, entre eles Basílio Itiberê da Cunha, já no século XIX faziam essa mistura.

Villa-Lobos participou da Semana de Arte Moderna.

É um dos músicos brasileiros mais reconhecido lá fora.

Depois de Villa-Lobos surgem outros músicos com a intenção de encontrar uma linguagem nacional.
Entre eles, os mais conhecidos são: Camargo Guarnieri, Guerra Peixe, Radamés Gnatalli, Luciano Gallet, Oscar Lorenzo Fernandes, etc.

Esse video mostra imagens de Cândido Portinari com música de Camargo Guarnieri.

Com ideias opostas surgem os Vanguardistas. Eles buscam uma linguagem UNIVERSAL para a música.
Além disso se preocupam com as novas técnicas de composição (como o atonalismo e o dodecafonismo).

Alguns músicos de vanguarda (dos mais antigos e dos mais novos): Gilberto Mendes, Willy Correa, Jorge Antunes, Fernando Iazzetta, Flô Menezes...

http://www.flomenezes.mus.br/
http://www.eca.usp.br/prof/iazzetta/

Visitem esses sites!!!
O Flô Menezes é professor do IA UNESP e o Fernando Iazzetta da ECA USP.

Música Brasileira I

2009-11-08T21:18:00.002-02:00

Olá meus queridos
Como aconteceu de eu não entrar em algumas salas pra fazer revisão, resolvi vir até aqui e postar algumas coisinhas pra vocês. Mas repito o que já disse outras vezes: só dar uma olhada aqui não é o suficiente. É indispensável prestar atenção nas aulas!!!!!!

PERÍODO COLONIAL

Lembrar da importância da música na catequização dos índios no período colonial.

Além disso, quando os jesuítas ouviram as músicas que os índios cantavam perceberam que elas eram bastante parecidas, pelo seu caráter monotônico, com o canctochão.

Ah, também há indícios de que os índios era muito bons cantores!

SÉCULO XIX

O principal músico desse período é Antônio Carlos Gomes. Sua principal obra é, com certeza, a ópera "O Guarani", baseada no romance homônimo de José de Alencar.

Assim como na pintura, a música do século XIX está preocupada com a criação da identidade nacional. Se lembrarmos das obras pictóricas feitas na época da Academia Imperial de Belas Artes - que eram feitas com técnica neoclássica, acadêmica, européia e tinham o tema / assunto nacional (que podemos até relacionar ao romantismo no sentido nacionalista) fica bem fácil entender as músicas dessa época.
Ou seja, elas também eram feitas com a técnica erudita européia e tinham o tema / assunto nacional.

Este video mostra um trecho da abertura da ópera com a orquestra sinfônica da Petrobras.

No século XIX esse espírito nacionalista fez com que fossem compostos hinos cívicos.

O Brasil tem quatro hinos cívicos:
Hino Nacional: (música de Francisco Manoel da Silva com letra de Joaquim Osório Duque Estrada)

Hino da Independência: (música de Dom Pedro I com letra de Evaristo da Veiga)

Hino da Proclamação da República: (música de Leopoldo Augusto Miguez com letra de Medeiros e Albuquerque)

Hino da Bandeira: (música de Francisco Braga com letra de Olavo Bilac)

continua....

Help mais uma vez

2009-10-20T20:14:00.002-02:00

Olá bonitinhos e bonitinhas!

Aqui estão alguns posts antigos que podem ajudar vocês!
Lembrem-se que nada é melhor que um bom aproveitamento em sala de aula! Poder perguntar, participar...

Esse é um post que tem uma revisão de arte moderna, com algumas vanguardar. Vale a pena!
http://prosalunos.blogspot.com/2008/02/revendo-arte-moderna.html

Sobre Picasso (só pra quem gosta dele! hehehehehe)
http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/35-anos-sem-picasso.html

Sobre o fauvismo:
http://prosalunos.blogspot.com/2006/10/um-pouco-de-arte-moderna-fauvismo.html

Cubismo:
http://prosalunos.blogspot.com/2006/10/cubismo.html

Expressionismo:
http://prosalunos.blogspot.com/2006/09/expressionismo.html

Bom, acho que dá pra ajudar.

Gosto muito de vocês... e espero que vocês possam gostar um pouquinho mais (pelo menos) de arte moderna! =)

Abraços e
Viva, viva!

Cacilda Becke

2009-10-02T20:34:00.003-03:00

Já que comentei sobre Cacilda, a grande - talvez maior - atriz do Brasil, resolvi postar aqui um lindo poema de Carlos Drummond de Andrade

ATRIZ

"A morte emendou a gramática.
Morreram Cacilda Becker.
Não era uma só. Era tantas.
Professorinha pobre de Piraçununga,
Cleópatra e Antigona
Maria Stuart
Mary Tyrone
Marta de Albee
Margarida Gauthier e Alma Winemiller
Hannah Jelkes a solteira
A velha senhora Clara Zahanassian
Adorável Júlia
Outras muitas, modernas e futuras
irreveladas.
Era também um garoto descarinhado e astuto: Pinga-Fogo
E um mendigo esperando eternamente Godot.
Era principalmente a voz de martelo sensível
martelando e doendo e descascando
a casca podre da vida
para mostrar o miolo da sombra
a verdade de cada um nos mitos cênicos.
Era uma pessoa e era um teatro.
Morrem mil Cacildas em Cacilda".

Cacilda Becker Yáconis (Pirassununga SP 1921 - São Paulo SP 1969).

Cacilda!!!

2009-10-02T15:09:00.003-03:00

Não posso deixar de divulgar!!!!!

Vejam! Sintam! Experimentem! Aproveitem! Cantem! Participem!!!!!

A Primavera de 2009 será diferente, pré anunciada pela energia de ressurreição que traz para a cena a eterna Cacilda Becker, em montagem da companhia Teatro Oficina Uzyna Uzona com patrocínio da PETROBRAS.
A Cia. Teatro Oficina Uzyna Uzona faz a estréia de ESTRELA BRAZYLEIRA A VAGAR – CACILDA!! (duas exclamações) para uma curta temporada que conta com o patrocínio da Petrobras através da Lei de Incentivo à Cultura do Governo Federal.
Escrita e dirigida por José Celso Martinez Correa e Marcelo Drummond, CACILDA!! estréia em SamPã, para despertar a Primavera em nosso corpo de multidão, como aconteceu com a Tropicália em 1967, no mundo inteiro em 1968 e nos anos 40, com a geração de Cacilda Becker.

Gente, quanta história de arte brasileira tem nesse espetáculo! Quanta oportunidade de conhecer de perto elementos fundamentais!

Mais uma vez apelo: VEJAM!!!!! PARTICIPEM!!!!!! VIVAM!!!!!

(Pra quem não abriu a imagem e, por isso, não conseguiu ver direito os dados:)

estréia dia 03 de outubro

Sábados e domingos 18h (Vale lembrar que as peças do Zé Celso costumam ser longas... Nada de achar que 19h já acabou! Nem 20h, nem 21h)

(SOMENTE até 15/11)

Rua Jaceguai, 520 - Bixiga

(Não recomendado para menores de 14 anos)

A cidade está "bombando"!

2009-09-24T14:27:00.002-03:00

Viva a arte!!

A cidade de São Paulo está repleta de exposições importantes. Gostaria muito que vocês pudessem aproveitar essa oportunidade de conhecer artistas importantes como os que estão a mostra no momento. Geralmente, oportunidades como essa só acontecem quando você pega as malas e atravessa o Oceano Atlântico rumo Europa ou então, pega as malas rumo aos "Esteites". Ou seja: oportunidade fantástica de conhecer de perto, ao vivo, obras de arte importantíssimas gastando pouco (na maioria das vezes, só o dinheiro do "busão").

Aqui estão as imperdíveis:

Matisse Hoje
LOCAL: Pinacoteca
Funciona de terça a domingo, das 10 às 18h
Ingresso combinado (Pinacoteca + Estação Pinacoteca): R$ 6 ou 3,00 (estudante). Grátis aos sábados.
Metrô/ trêm CPTM - estação LUZ.
Vai até 01 de novembro de 2009.

A famosa obra "A dança" não está ai, mas mesmo assim tem muitas outras interessantes e importantes. Destaque para o livro-arte Jazz (que eu adoro!!!).

O Cubismo e seus entornos na coleção da Telefonica
LOCAL: Pinacoteca
Vai até 01 de novembro de 2009.

(Oba! Dá pra ver no mesmo dia que você for ver o Matisse!)
Bom, você não encontrará nenhum Picasso, mas tem outras coisas bem interessantes. Acho ótimo pras pessoas verem que há muito mais que Picasso no Cubismo (e aproveito pra lembrá-los que Picasso teve um momento da vida no Cubismo, mas sua obra é bem mais que isso). Tem Gris, Lhote... e até o brasileiro Vicente do Rego Monteiro (que participou da semana de 22).

Uma aventura moderna - Coleção de Arte Renault
LOCAL: MAC
GRÁTIS
MAC USP Ibirapuera - Pavilhão Ciccillo Matarazzo, 3º piso
Terça a domingo das 10 às 18 horas
Vai até 15/12/2009

A exposição tem 81 obras da coleção de arte da montadora francesa Renault. Tem artistas como Joan Miró, Jean Dubuffet, Victor Vasarely, Arman, Erró e Niki de Saint Phalle. Vale demais a pena!!!

Ainda no MAC Ibirapuera podemos ver obras em papel de Pierre Soulages, Jean Tinguely, Henri-Georges Adam e Jean Rustin, entre outros artistas (parte da exposição A França no MAC - que está, na verdade, no MAC USP)

A França no MAC
LOCAL: MAC USP - Cidade Universitária
GRÁTIS
Rua da Reitoria, 160
Terça a sexta das 10 às 18 horas, sábados, domingos e feriados das 10 às 16 horas
Vai até 15/11/2009

No MAC da Cidade Universitária estão pinturas e esculturas de André Masson, Georges Braque, Henri Matisse, Cesar Baldaccini, Kandinsky, Chagall, Picasso e Fernand Léger, entre tantos outros. Ou seja.... muuuitos artistas importantes!

Virada Russa
LOCAL: CCBB
Rua Álvares Penteado 112. Centro
Metrô Sé
GRÁTIS
De terça a domingo, das 10h às 20h
Vai até 15/11/2009

A exposição está focada na produção artística criada na Rússia desde o começo do século XX até a década de 1930. Podemos ver a produção de importantes artistas do período, como Kandinsky, Maliévitch, Chagall, Rodchenko, Tátlin, Goncharova, entre outros.

Além dessas, destaco a exposição do estilista CHRISTIAN LACROIX no MAB - FAAP (Exposição "Christian Lacroix - traje de cena". É de graça, na FAAP, até dia 1º de novembro). A exposição está linda e é imperdível para aqueles que gostam de teatro e de moda.

Se procurarem um pouco mais ainda encontrarão outras exposições não tão "bombadas" mas também muito interessantes!!! Espero que a dia tenha ajudado!

Abraço a todos!

Um outro help, caminhos

2009-09-14T17:16:00.002-03:00

Para relembrar... coloco aqui, em evidência, o post sobre Hélio Oiticica e Lygia Clark.
http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/arte-contempornea-brasileira.html

Só pra ilustrar:
Teoria do não-objeto
Trecho do Diálogo sobre o não-objeto - parte 1 (Ferreira Gullar, 1959)

Que é o não-objeto?
FG: É preciso primeiro saber o que entendo aqui por objeto. Entendo aqui por objeto a coisa material tal como se dá a nós, naturalmente, ligada às designações e usos cotidianos: a borracha, o lápis, a pêra, o sapato etc. Nessa condição, o objeto se esgota na referência de uso e de sentido. Por contradição, podemos estabelecer uma primeira definição do não-objeto: o não-objeto não se esgota nas referências de uso e sentido porque não se insere na condição do útil e da designação verbal.

Outra excelente referência de arte é a Enciclopédia Virtual do Itaú Cultural. Ela é incrível!!!

Enciclopédia de Artes Visuais:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm

Grupo Ruptura na Enciclopédia do Itaú Cultural:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=marcos_texto&cd_verbete=337

Grupo Frente na Enciclopédia do Itaú Cultural:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=marcos_texto&cd_verbete=336

É uma fonte de consulta confiável!

Alguns artistas de hoje em dia

2009-09-14T16:44:00.007-03:00

Um pouco sobre alguns artistas atuais brasileiros.

Bom, não quero colocar nesse momento minha opinião sobre eles. Não gosto de todos eles... mas a ideia aqui não é julga-l0s (por hora), mas apresentá-los.

Vik Muniz
http://www.vikmuniz.net/

(Video bem interessante sobre o Vik exibido no programa Vitrine da TV Cultura no dia 02/05/2009).

Ah... o Vik Muniz fala que os adolescentes são os mais difíceis de se agradar!!! hehehehe

Beatriz Milhazes
http://www.fortesvilaca.com.br/artista/beatriz-milhazes/

(Trecho de uma entrevista realizada no programa Sala de Notícias, do Canal Futura).

Romero Britto
http://www.britto.com.br/

Romero Britto no Twitter:
http://twitter.com/brittopopart

Claro que existem vários outros artistas brasileiros a serem conhecidos: Cildo Meireles e Nuno Ramos também merecem a atenção! Depois coloco uns links sobre eles!

UP

2009-09-09T21:39:00.003-03:00

Ontem eu vi “UP” no cinema, em 3D. (Sobre o fato de ser 3D quero comentar que isso me dá dor de cabeça! Acho mega legal... mas enfim, fico meio zonza!) A 10ª animação da Pixar me deixou muito emocionada, me fez pensar muito sobre minha vida e me mostrou o quanto eu adoro filmes de animação.
Vou fazer alguns comentários que talvez sejam “spoilers”, por isso se você não gosta de saber algumas coisas antes de ver o filme, não continue lendo! Hehehehe! A história do filme é sobre um velhinho de 70 e poucos anos (acho que é essa a idade dele) chamado Carl Fredricksen que foge para uma aventura com sua casa pendurada por balões. O mais interessante é o porque dessa aventura! (E esse motivo foi o que me fez chorar). O filme começa quando Carl ainda é uma criança. Ele era aficionado por aventuras e por um explorador que tinha ido para a América do Sul a bordo de um dirigível mas que tinha sido desacreditado pela comunidade científica por falsificar a ossada de um ser que ele dizia ter descoberto em sua viagem. Em uma de suas “aventuras” ele conhece Elle, uma menininha que, como ele, também era louca por aventuras e pelo explorador. Ela, inclusive era muito mais aventureira do que ele. Ele era quietão e tímido, ela era destemida e falante. Elle tinha um grande sonho: chegar até o recanto das cachoeiras, que fica em algum lugar da América do Sul. Tinha até um livro para anotar suas aventuras quando chegasse lá. A menina era tão “aventureira” que tinha até roubado uma página de um livro da biblioteca que tinha uma imagem do lugar paradisíaco. O tempo passa, eles se casam. O tempo passa... eles tentam ter filhos mas não podem... Apesar de terem ficado tristes, continuam a viver suas vidas... e o tempo continua passando. E o sonho de ir para o recanto das cachoeiras, na América do Sul não acontece. A viagem sempre é adiada por problemas financeiros e percalços ao longo do caminho... Até que eles envelhecem e a viagem começa a ficar ainda mais impossível. Carl resolve comprar passagens aéreas para eles viajarem para a América do Sul, mas Elle fica doente. Muito doente. E... ela morre. (Que triste!!! Chorei nessa parte). Carl fica muito triste e rabugento. A casinha que ele viveu com a mulher e que ele tanto amava estava ameaçada. Toda a vizinhança estava tomada por construções de prédios... e os construtores queriam aquele espaço para erguer outro prédio. Um dia Carl bate em um funcionário das obras (mas o cara mereceu! Hehehehe) e é considerado uma ameaça para a sociedade, por ser muito idoso e viver sozinho. Ele será mandado para um asilo – mas ele não quer ir, então arma seu plano de fugir levando a casa e tudo. Como ele trabalhava vendendo balões é isso que ele usa para fazer sua casa flutuar! (Um pouco surreal isso! E faz a gente se lembrar daquela história do padre dos balões que “sumiu”.) Mas não é apenas uma fuga. Carl resolve resgatar o sonho de Elle de ir para a América do Sul, levar sua casa para o recanto das cachoeiras. A aventura ganha mais ritmo e se torna engraçada quando Carl descobre um passageiro clandestino em sua casa voadora: Russel, um menininho de uns 8 anos, escoteiro, que dias antes tinha aparecido na casa de Carl para tentar ajudá-lo (era tarefa dos escoteiros, entre outras, ajudar um idoso e se fizesse isso, Russel ganharia a última medalha que lhe faltava para subir de nível entre os escoteiros).
O personagem de Carl é geometrizado, o que lhe dá um aspecto mais duro e severo. Ele nem é carismático, pelo contrário... mas ao longo do filme não há como não se encantar com sua personalidade. A aproximação dele com o menino, que... Meu Deus, como parece com alguns de meus aluninhos fofuchos do sexto ano! (O garotinho, Russel, é oriental e gordinho. Um fofo!).
A história conta ainda com aves raras (a que o tal explorador tinha visto mas não tinha conseguido levar para os EUA), cachorros que têm uma coleira digital que os permite falar – e isso também dá uma certa graça ao filme! Há... também, como todo filme de criança* que se preze há um vilão! Mas esse vilão é estranho: é o tal explorador que tinha sumido há muito tempo, aquele que Carl e Elle eram fãs quando crianças. Pois é, ele ainda vivia na América do Sul com seus cachorros e ainda tentava capturar a tal ave rara para mostrar como ele não era um mentiroso! (O engraçado é que ele tem tanto trabalho para capturar a ave e Russel, sem querer a encontra e eles ficam amigos!).
Bom, sem mais detalhes sobre o filme. O que eu queria dizer é que mais uma vez a Pixar me deixou feliz. Esse filme fala muito sobre o amor, fala muito sobre valorizar as pequenas coisas, porque afinal de contas, são de pequenas coisas que a vida é feita. São os pequenos momentos que nos ensinam. Nossa.... quando Carl abre o livro de Elle, e vê que ela colou fotos deles no espaço destinado às aventuras, eu chorei mais uma vez. Me fez pensar no quanto eu amo meu maridão, e no quanto as coisas que vivemos juntos são importantes. Não precisamos explorar florestas, viajar o mundo e nem fazer grandes planos... cada gesto, cada sorriso, cada coisinha simples é uma grande aventura. A vida por si só é uma grande aventura e vale a pena, desde que estejamos com quem amamos. Um domingo no parque, um café da manhã na cama, um abraço carinhoso... coisas simples mas que valem muito.
Espero que a criançada que viu (e as que ainda vão ver) o filme possa pensar sobre isso. Carl e Elle viveram uma aventura linda e incrível!!! Se casaram e foram felizes mesmo com dificuldades. A gente não pode esquecer disso.
Ah, coloquei o “asterisco” em criança porque não acho que os filmes da Pixar sejam exatamente pra crianças. Eu adoro todos eles! E mesmo não sendo mais uma criança, ainda me divirto e paro pra pensar com eles.
Pra quem não conhece todos os filmes da Pixar, ai vai a lista:
1. Toy Story (1995)
2. Vida de Inseto (1998)
3. Toy Story 2 (1999)
4. Monstros S.A. (2001)
5. Procurando Nemo (2003)
6. Os Incríveis (2004)
7. Carros (2006)
8. Ratatouille (2007)
9. Wall-E (2008)
10. Up (2009)

E estão pra lançar o “Toy Story 3”.
Se você ainda não viu algum, veja. Vale muito a pena!
(A Pixar também tem uma série de curtas incríveis).

Aqui tem um dos curtas. No youtube tem vários! É só procurar!!!

Beijocas a todos!

Um Help

2009-09-08T13:32:00.003-03:00

Queridos
Ando com tanta vontade de escrever... mas com tão pouco tempo.
Queria ter feito posts novos mas não consegui.

O importante é lembrar dos movimentos.

Pós Impressionismo

http://prosalunos.blogspot.com/2006/09/ps-impressionismo.html

Impressionismo

http://prosalunos.blogspot.com/2006/08/impressionismo.html

Realismo

http://prosalunos.blogspot.com/2006/08/realismo.html

Também é interessante, quem puder, dar uma "passeio" pelo Museu D'Orsay de Paris (tá... passeio virtual já tá ótimo!) que é o principal museu de arte dessa época, com obras importantíssimas do Realismo, do Impressionismo e do Pós-impressionismo.

http://www.musee-orsay.fr

Abraço!

Crepúsculo e cia.

2009-08-23T09:13:00.005-03:00

Sobre a série CREPÚSCULO, de Stephanie Meyer

A primeira vez que ouvi falar de Crepúsculo foi ano passado, quando o filme estava para estrear. Li alguma coisa no jornal e fiquei bastante curiosa para ver, já que sempre gostei muito de histórias e filmes de vampiros. Acontece que, no dia que eu ia ver, estávamos em família e meu sobrinho tinha menos de 12 anos – a idade da censura do filme. Como não conhecia praticamente nada sobre o enredo, nada além do fato de ser uma história sobre vampiros e sobre uma humana que se apaixonava por um deles – que também se apaixonava por ela, pensei que era melhor não levá-lo para ver. Geralmente, os filmes de vampiros são um pouco assustadores e meu sobrinho não é a pessoa mais corajosa do mundo.

Deixei pra lá. Abri mão de ir ao cinema e fiquei com os sobrinhos enquanto minha irmã foi com seu namorado. Quando eles saíram do cinema a reação deles foi: Ah, legal... mas meio fraquinho. Como a recepção deles não foi boa, não me preocupei em voltar ao shopping para isso. Acontece que, alguns dias depois, os sobrinhos vieram para casa. Era férias e, como todos os anos, eles vem passar uns dias conosco. Minha sobrinha de 14 anos tinha assistido Crepúsculo e, o sobrinho menos também queria ver. Baixamos o filme da internet (não queria gastar dinheiro com um filme que, segundo minha irmã, era fraco). Nessa altura minhas alunas já comentavam sobre a história e que o Edward era lindo... Assistimos. Bom, naquela noite eu conheci um pouco mais sobre “Twilight”. Bom, achei o filme bonitinho... Mas, ao ver o filme, não vi nada demais em Edward. O ator Robert Pattinson não me parecia tão bonito. Inclusive a maquiagem do filme me incomodou muito. Aqueles atores com o rosto branco era demais! A maquiagem estava só no rosto... era possível ver onde terminava o “pancake” e isso me irritou um pouquinho! Nossa... que produção meia-boca!, pensei. Enfim, acabou o filme, minha sobrinha continuava suspirando pelo Edward e eu estava sem entender o motivo por tantos “suspiros”.

O tempo passou, minha sobrinha continuava suspirando pelo Edward. Ela estava lendo “Lua Nova”. As aulas voltaram no colégio e lá também as meninas suspiravam pelo vampirinho branquelo. Elas também devoravam os livros. Mas para encher o saco que qualquer outra coisa, eu comentava em algumas salas e para minha sobrinha que o Edward era feio. Todas as meninas encantadas com aquela saga me fuzilavam com os olhos, como que dizendo: vc é uma louca! Ele é lindo!!! Para resumir essa parte da história, os suspiros pelo tal Edward eram tão fortes, a devoção das adolescentes pela série era tão grande que eu me rendi e fui ler os livros. Eu estava realmente precisando, naquele momento, de alguma coisa para me distrair, algum livro fácil para ler no metrô, no ônibus e antes de dormir. Meu cérebro estava quase entrando em pane de só ler coisas “sérias” relativas à História da Arte.

Peguei o livro “Crepúsculo” nas mãos. A capa me agradou. Mãos que seguram uma maçã bem vermelha. A maçã da árvore do paraíso, o fruto proibido? (fiz essa relação antes mesmo de abrir o livro, já que, como disse, já tinha visto o filme e já sabia do que se tratava). Comecei a me envolver com a história. Apesar de achar o texto não muito bom, a leitura era fácil... exatamente o que eu estava procurando. Por um instante não teve como não me identificar com a Bella: a menina atrapalhada, branquela, que muda de cidade, que gosta de ler, que não é boa em esportes... Era quase um retrato da Taci de dez anos atrás. Achei isso engraçado! Mas eu sabia que ela iria se apaixonar pelo vampiro e, bom... essa não era a Taci (por mais que eu sempre tivesse sido apaixonada por vampiros, sobretudo quando era adolescente). Gostei bem mais do livro que do filme, o que era previsível. E, para meu espanto, consegui ver que o Edward era sim lindo. Quando descobri isso, fiquei ainda com mais raiva do filme... e da pessoa que selecionou os atores: todos muito feios – no livro os vampiros são tão lindos. A única atriz que estava no lugar certo era a personagem de Alice – que é ainda mais apaixonante, pra mim, que o Edward. Ela é uma fofa! Hehehehehe Li “Crepúsculo” em poucas horas. Depois senti necessidade de ler “Lua Nova”. Precisava de alguma coisa pra ler e estava realmente curiosa pra saber onde essa história ia parar. Gostei bastante desse livro. Muitas aluninhas disseram que esse é o mais fraco. Deve ser porque Edward vai embora e fica a maior parte do livro sem aparecer! Hehehehehehe! Ainda assim gostei do livro. Eu preciso confessar que o Jacob me encanta mais que o Edward e, que torci muito pra Bella ficar com ele! Hehehehehe

Ok, pra resumir mais uma vez a história, assim que acabei “Lua Nova” emendei em “Eclipse” e, depois em “Amanhecer”. De modo geral gostei da história de Stephanie Meyer. Consegui entender o motivo por tanto escândalo por parte das adolescentes. Ainda continuo achando uma literatura fraca e com defeitos. Acho, por exemplo, que a saga de Harry Potter é bem melhor, bem mais bem escrita e bem mais bem amarrada (apesar de também ter defeitos).
Acho que o personagem Bella, uma menina tão comum, fez com que de cara as adolescentes se identificassem. O fato de Edward ser lindo, inteligente, rico, romântico e amar a Bella, fez com que as meninas suspirassem por ele. Mas, por exemplo, algumas meninas me disseram que ele é perfeito. Não é não! Está longe de ser perfeito. Primeiro porque ele é um vampiro, e por mais que isso seja interessante, não o torna perfeito. Ele é machista!!! Sim, muito machista! E me irritava, às vezes, as atitudes de Bella, que o obedecia.
Também tem algumas coisas meio estranhas. Por exemplo, porque a Meyer não colocou Carlisle tendo uns 35, 40 anos??? Ele poderia ser gato (existem tantos homens maravilhosos que tem essa idade!) e ficaria muito mais plausível. No filme o ator até parece mais velho, mas no livro, ele aparenta ser mais jovem que eu. Ai fica complicado! Ele é tão lindo e tão jovem! Como as pessoas acreditam que ele tenha feito medicina??? E que seja um médico tão bom sendo, no máximo, um recém formado!?? Outra coisa... Como o Charlie, pai da Bella, nunca percebeu que Edward entrava quase todas as noites no quarto da filha?? Eles conversavam, às vezes até discutiam... Poxa, Charlie é um policial! Como nunca ouviu nada??!! O quarto livro tem alguns erros, inclusive. Não sei se são problemas da tradução ou se eles são da autora (eu li os livros em português e não os originais).
Acho que é super bacana se envolver com a saga, super bonitinho as meninas suspirarem pelo vampiro, mas acho importante que também haja uma reflexão sobre isso tudo. Bella é tão jovem pra saber que ele é o amor da sua vida! Sei que a maioria dos adolescentes acha que nunca mais vai amar ninguém, que o namoradinho de agora será pra sempre. Nós aprendemos tanto com o tempo, mudamos tanto... Não sei se a atitude dela é um bom exemplo! Ainda mais com a idade que ela tem! A vida ainda nem tinha começado! Ela nem tinha conhecido quase nada... Tá, pode ser que exista amor à primeira vista... (algo parecido, quem sabe, como tal imprinting), mas amor não é paixão, e eu me preocupo que alguns adolescentes possam agir sem pensar inspirados nesse romance. Amor é muito mais amizade, companheirismo que desejo (que vamos combinar, não falta naquela relação). O que faz um amor durar pra sempre são essas pequenas coisas. O Edward é machista e ainda tem tantos costumes do começo do século... Eu realmente acho que, se eles fossem humanos, a história deles não iria durar pra sempre.
Estou ansiosa pra assistir “Lua Nova” nos cinemas. Esses dias eu fui para a 25 de março e um rapaz tentou me vender um DVD pirata com o filme... Fiquei curiosa, mas não comprei. Se nem estreou no cinema, ainda, não deve ser o filme terminado. Não custa esperar um pouco (o tempo passa tão rápido!).
Ah, também quero comentar sobre o quarto livro (é spoiler!)
Fala sério o nome que a Bella dá pra filha deles!!! Afe!!! Parece coisa daquelas pessoas mais simples, que inventam nomes assim pros filhos juntando o nome do pai e da mãe, ou o nome dos avós... Afe! Horrível! Coitada da criança. O que mais me irritava era ela brigando com as pessoas que a chamavam de Nessie! Ainda bem que no fim ela também a chama assim! Ufa! Hehehehehehe
Sobre o lado bom, acho muito interessante toda a idéia de família, amor e amizade que os livros passam. Da importância dessas coisas. Da importância de aprender a lidar com o diferente, com o desconhecido. Também acho interessante em pensar na família de Carlisle e na maneira como eles vivem: sem sangue humano. E com eles aprendemos que vale a pena fazer sacrifícios para sermos bons. Aprendemos que podemos fazer diferença e que vale a pena.
Foi interessante ver o momento em que eles chamam os amigos para testemunhar sobre Rennesme para os Volturi. O quanto é possível lidar com a diferença e ainda assim conseguir trabalhar em equipe. Ainda assim lutar por um mesmo ideal.
Acho que a história poderia continuar. Poderíamos acompanhar o crescimento de Rennesme pelo menos até ela ficar de fato com Jacob (afe, outra vez esse negócio de não ter escolhas! Mas tudo bem... lendas são lendas! Hehehe).
Para quem gosta de vampiros e ainda não viu, é importante assistir “Dracula de Bran Stoker”, um filme incrível dirigido por Francis Ford Coppola. Com Gary Oldman (o Sirius Black! Hehehehe) , Winona Ryder, Anthony Hopkins e Keanu Reeves. Esse filme ganhou 3 Oscars e é o melhor, na minha opinião.
Também gosto muito de outros (menos Cult, mas que ainda assim gosto!)
“A Hora do Espanto”, um filme de 1985 (meio trash) que tem um vampiro gato que conquista as mulheres! Bem filme anos 80! Mas era um dos meus preferidos quando eu era adolescente.
“Entrevista com vampiro”, que tem Tom Cruise, Brad Pitt, Antonio Banderas, Stephen Rea, Christian Slater e Kirsten Dunst no elenco. Eu gosto desse filme – apesar de conhecer muita gente que fale mal. (Pelo menos tem muitos gatos! Esses sim vampiros lindos de morrer! Hahahahaha)
Também tem os livros de RPG! As histórias são incríveis. Em “Vampiro, a máscara” você quase acredita que eles existem de verdade. É muito bom!

Enfim... Nada contra s série Crepúsculo. Leiam mesmo!!!! Edward é lindo sim!!!! Mas... apreciem com moderação!

Beijos!

Barbie

2009-08-09T09:17:00.003-03:00

Esses dias enquanto passeava no shopping dei uma volta por uma loja de brinquedos. Ainda (apesar de já não ser tecnicamente uma criança) gosto muito de lojas de brinquedos!!! Apesar de ser menina, nunca me encantei demais pelas bonecas... minha atenção sempre foi maior para os jogos de tabuleiro, lego, quebra-cabeças e até personagens de desenhos animados como he-man e comandos em ação. Nesse meu recente passeio me deparei com uma cena que me fez ter vontade de vir até aqui e colocar um texto que há muito tempo recebi, mas que até agora faz muito sentido. Ele fala sobre a boneca Barbie! Pois é, a cena que eu vi era uma menininha de uns sete anos, aparentemente, urrando feito bicho, para que os pais comprassem um tipo de castelo da "dita cuja"... Pelo que espiei, o castelo custava R$300,00, não era uma bagaltela!!! Ainda assim a menina gritava e esmurrava o chão querendo possuir aquele objeto de desejo!

A BARBIE
(de Ruben Alves)

As bonecas foram os primeiro brinquedos inventados pelos homens. Por isso eu acho que os pais fazem muito bem em dar uma boneca de presente para as suas filhinhas.
Com uma exceção, é claro: se a boneca não for a Barbie. Porque a Barbie não é uma boneca. É uma bruxa.
Posso imaginar o espanto nos seus olhos. Eu imagino também os seus pensamentos: O Rubem perdeu o juízo. A Barbie é uma boneca de plástico, não mexe, não pensa, não fala. E agora ele diz que ela é uma bruxa...
Pois eu digo que a Barbie é uma bruxa. Bruxa enfeitiça. Enfeitiçada, a pessoa deixa de ter pensamentos próprios. Só pensa o que a bruxa manda.
De novo você vai me contestar, dizendo que a Barbie não fala e não tem vontade. Por isso não pode nem dar ordens e nem ser obedecida. Errado.
O fantástico é que ela, sem falar e sem ter vontade, tenha mais poder sobre a alma da criança que os pais. Nascida em 1959, em 1970 mais de 12 milhões já tinham sido vendidas. Um negócio da China. E por quê? Porque a Barbie, diferente das bonecas antigas, bebês que se contentam com uma chupeta e um chocalho, tem uma voracidade insaciável.
A Barbie está sempre incompleta. Portanto, com ela vem sempre uma pitada de infelicidade. Aliás, essa é a regra fundamental da sociedade consumista: é preciso que as pessoas se sintam infelizes com o que têm, para que trabalhem e comprem o que não têm. A Barbie tem esse poder: quem a tem está sempre infeliz porque há sempre algo que não se tem, ainda. E os engenheiros da inveja, a serviço das fabricas, se encarregam de estar sempre produzindo esse novo objeto que ainda não foi comprado. Mas inútil comprar. Porque logo outro será produzido. É uma cenoura na frente do burro... Ela nunca será comida.
Quem dá uma Barbie para uma criança põe a criança numa arapuca sem saída. Porque, ao ter uma Barbie, ela ingressa no Clube das meninas que têm Barbie. E as conversas, nesse clube, são assim: Eu tenho o chalé da praia da Barbie. Você não tem. Ao que a outra retruca: Não tenho chalé, mas tenho marido loiro da Barbie, que você não tem.
Mas há uma saída. E, para ela, procuro sócios. Vamos começar a produzir o próximo e definitivo complemento para a bruxa de plástico: urnas funerárias para a Barbie. “Por vezes o feitiço só se quebra com o assassinato da feiticeira - por mais bonitinha que ela seja...”

Crônica de Ruben Alves, extraída do livro Teologia do Cotidiano, publicada no Correio Popular, de Campinas, em 10 de janeiro de 1994.

Espero que tenham gostado do texto!!!

Espero que pensem sobre ele!

JULHO, FRIO, FÉRIAS

2009-07-02T19:11:00.003-03:00

Férias de julho.

O primeiro dia de férias: chuva e frio. Fiquei em casa em baixo do cobertor vendo filme e lendo Harry Potter!!! (O filme foi "Across the Universe" que já vi várias vezes mas gosto muito. Além disso, como mostrei pros alunos do segundo ano algumas cenas me deu vontade de ver inteiro outra vez). Sobre Harry Potter... eu adoro esse bruxinho, vocês sabem disso! hehehe! E como daqui uns dias estréia o novo filme nos cinemas, estou relendo o livro (como sempre faço). O mais curioso é que sempre me arrependo de ter lido antes porque sempre detesto o filme. Mas depois eu vou novamente ao cinema, compro o dvd e passo a amar o filme! hehehehe! Bom, pelo menos isso aconteceu com os anteriores. Ainda assim comecei a reler o "Half blood".

Outra coisa que me deixa feliz é que agora posso jogar Rock Band tranquila!!! Sem peso na consciência! hehehehehe!!!! Quem sabe até agosto me torno Expert!

Quero aproveitar esse post pra colocar o link de "I Want You" do filme "Across the Universe".

Se quiserem mais peguem no You Tube. Lá é possível encontrar todas as cenas!

Link com o post que coloquei os trabalhos dos alunos de 2008 sobre esse mesmo tema.
http://prosalunos.blogspot.com/2008/12/boas-frias.html

Depois eu escrevo mais!!

Boas férias!

Para os bonitinhos do segundo ano

2009-06-01T21:54:00.002-03:00

Só pra constar:

Missão Artística Francesa:
http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/misso-artstica-francesa.html

A Academia Imperial de Belas Artes:
http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/academia-imperial-de-belas-artes.html

Transição entre o acadêmico e o moderno:
http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/eliseu-visconti.html
http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/anlise-comparativa-acadmico-x.html

Início do Modernismo Brasileiro:
http://prosalunos.blogspot.com/2007/05/modernismo-brasileiro.html

Anita Malfatti (nossa primeira grande artista moderna) - Segall era Lituano, lembram??:
http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/anita-malfatti.html

Site do museu Lasar Segall:
http://www.museusegall.org.br/

Mais uma vez, texto do Monteiro Lobato sobre a exposição de 1917 da Anita Malfatti.
http://prosalunos.blogspot.com/2009/05/paranoia-ou-mistificacao.html

Espero que ajude!

Besos

Jardim das Delícias

2009-05-27T22:34:00.015-03:00

Atendendo a pedidos 2!

Pouco se sabe sobre Hieronymus Bosch. Sabemos que viveu na cidade holandesa de Hertogenbosch e que faleceu em 1516 – mas não sabemos quantos anos tinha. Nos mostrou em suas obras que as tradições da pintura que serviam para mostrar a realidade bem podiam servir para mostrar no contrário. Com isso criou quadros que, apesar de trazerem elementos que nenhum olho humano jamais viu (salvo nos sonhos) de modo convincente.
Por esse motivo, esse artista que viveu no período conhecido como Renascimento, pode ser chamado até de “surrealista”. (Claro que o termo está sendo usado de maneira anacrônica – o movimento surrealista surge apenas em 1924 com um manifesto do poeta André Bretton).
Bosch é autor de uma das obras mais extraordinárias e misteriosas da História da Arte: O JARDIM DAS DELÍCIAS.
Poucas obras têm dado lugar a tantas explicações contraditórias, imaginárias e sem sentido. Também são poucas as obras que conseguem, de maneira como essa, mexer com o espectador: é impossível ficar indiferente.
Pouco sabemos sobre sua origem. Quando chega à Espanha dizem que é “uma pintura sobre a variedade do mundo”. Alguns ainda se limitavam a chamá-la de “a pintura das maçãs”.
Se o tríptico está fechado contemplamos uma visão do universo criado por Deus. Acima, um versículo bíblico que diz “Ipse dixit et facta sunt. Ipse mandavit et creata sunt” (Ele mesmo disse e tudo foi feito. Ele mesmo ordenou e tudo foi criado.) Estamos no terceiro dia. É então que surge o “Paraíso”.
Na parte da esquerda se vê o paraíso e Adão e Eva. O anúncio da aparição do pecado se percebe através de seres monstruosos e agressivos que parecem romper a harmonia imposta pelo Criador. O painel do centro mostra o homem que descobre todos os prazeres, em especial os carnais e que se deixa seduzir por eles. Este é o centro de atenção da obra, onde se encontra um mundo de fantasia em que vemos misturados animais, vegetais, objetos... Figuras antropomórficas das mais incríveis e frutos carnosos e suculentos que atingem a altura de homens. A conseqüência do mergulho nesse ambiente está à direita. Esses homens se condenarão ao inferno: lugar fantástico, apoteose de beleza do mar, totalmente ambíguo.
Provavelmente Bosch se baseou na literatura fantástica de sua época, misturando suas crenças cristãs e seu gosto pelo popular.

Observem alguns detalhes dessa obra tão complexa e tirem vocês mesmos suas conclusões.

VISTA DO TRIPTICO FECHADO:

VISTA DO TRIPTICO ABERTO:

PARAÍSO:

Detalhe do "paraíso"

O JARDIM DAS DELÍCIAS:

Detalhes de "O jardim das Delícias":

O INFERNO MUSICAL:

Detalhes de "O Inferno Musical"

Dados técnicos da obra:

Tríptico "O jardim das delícias", c. 1500

Óleo sobre madeira, 190 x 175 cm (central); 187,5x 76,5 cm (laterais)

Museu do Prado, Madri

(dados técnicos tirados do catálogo "El Bosco y la pintura flamenca del siglo XV" de Joaquín Yarza Luaces - Fundação Amigos del Museo del Prado).
Espero que gostem!

Renascimento no Norte da Europa

2009-05-27T18:25:00.012-03:00

Atendendo a pedidos!

O Renascimento que acontece no Norte da Europa (onde hj é a Alemanha, a Holanda e a Bélgica, por ex) não é muito parecido com o Renascimento Italiano. Geralmente quando se fala em "renascimento" se pensa em Itália, Florença, Leonardo Da Vinci e Monalisa! hehehehe! Está correto, porém, é importante lembrarmos que esse humanismo e essa revolução artística não aconteceu só na Itália!!! No norte da Europa nós também tivemos uma grande revolução cultural!
Lá, como não eram herdeiros da cultura clássica romana (que havia se baseado muito na cultura grega) eles retomam, na verdade, a arte medieval e chamada de bárbara pelos latinos. Por isso as pinturas têm mais cor e são mais realistas.
Podemos dizer que o que os une aos italianos é o antropocentrismo e a valorização do pensamento humano, da ciência e da pesquisa.

Alguns importantes artistas (e suas obras)

--> Notem o modo como os artisas usam as cores!
--> Reparem na representação das pessoas! Não há a busca pela beleza ideal!

Jan Van Eyck

“As Bodas de Arnolfini”, 1434
Óleo sobre madeira: 81,8 x 59,7 cm - National Gallery, Londres

"O Chanceler Rolinc e a Virgem", 1435
Óleo sobre madeira: 66 x 62 cm, Musée du Louvre, Paris

Hans Holbein

"Os Embaixadores", 1533

Óleo sobre madeira: 207 x 209.5 cm, National Gallery, Londres

Pieter Bruegel

"Jogos Infantis", 1560

Óleo sobre madeira: 118 x 161 cm, Kunsthistorisches Museum, Viena

"Festa de casamento", c. 1568

Óleo sobre madeira: 114 x 164 cm, Kunsthistorisches Museum, Viena

Espero que ajude!

Beijocas!

revisão pros bonitos do 1º ano

2009-05-24T10:18:00.002-03:00

Oi pessoal
Aqui estão alguns links de post que já estão no blog sobre os assuntos necessários!

RENASCIMENTO DO NORTE DA EUROPA
http://prosalunos.blogspot.com/2006/05/renascena-italiana-x-renascena-do.html
http://prosalunos.blogspot.com/2006/05/renascena-do-norte.html

MENEIRISMO
http://prosalunos.blogspot.com/2006/05/maneirismo.html

BARROCO
http://prosalunos.blogspot.com/2006/05/barroco.html

ROCOCÓ
http://prosalunos.blogspot.com/2006/08/rococ.html

NEOCLÁSSICO
http://prosalunos.blogspot.com/2006/08/neoclassicismo.html

Bons estudos a todos!!!

Grande abraço!

PARANÓIA OU MISTIFICAÇÃO

2009-05-18T15:46:00.003-03:00

PARANÓIA OU MISTIFICAÇÃO
Monteiro Lobato
Estado de São Paulo, 20/12/1917

Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que vêm as coisas e em consequência fazem arte pura, guardados os eternos ritmos da vida, e adotados, para a concretização das emoções estéticas, os processos clássicos dos grandes mestres.
Quem trilha esta senda, se tem gênio é Praxiteles na Grécia, é Rafael na Itália, é Reynolds na Inglaterra, é Dürer na Alemanha, é Zorn na Suécia, é Rodin na França, é Zuloaga na Espanha. Se tem apenas talento, vai engrossar a plêiade de satélites que gravitam em torno desses sóis imorredouros.
A outra espécie é formada dos que vêm anormalmente a natureza e a interpretam à luz das teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes, surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva. São produtos do cansaço e do sadismo de todos os períodos de decadência; são frutos de fim de estação, bichados ao nascedouro. Estrelas cadentes, brilham um instante, as mais das vezes com a luz do escândalo, e somem-se logo nas trevas do esquecimento.
Embora se dêem como novos, como precursores de uma arte a vir, nada é mais velho do que a arte anormal ou teratológica: nasceu como a paranóia e a mistificação.
De há muito que a estudam os psiquiatras em seus tratados, documentando-se nos inúmeros desenhos que ornam as paredes internas dos manicômios.
A única diferença reside em que nos manicômios essa arte é sincera, produto lógico dos cérebros transtornados pelas mais estranhas psicoses; e fora deles, nas exposições públicas zabumbadas pela imprensa partidária mas não absorvidas pelo público que compra, não há sinceridade nenhuma, nem nenhuma lógica, sendo tudo mistificação pura.
Todas as artes são regidas por princípios imutáveis, leis fundamentais que não dependem da latitude nem do clima.
As medidas da proporção e do equilíbrio na forma ou na cor decorrem do que chamamos sentir. Quando as coisas do mundo externo se transformam em impressões cerebrais, “sentimos”. Para que sintamos de maneira diversa, cúbica ou futurista, é forçoso ou que a harmonia do universo sofra completa alteração, ou que o nosso cérebro esteja em desarranjo por virtude de algum grave destempero.
Enquanto a percepção sensorial se fizer no homem normalmente, através da porta comum dos cinco sentidos, um artista diante de um gato não poderá “sentir” senão um gato; e é falsa a “interpretação” que o bichano fizer do totó, um escaravelho ou um amontoado de cubos transparentes.
Estas considerações são provocadas pela exposição da sra. Malfatti, onde se notam acentuadíssimas tendências para uma atitude estética forçada no sentido das extravagâncias de Picasso & Cia.
Essa artista possui um talento vigoroso, fora do comum. Poucas vezes, através de uma obra torcida em má direção, se notam tantas e tão preciosas qualidades latentes. Percebe-se, de qualquer daqueles quadrinhos, como a sua autora é independente, como é original, como é inventiva, em que alto grau possui umas tantas qualidades inatas, das mais fecundas na construção duma sólida individualidade artística.
Entretanto, seduzida pelas teorias do que ela chama arte moderna, penetrou nos domínios de um impressionismo discutibilíssimo, e pôs todo o seu talento a serviço duma nova espécie de caricatura.
Sejamos sinceros: futurismo, cubismo, impressionismo e tutti quanti não passam de outros ramos da arte caricatural. É a extensão da caricatura a regiões onde não havia até agora penetrado. Caricatura da cor, caricatura da forma – mas caricatura que não visa, como a verdadeira, ressaltar uma idéia, mas sim desnortear, aparvalhar, atordoar a ingenuidade do espectador.
A fisionomia de quem sai de uma de tais exposições é das mais sugestivas.
Nenhuma impressão de prazer ou de beleza denunciam as caras; em todas se lê o desapontamento de quem está incerto, duvidoso de si próprio e dos outros, incapaz de raciocinar e muito desconfiado de que o mistificaram grosseiramente.
Outros, certos críticos, sobretudo, aproveitam a vasa para “épater le bourgeois” (chocar o burguês). Teorizam aquilo com grande dispêndio de palavreado técnico, descobrem na tela intenções inacessíveis ao vulgo, justificam-nas com a independência de interpretação do artista; a conclusão é que o público é uma besta e eles, os entendidos, um grupo genial de iniciados nas transcedências sublimes duma Estética Superior.
No fundo, riem-se uns dos outros – o artista do crítico, o crítico do pintor. É mister que o público se ria de ambos.
“Arte moderna”: eis o escudo, a suprema justificação de qualquer borracheira.
Como se não fossem moderníssimos esse Rodin que acaba de falecer, deixando após si uma esteira luminosa de mármores divinos; esse André Zorn, maravilhoso virtuose do desenho e da pintura; esse Brangwyn, gênio rembrandtesco da babilônia industrial que é Londres; esse Paul Chabas, mimoso poeta das manhãs, das águas mansas e dos corpos femininos em botão.
Como se não fosse moderna, moderníssima, toda a legião atual de incomparáveis artistas do pincel, da pena, da água-forte, da “ponta-seca”, que fazem da nossa época uma das mais fecundas em obras primas de quantas deixaram marcos de luz na história da humanidade.
Na exposição Malfatti figura, ainda, como justificativa da sua escola, o trabalho de um “mestre” americano, o cubista Bolynson. É um carvão representando (sabe-se disso porque o diz a nota explicativa) uma figura em movimento. Ali está entre os trabalhos da sra. Malfatti em atitude de quem prega: eu sou o ideal, sou a obra prima; julgue o público do resto, tomando-me a mim como ponto de referência.
Tenhamos a coragem de não ser pedantes; aqueles gatafunhos não são uma figura em movimento; foram isto sim, um pedaço de carvão em movimento. O sr. Bolynson tomou-o entre os dedos das mãos, ou dos pés, fechou os olhos e fê-lo passear pela tela às tontas, da direita para a esquerda, de alto a baixo. E se não fez assim, se perdeu uma hora da sua vida puxando riscos de um lado para outro, revelou-se tolo e perdeu o tempo, visto como o resultado seria absolutamente igual.
Já em Paris se fez uma curiosa experiência: ataram uma brocha à cauda de um burro e puseram-no de traseiro voltado para uma tela. Com os movimentos da cauda do animal a brocha ia borrando um quadro...
A coisa fantasmagórica disso resultante foi exposta como um supremo arrojo da escola futurista, e proclamada pelos mistificadores como verdadeira obra prima que só um ou outro raríssimo espírito de eleição poderia compreender.
Resultado: o público afluiu, embasbacou, os iniciados rejubilaram – e já havia pretendentes à compra da maravilha quando o truque foi desmascarado.
A pintura da sra. Malfatti não é futurista, de modo que estas palavras não se lhe endereçam em linha reta; mas como agregou à sua exposição uma cubice, queremos crer que tende para isso como para um ideal supremo.
Que nos perdoe a talentosa artista, mas deixamos cá um dilema: ou é um gênio o sr. Bolynson e ficam riscadas desta classificação, como insignes cavalgaduras cortes inteiras de mestres imortais, de Leonardo a Rodin, de Velazquez a Sorolla, de Rembrandt a Whistler, ou... vice versa. Porque é de todo impossível dar o nome de obra d’arte a duas coisas diametralmente opostas como, por exemplo, a “Manhã de Setembro” de Chabas e o carvão cubista do sr. Bolynson.
Não fosse profunda a simpatia que nos inspira o belo talento da sra. Malfatti, e não viríamos aqui com esta série de considerações desagradáveis. Como já deve ter ouvido numerosos elogios à sua nova atitude estética, há de irritá-la como descortês impertinência a voz sincera que vem quebrar a harmonia do coro de lisonjas.
Entretanto, se refletir um bocado verá que a lisonja mata e a sinceridade salva.
O verdadeiro amigo de um pintor não é aquele que o entontece de louvores; sim, o que lhe dá uma opinião sincera, embora dura, e lhe traduz chãmente, sem reservas, o que todos pensam dele por detrás.
Os homens têm o vezo de não tomar a sério as mulheres artistas. Essa é a razão de as cumularem de amabilidades sempre que elas pedem opinião.
Tal cavalheirismo é falso; e sobre falso nocivo. Quantos talentos de primeira água não transviou, não arrastou por maus caminhos, o elogio incondicional e mentiroso? Se víssemos na Sra. Malfatti apenas a “moça prendada que pinta”, como as há por aí às centenas, calar-nos-íamos, ou talvez lhe déssemos meia-dúzia desses adjetivos bombons que a crítica açucarada tem sempre à mão em se tratando de moças.
Julgamo-la, porém, merecedora da alta homenagem que é ser tomada a sério e receber a respeito de sua arte uma opinião sinceríssima – e valiosa pelo fato de ser o reflexo da opinião geral do público não idiota, dos críticos não cretinos, dos amadores normais, dos seus colegas de cabeça não virada – e até dos seus apologistas.
Dos seus apologistas, sim, dona Malfatti, porque eles pensam deste modo... por trás.

OBS.: Meus queridos... assim que possível este texto estará na área exclusiva de vocês no site do colégio. Quem já quiser adiantar e pegá-lo daqui, ótimo!!!

Dá um "ctrl c" e "ctrl v" e coloca num documento de "word" que tá valendo! hehehehehehehehe

Abração a todos!

Deu vontade de escrever...

2009-05-15T22:59:00.003-03:00

Estou em casa, na preguiça... deu vontade de vir aqui e escrever alguma coisa no blog. Sei lá se vocês lerão! Não me importo, realmente não vim aqui pensando se vocês lerão ou não. Claro que é sempre bom ter um retorno daquilo se posta pra saber se o blog serve pra alguma coisa.

Há tempos tentei escrever um blog de verdade, desses que a gente escrever coisas da vida... meio que como um "diário virtual" mesmo. Não consegui. Depois tentei criar um pra escrever coisas variadas que passavam pela minha cabeça - também não funcionou (acho que escrevi só um post decente).

Gosto muito desse blog, tenho realmente um carinho muito especial por ele (e também por aqueles que entram não só pra se dar bem nas provas). Ele já está comigo há anos... e acredito que seja útil. Bom, espero que seja!

Ano passado pensei seriamente em acabar com o blog - aconteceu uma confusão porque achei que estava na hora de dar liberdade aos meus leitores pra comentar... mas alguns passaram dos limites (encheram o blog de comentários idiotas e até falando mal dos alunos que vinham pra tirar dúvidas). Aquela vez fiquei realmente preocupada. Fiquei com medo que isso tudo pudesse prejudicar alguém, me prejudicar... Fiquei muito triste porque uma garota muito linda e especial ficou triste... Vê-la chorar me fez ficar absolutamente irada e me fez lembrar dela pra sempre (e espero do fundo do meu coração que ela seja muito feliz e tenha muito sucesso na vida!! Votos que - Deus me perdoe - não faço pros que causaram tal tumulto).

Mas não quero falar de coisas ruins.

Aproveito o post pra comentar com meus fofuchos e fofuchas que esse final de semana começa uma exposição IMPERDÍVEL (sim... daquelas que, quando vc chegar no céu São Pedro vai te perguntar se vc foi... e se vc não foi.... Ish, vai ter que dar meia volta!!! hehehehehe)

Arte na França 1860 -1960: O Realismo

Apartir de 16 de maio até 28 de junho de 2009

Não se esqueçam de aproveitar (quem puder, claro) a terça-feira - já que neste dia a entrada é gratuita. Nos demais o ingresso custa R$15,00 (e estudante paga R$7,00).

Gente... vamos aproveitar o "Ano da França no Brasil".

O site oficial é:

http://anodafrancanobrasil.cultura.gov.br/

Aqui em casa vou tentar convenser meu marido a comer "Ratatouille"! hehehehehe! Peguei uma receita que parece fantástica na internet!!! Mas vai ser difícil convencê-lo!!! Prometo que se conseguir vou tirar até fotos do acontecimento!!! Mas sim... Vamos entrar no clima do ano da França no Brasil!!

(Essa foto quem tirou foi o Fabio, meu marido - se não colocar os créditos aqui ele me mata! rs)

Semana que vem eu volto aqui pra colocar umas coisas pro pessoal do primeiro ano.

Grande abraço!!!

(agora deixa eu jogar rock band!!!!!)

Revisão, o retorno!

2009-04-06T18:48:00.002-03:00

Fico triste pq, certamente, faz muuuuuito tempo que a maioria de vocês não vem aqui.
Tô num momento de crise!
Amo tanto o que faço, tanto... Mas infelizmente não consigo perceber o retorno dos meus alunos. Sei lá onde estou errando? Sei lá se a culpa é minha ou deles... Não consigo perceber muito interesse, muita paixão. Ai a coisa fica feia pro meu lado.
Juro que cheguei a pensar em desistir desse meu ideal e partir pra outra. As vezes cansa a falta de valorização.
Acho tão engraçado... somos cercados por arte em tantos momentos da nossa vida... Pq será que é difícil tentar gostar? Será que é difícil demais entender pelo menos que a arte é uma área do conhecimento como outra qualquer... tão importante para o desenvolvimento cultural e cognitivo como as matérias "top" como português e matemática? Será que é difícil entender que a arte nos torna pessoas melhores? Será que é difícil entender que a arte pode nos ajudar a sermos mais criativos? Bom... talvez seja. Talvez eu seja uma louca que acredita nisso tudo e esteja completamente errada. Talvez.... Mas eu ainda não desisti de mudar o mundo pela arte! Realmente acredito que ela é a mais poderosa ferramenta!!! Como diriam os grandes artistas da vanguarda, ela é a mais poderosa arma que o homem pode usar!

Fico triste quando os alunos só pensam em vestibular, vestibular e vestibular... Coitados! Esquecem que esta é só uma etapa da vida deles; e... de verdade, não é nem de longe a mais difícil. Fico triste quando eles não entendem que o conhecimento nunca é demais, que o conhecimento enobrece o homem. Nem tudo tem que ter uma função lógica... Tem coisas que podem servir só pra nos dar prazer. Se arte não "cai no vestibular" (se bem que isso tá mundando) não presta pra nada! Peraí!! Pensamento pequeno o de quem pensa assim.

Mas enfim... apesar de alguns (muitos) não merecerem, eu que sou uma santa (e que já tenho meu castelinho garantido lá no céu! hehehehehehehehe) vou ajudá-los mesmo assim.

Sobre as Vanguardas:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/02/revendo-arte-moderna.html

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/continuao-da-reviso-de-arte-moderna.html

Outros links:

Futurismo

http://prosalunos.blogspot.com/2006/08/vanguarda-futurismo.html

Cubismo

http://prosalunos.blogspot.com/2006/10/cubismo.html

Surrealismo

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/surrealimo.html

OP e POP Art

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/pop-e-op.html

Barroco Brasileiro

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-brasileiro.html

http://prosalunos.blogspot.com/2008/04/barroco-mineiro.html

(só pra lembrar... não será cobrado "Barroco Paulista".

Este aqui é o link pro site da unesco pra quem tiver interesse em conferir a lista completa dos Patrimônios da Humanidade.
Lembrem-se... pra gente, o importante são os brasileiros.

http://whc.unesco.org/en/list

Este aqui é outro link sobre os Patrimônios... mas que dá destaque aos brasileiros. Só pra lembrar, as informações desse site vieram do livro "Conhecendo os Patrimônios da Humanidade no Brasil", de Percival Tirapeli (um dos maiores pesquisadores sobre o barroco brasileiro)

http://www.universia.com.br/especiais/patrimonios_historicos/index.htm

Grande abraço a todos!!! De coração!

Bons estudos!

Mais uma vez revisão!

2009-03-29T19:58:00.025-03:00

Olá meus queridos!

Aqui tem um link para algumas informações sobre o RENASCIMENTO ITALIANO:

http://prosalunos.blogspot.com/2006/05/renascimento-italiano.html

É importante lembrar que o MAIS IMPORTANTE é a leitura de imagens.
Olhar para o conteúdo de uma obra, quais são as coisas que vemos numa primeira vista. Depois, olhar com mais atenção para detalhes como o tema, a mensagem que esse tema passa... se ela tem relação com o período histórico que foi feita, se seu tema se aproxima à pesquisas ou idéias de outra área do conhecimento. Então, o olhar volta aos elementos artísticos de fato: técnica utilizada, as cores, as formas escolhidas pelo artista. Como esses elementos dialogam? Aí, depois dessa leitura técnica, que nos aproxima da gramática da arte, vem a leitura pessoal. Cada pessoa fará uma leitura diferente, afinal de contas, cada um tem uma vivência diferente, gostos diferentes... e ai vem a parte mais gostosa de olhar pra uma obra de arte. Aquele momento de deixar a emoção falar! Espero que vocês consigam fazer esse diálogo com a obra!

Aproveito para fazer uma pequena linha do tempo para vocês lembrarem-se do que aconteceu no mundo da arte antes do Renascimento:

PRÉ-HISTÓRIA:

PALEOLÍTICO
+ou- 20000 a.C.

Vênus de Willendorf
(Escultura mais antiga encontrada até hoje).

Pinturas rupestres

NEOLÍTICO
Início da ARQUITETURA

Dólmens

Cromleques
(Monolitos dispostos em círculos, geralmente).

ANTIGUIDADE

EGITO

Pinturas e relevos – uso da “lei da frontalidade”.

Esculturas de faraós e deuses com certa imobilidade.

Arquitetura monumental.
Pirâmides = construções mortuárias (tumulo do faraó).

GRÉCIA

Vasos e ânforas com pinturas sobre a mitologia.

Esculturas idealizadas.

Arquitetura baseada em conceitos geométricos (proporção áurea).
A arquitetura grega foi a base da arquitetura de muitas épocas posteriores.

ROMA

Pintura decorativa altamente realista (e até ilusionista).

Escultura altamente realista (também fizeram várias cópias de esculturas gregas).

Arquitetura baseada em princípios gregos com aperfeiçoamentos.
Utilização do arco, de tijolos e algo parecido com a argamassa.
è Os romanos foram os grandes arquitetos da antiguidade!

IDADE MÉDIA

ARQUITETURA

ROMÂNICA

GÓTICA

PINTURA MEDIEVAL

(Iluminuras)
Murais e ícones

É importante lembrar que na Idade Média o “artista” era o artesão. Não existia a valorização e o status de hoje.
Outro dado interessante é que eles não assinavam as pinturas. Por esse motivo não sabemos a autoria da maioria das obras.

ESCULTURAS

Pouco realismo nas figuras.

Revisões e mais revisões

2009-03-25T21:32:00.020-03:00

Aqui estão algumas informações pro pessoal do oitavo ano que, agora também poderá participar do "PROS ALUNOS".

Nosso assunto, atualmente, é PINTURA:

Primeiro de tudo:
Para pintar é necessário MATERIAIS (tinta, pincel e coisas assim) e um SUPORTE (tela, papel, parede, corpo, etc).
Quando vemos em um livro ou em uma exposição o título de uma obra e o nome do seu autor, essas informações geralmente vêm acompanhadas de coisas do tipo "óleo sobre tela" --> isso significa que o material usado pelo artista foi a tinta a óleo e que o suporte é a tela.

Basicamente estes são os dois principais tipos de pincéis.
É importante lembrar que os pincéis de cabo mais longo são usados para pintar tela e, os de cabo mais curto para pintar papéis sobre uma mesa comum.

Outro assunto importante são os gêneros tradicionais da pintura.

Aqui estão alguns dos principais:

Os gêneros já não fazem mais parte da pintura contemporânea. Uma das coisas que a modernidade aboliu da arte tradicional foi exatamente isso!

Outra coisa bastante importante é a RELEITURA.

Tem muito professor de artes que insiste em trabalhar com isso de maneira errada, como se fosse uma cópia. Muitas vezes os alunos são levados a copiar uma obra de arte, fazendo com que sua pintura ou desenho fique o mais parecido possível com o original: ERRADO!!!! Releitura não é isso!!!!! Releitura é uma nova leitura de um mesmo tema, de um mesmo assunto... É pintar uma obra a partir de outra, mas sem copiar. Na releitura, o artista recria o quadro com seu estilo próprio. A releitura tem que ter a cara de quem a fez e não a cara da obra original.

Picasso quando decidiu fazer essa releitura passou anos e anos de sua vida buscando uma maneira de reler Velasquez. Fez vários estudos para isso. Conheceu a fundo o pintor e só depois disso fez essa obra que é tão importante quanto a do mestre do século XVII. Vemos nessa obra PICASSO muito mais do que Velasquez... ele está lá, mas pelo pincel do artista moderno.

Aqui estão outras releituras. Algumas delas são trabalhos de computador que eu encontrei em um site muito legal (que merece uma visita): http://www.worth1000.com

Aqui tem uma relação muito legal! A primeira obra é do artista realista Millet. A segunda é uma releitura de Van Gogh dessa obra. Abaixo é uma releitura de Maurício de Souza, ou seja, uma releitura de uma releitura!

Abraço a todos!

O SIGNIFICADO DA QUEDA DO “MURO DE BERLIM”

2009-02-04T11:21:00.004-02:00

Durante a II Guerra Mundial, os Aliados (Inglaterra, França, EUA e URSS) lutaram juntos contra os países do Eixo (Alemanha, Itália e Japão). Ainda no decorrer do conflito já eram perceptíveis as tensões entre os Aliados, sobretudo no choque do ponto de vista entre Churchill e Stálin. O primeiro, era um antiesquerdista convicto. Para ele, a URSS pretendia impor seu sistema de organização social e econômico aos demais países do mundo, o que não seria viável para os Aliados, com ideologias tão diferentes. Já Stálin estava preocupado não só com a ideologia, mas com o fato de não deixar as fronteiras da URSS desguarnecidas, sobretudo com vizinhos tão hostis.
Em 1945, as conferências de Yalta (1.º a 11 de fevereiro) e Potsdam (17 de julho a 2 de agosto) trataram de questões da organização do pós-guerra. Nesse momento já fica evidente a divisão do mundo em duas grandes áreas de influência, uma capitalista-americana e outra socialista-soviética.
A Alemanha, grande perdedora da II Guerra Mundial, foi dividida em quatro zonas de ocupação entre os vencedores: EUA, Inglaterra, França e URSS. O aumento da tensão político-ideológica entre os EUA e a URSS levou à criação de duas Alemanhas: a República Federal Alemã, na zona de ocupação britânico-franco-norte-americana, e a República Democrática Alemã, na zona de ocupação soviética. A capital, Berlim, que estava situada em território da República Democrática Alemã, também teve que ser dividida em Berlim Ocidental, integrada à República Federal Alemã, e Berlim Oriental, sob controle da República Democrática Alemã.
Até o ano de 1961, os cidadãos berlinenses podiam passar livremente entre os lados Ocidental e Oriental de Berlim. Mas com o acirramento da Guerra Fria, a RDA via sua existência ameaçada. Mais de dois milhões de cidadãos já haviam fugido do lado Oriental desde sua criação em busca de melhores condições de vida do lado Ocidental. A solução encontrada para impedir que as fugas continuassem e para garantir a continuidade da República Democrática Alemã foi a construção do Muro de Berlim.
Este muro simbolizou a concretização da divisão do mundo em dois blocos, se transformando na mais sólida herança da Guerra Fria. Nesse momento, o mundo, mais que a Alemanha ou do que a cidade de Berlim, estava dividido em dois blocos, cada um procurando infiltrar-se para subverter o outro, enquanto as guerrilhas na periferia (Coréia, Vietnã, Cuba, Nicarágua e países da África) se proliferavam.
Ele nasceu de modo repentino, da noite pro dia, literalmente. Em um dia os alemães podiam ir e vir, ver seus amigos e parentes que viviam na parte ocidental, mas no dia seguinte perdiam essa liberdade. Em 13 de agosto de 1961 os berlinenses não puderam aproveitar o domingo do lado de lá, pois o lado de lá estava do outro lado do muro. E a presença dessa construção repentina não pôde ser ignorada, mesmo que não pudesse ser compreendida. O corte já estava feito e a ferida já atingira a todos.
Com seus 167 quilômetros de comprimento, ele circundava e isolava hermeticamente Berlim Oriental, separando praças, ruas e até casas pelo meio. Atrás da primeira barreira estendia-se uma faixa, em alguns pontos com duzentos metros de largura, cheia de arames farpados, minas anti-homem, cães ferozes, bunkers e acesso para as patrulhas da polícia. Além dela erguia-se outro muro que dava para Berlim Ocidental. A cada duzentos metros, uma guarita revestida por falsos espelhos se destacava em cima de uma armadura de aço, e dentro dela, os grenzpolizisten, polícia de fronteira da RDA, que atirava sistematicamente sobre quem quer que tentasse passar para o lado Ocidental. Desde o dia da sua construção, mais de 1.000[1] pessoas morreram dessa maneira. A última, a apenas nove meses da abertura. O Muro nem era tão alto, tinha pouco mais de 4 metros de altura, mas, como diria uma pichação anônima, “O muro chinês é mais largo e alto, mas não tão perturbador”. À noite, tudo ficava iluminado, a visão do Muro com seus arames farpados, certamente trazia à lembrança os campos de concentração.
Por tudo isso, o dia 9 de novembro de 1989 não foi apenas uma segunda-feira fria em Berlim, mas o início do fim de 28 longos anos de separação. 28 anos do fim da convivência com aquilo que não era apenas uma horrível construção em concreto reforçado, mas também um testemunho cotidiano da violência à liberdade, tão feroz a ponto de parecer absurdo. Naquela noite fria, Günter Schabowski, ministro da propaganda da RDA, anuncia a liberdade de ir e vir para os cidadãos. É a queda do Muro de Berlim.
Talvez sua queda tenha permitido a retomada, mas talvez não a superação, do trauma de sua construção. As gerações que a vivenciaram ainda estão vivas. E foram as crianças de 1961 que fizeram coro nas passeatas em Leipzig, subiram em cima do Muro na frente da porta de Brademburgo e martelaram as estruturas para derrubar o símbolo da falta de liberdade.
O Muro caiu porque já não tinha forças pra permanecer em pé. Estava “podre” por dentro, pelo colapso de uma ineficiência econômica, que perdia cada vez mais a concorrência com sua rival Ocidental. O contraste entre as duas Alemanhas era gigantesco. Enquanto o lado Ocidental progredia econômica e tecnologicamente, a parte Oriental parecia, até visualmente, viver no passado, como se tivesse parado no tempo, vivendo como há quarenta anos. Nem mesmo a Glasnost e a Perestroika iniciadas em 1985 por Mikhail Gorbatchev foram suficientes para manter os alicerces do Muro.
No dia 10 de novembro, Berlim acordou ainda em estado de choque. Os cidadãos, tanto Orientais como Ocidentais não sabiam se tudo aquilo tinha sido um sonho. Era preciso ligar a televisão e acompanhar os telejornais, sair à rua, ir até o Muro.
“Todos viram a liberdade dançar sobre o Muro, mas a incredulidade, a desconfiança, o medo de que possa ser apenas uma fascinante ilusão fazem com que os berlinenses do Leste trepidem; como que em busca de uma confirmação eles saem às ruas rumando aos milhares para os postos de fronteira. Então é mesmo verdade! O Muro caiu, revirando a História e o coração da Europa. As duas Alemanhas podem se tocar. Na noite passada terminou o pós-guerra”. (Lilli, 1990, p.131)
Era o momento de reencontrar a família e os amigos. Quantos berlinenses não podiam fazer coisas simples, como visitar a mãe ou o irmão, ou ir à festa de aniversário do melhor amigo? Agora, nesse “fim de ano antecipado”, como estampavam as manchetes dos jornais da época, eles enfim poderiam dar o abraço há tempos esperado.
A imagem mais famosa desse evento não aconteceu no dia 9 de novembro, mas alguns dias depois. É a imagem de milhares de pessoas, em cima e dos lados do Muro, estourando champagnes, na tal festa de ano novo antecipado. O Muro virou pedaços, fragmentos, produto de exportação que era (e ainda é) vendido como souvenir, como amuleto, como recordação do fim de uma era. A história foi dividida em milhares de pequenos pedaços, tão pequenos, que os olhos só conseguem ver as cores dos ex-protestos dos Ocidentais em forma de grafite. Já não há um reconhecimento visual do muro, mas um reconhecimento simbólico.
No início era preciso um visto para atravessar o Muro, enquanto ele ainda não tinha sido literalmente derrubado. Mas os berlinenses ficavam horas nas filas, pacientemente, para receber o carimbo que significava muito mais do que tinta num papel, mas um “atestado de liberdade”. Das dezenas de milhares de berlinenses Orientais que passaram sua primeira noite no lado Ocidental, apenas 2500 não voltaram. A maioria acreditava na reunificação, sonhando com uma única Alemanha e um único povo alemão. Havia o problema do câmbio. Oriente e Ocidente tinham moedas diferentes. Do lado Ocidental, os Orientais recebiam uma espécie de “boas vindas”, o Begruessungsgeld, o que equivaleria a pouco mais de R$120,00 atuais. Do lado Ocidental esse dinheiro era facilmente gasto em um jantar num restaurante bacana, mas, para os cidadãos Orientais, era uma boa quantia, o equivalente a quase um salário mensal para alguns.
“Há uma fila de meio quilômetro diante da filial da Dresdner Bank. (...) Experimentamos perguntar a alguém da fila se não se sentem humilhados por ficar uma hora na fila para receber a esmola da rica Alemanha Federal; olham para nós como se fossemos extraterrestres, ou então nos respondem simplesmente que estão acostumados a fazer a fila todos os dias, no lado Oriental, só que muitas vezes sem encontrar aquilo de que têm necessidade”. (Lilli, 1990, p.140)
O choque cultural da abertura do Muro foi imenso. A maioria dos jovens nunca tinha visto tamanhas variedades de coisas simples, como chocolates e biscoitos, por exemplo. As lojas do lado Ocidental foram invadidas e prateleiras inteiras foram esvaziadas em segundos, sobretudo as de artigos eletrônicos simples, mas absolutamente novos para os Orientais, como os walkmans. O cinema também foi algo que chamou a atenção. A variedade de títulos, sobretudo os blockbusters americanos, os deixou encantados. Outra coisa que eles também não tinham acesso do lado Oriental era a pornografia. Anos de moralismo do Estado sufocaram, mas não apagaram as curiosidades mais inconfessáveis. Era comum ver nas filas dos cinemas eróticos homens e casais cheios de curiosidades. Claro que a maioria dos produtos da Alemanha Ocidental tinha um preço proibitivo aos Orientais, mas nem por isso eles reclamavam. Estar ali e poder ver tudo aquilo já era grande coisa para quem, até bem pouco tempo, nem sonhava com isso.
O próximo passo seria a reunificação das Alemanhas, o que viria a acontecer somente em 1990. Antes da unificação efetiva, aconteceu uma unificação monetária e econômica. Em 1.º de julho de 1990, o Bundesbank assumiu o controle da política monetária alemã-oriental, tornando o marco ocidental a moeda corrente do país. Esse passo foi muito importante para a unificação política, que aconteceu em 3 de outubro do mesmo ano. Em 2 de dezembro, os eleitores de todos os Estados da República Federal e da ex-República Democrática foram juntos às urnas pela primeira vez, desde a última eleição democrática que aconteceu às vésperas do nazismo. Helmut Kohl foi reeleito primeiro-ministro da enfim unificada Alemanha.
Essa reunificação resolveu alguns problemas, mas criou outros: o impacto da modernização Ocidental sobre as sucateadas indústrias Orientais gerou desemprego. A República Federal da Alemanha, para acelerar o processo de reabsorvição dos desempregados, investiu maciçamente do lado Oriental, deixando o lado Ocidental sem a mesma atenção, o que gerou também ali o desemprego.
“Nesses 15 anos, o governo federal transferiu bilhões de euros ao leste, sob um "pacto solidário", que expira em 2020. (...) Várias cidades pobres e mal estruturadas da antiga Alemanha Oriental foram reformadas, e a região tem atraído vários investimentos. Ainda assim, a falta de empregos tem levado vários jovens a abandonar o lado leste da cidade.
Um dos maiores indicadores que mostram os desafios do governo alemão na integração das duas regiões é a taxa de desemprego: enquanto que, em nível nacional, há 11,2% de desempregados, na parte oriental esse número chega a 17,6%. (...) Mesmo após 15 anos, orientais e ocidentais ainda têm posturas políticas bastante diferentes. O Partido de Esquerda teve uma percentagem mais alta de votos no leste que no oeste, durante as eleições ocorridas em 18 de setembro último.”
(Folha de São Paulo, 03 de outubro de 2005)

A reunificação alemã é um dos maiores fenômenos do século XX, do ponto de vista político. Mas essa unificação sem conflitos, apesar de trazer inúmeros benefícios à população, sobretudo no que diz respeito ao direito de ir e vir, causou inúmeros prejuízos à economia. A Alemanha ainda paga o custo dessa reunificação, que não foi tão simples como se imaginava na época, mas que, ainda assim, foi um grande sucesso. Mesmo com todos esses problemas, Berlim é uma das mais importantes cidades da Europa e a Alemanha é um dos maiores investidores do Leste Europeu.
Claro que ainda hoje, quase 20 anos depois da queda do Muro, ainda há pessoas que não incorporaram o princípio da produtividade, da tecnologia e de todos os fatores que fazem da Alemanha um país tão avançado. Ainda há um fosso econômico que separa os dois lados. O rendimento econômico per capita no Leste é apenas 70% do nível Ocidental, o que faz com que, a cada ano o Estado transfira cerca de 30 bilhões de euros do Oeste para o Leste. O governo alemão acredita que ainda serão necessários, no mínimo, dez anos até a região conseguir se manter sem as injeções financeiras do Estado. Ainda serão necessários dez anos para existir novamente uma única Alemanha.
O Muro de concreto, ferro e arame farpado caiu, mas ainda existe não só na memória daqueles que sentiram na pele suas conseqüências, não só no roteiro turístico daqueles que visitam Berlim ou nos livros de História. Ele ainda existe, metaforicamente, separando Leste e Oeste. Quem sabe em 9 de novembro de 2019, na festa dos trinta anos da “queda”, os alemães realmente possam brindar e dançar numa Alemanha verdadeiramente unida, sem diferenças entre Leste e Oeste.
[1] Não há consenso sobre esse número. O certo é que até hoje não se sabe ao certo o número de vítimas.

BIBLIOGRAFIA

BANCHER, Flávia. A queda do Muro de Berlim e a presentificação da História. São Paulo: Ateliê Editorial, 2003.
CHACON, Vamireh. A questão alemã. São Paulo: Scipione, 1994.
FERREIRA, Edson Alberto Carvalho. Nova ordem mundial. São Paulo: Núcleo, 1997.
________________________. O mundo contemporâneo. Núcleo, 1993.
GRUBER, Lilli. O Muro de Berlim: Alemanha pátria unida. [Tradução Pier Luigi Cabra]. – São Paulo: Maltese, 1990.
HOBSBAWM, Eric. Era dos extremos: o breve século XX: 1914-1991. [Tradução Marcos Santarrita]. – São Paulo: Companhia das Letras, 1993.

DICA DE FILME

Adeus Lênin

Ficha Técnica:

Título Original: Good Bye, Lenin!

Ano de Lançamento (Alemanha): 2003

Site Oficial: http://www.good-bye-lenin.de/

Estúdio: arte / Westdreutscher Rundfunk / X-Filme Creative Pool

Distribuição: Sony Pictures Classics

Direção: Wolfganger Becker

Roteiro: Wolfganger Becker e Bernd Lichtenberg

Produção: Stefan Arndt

Outro ano! Viva 2009!

2009-02-01T09:23:00.003-02:00

Mais um ano letivo está começando. Que bom!!!

Espero (de coração) que este possa ser muito bom, cheio de descobertas, cheio de arte e cheio de realizações.

Deixo aqui uma imagem pra gente pensar um pouquinho:

Muito provavelmente todos sabem do que se trata.

Vamos discutir sobre isso?!

(essa semana eu colocarei um texto sobre isso).

Bjoks!

Boas Férias!

2008-12-01T23:48:00.002-02:00

Boas férias meus amores!

O QUADRO DE PANO

2008-11-20T13:21:00.002-02:00

Oi pessoal, essa semana eu contei para alguns alunos uma historinha... Contei de maneira resumida e adaptada. Não contei em todas as salas... Mas resolvi vir até o blog e colocar a versão completa deste conto tibetano. Sua origem é bem antiga e seu autor é desconhecido.
Espero que gostem! Espero que pensem um pouco sobre ela.

O QUADRO DE PANO
Conto tibetano, autor desconhecido

Era uma vez, em uma região árida no pé das montanhas uma pobre viúva que tinha três filhos. O maior não prestava para grande coisa e tão pouco o segundo. O caçula que era filho carinhoso e trabalhador que sempre procurava ajudar a mãe no que podia. A mãe ficava tecendo o dia todo. Levava seus tecidos prontos para a feira de uma cidade vizinha, recebendo em troca dinheiro suficiente para comprar comida para ela e para os filhos. O caçula costumava catar lenha em uma floresta próxima, enquanto os outros dois irmãos ficavam espreguiçando-se ao sol, esperando que mãe providenciasse comida. Um dia mãe acabou de vender seus brocados um pouco mais cedo que o de costume e foi então dar uma volta pela ferira. Seus olhos pousaram numa linda tela pendurada numa loja. Era um quadro reproduzindo uma montanha parecida com a que havia atrás de sua aldeia. Só que perto dela, em vez de cabanas pobres, havia um grupo de lindas casas limpinhas. Entre elas, a mais bonita, era uma casa de andares, situada no meio de um jardim atravessado por um riacho prateado que formava um pequeno lago no qual se agitavam peixinhos vermelhos. Aves de galinheiro ciscavam aqui e acolá e belas ovelhas brancas pastavam nas ladeiras das montanhas. Campos de milhos dourados se estendiam a perder de vista. Culminando esta tela idílica, havia no topo da montanha, um grande sol de fogo. A mãe ficou pasma com a beleza do quadro e não se cansava de olhá-lo. Tirou todo o dinheiro que tinha no bolso e que acabara de receber pelos próprios tecidos e comprou o quadro. “Só uma vez”, pensava, “não será tão terrível. Na próxima vez comprarei alguma coisa melhor para os meus filhos”. No caminho, parava de vez em quando para desenrolar o quadro e admirá-lo. Como as casas brilhavam! Como o riacho cintilava! Tendo até impressão de que podia sentir o perfume das flores que embelezavam o jardim. Nunca tinha se sentido tão feliz em toda a sua vida.
Em casa, a mãe pendurou o quadro perto da porta. Não conseguia tirar os olhos de lá. Os dois filhos maiores resmungaram e acharam ridículo gastar tanto dinheiro só para comprar um quadro. Mas o caçula declarou: “Gostaria que você tivesse uma casa parecida com a desse quadro, mamãe. Com um jardim igualzinho. Se eu fosse você, teceria um quadro de pano usando esse aqui como modelo. Enquanto você estiver tecendo a casa, as flores, o riacho e as galinhas, você terá a impressão de já ser dona de tudo isso.”
– Não fique pondo essas idéias na cabeça da mamãe! Se ela começar a tecer por prazer onde é que nós vamos encontrar dinheiro pra viver?”
– É claro, se a mamãe quer viver como uma grande dama, que espere pela outra vida.
No entanto, a idéia do filho caçula a seduzia.
– Não temam meus filhos, que eu vá prejudicá-los. Vou tecer à noite e de manhazinha para meu prazer e o resto do dia para alimentá-los. Até agora alimentei vocês e vou continuar fazendo.
Então, ela comprou os fios mais lindos e se pôs a tecer.
A mãe passou um longo ano, sentada, tecendo. De noite acendia uma tocha cuja fumaça provocava lágrimas em seus olhos. Uma a uma, as gotas cristalinas caiam sobre o pano que estava tecendo e ela, as ia incorporando ao quadro. Foi assim que teceu o lago e o riacho, com suas lágrimas. No segundo ano os pobres olhos da mãe estavam tão irritados que até sangravam, e eram lágrimas vermelhas que caiam sobre o brocado. A mãe as ia incorporando ao quadro, tecendo flores vermelhas e o sol, que iluminava o céu. No terceiro ano o quadro estava terminado. Continha tudo o que estava no modelo: uma região cheia de verduras no pé da alta montanha, casinhas que pareciam de prata, campos de milho dourado, jardins com legumes, árvores frutíferas, arbustos floridos, e, na beira da aldeia, no lugar da pobre cabana da mãe, havia uma grande construção, com colunas vermelhas, portas amarelas e telhado azul. Atrás da casa, nas ladeiras verdes da montanha, pastavam ovelhas, búfalos e vacas. Pintinhos amarelos e patinhos brincavam na grama e pássaros cruzavam o céu em vôo rápido. Em primeiro plano havia um jardim cheio de árvores e flores brilhantes e no centro um laguinho com peixinhos vermelhos. Um riacho prateado atravessava os campos de arroz. Atrás da aldeia, havia campos de milho dourado e, bem acima, um sol de cobre que brilhava num céu azul.
A mãe enxugou os olhos avermelhados e exibiu um sorriso de satisfação.
– Venham ver como está bonito, meus filhos!
– Quanto dinheiro dariam por isso, heim. Se você o vendesse... – disse o filho mais velho.
– Por uma coisa assim você poderia ganhar uma bela soma! – completou o do meio.
– A nossa mãe construiu uma casa de seda para nós, vamos contemplá-la! Vivemos nela em pensamento!
– Teci este quadro para o meu prazer e não quero vendê-lo, mas aqui na penumbra não se enxerga muito bem tudo o que há nele. Vamos levá-lo para fora, para a luz do dia.
A mãe pendurou o quadro fora da casa e todas as cores ficaram mais intensas. Lá, à luz do dia, é que se podia ver realmente o quanto era bonito o quadro. Os vizinhos vieram admirá-lo e cada um cumprimentava a mãe que sorria de felicidade. De repente, ela sentiu no rosto a carícia de uma brisa leve. O pano de seda balançou. Um vento mais forte o sacudiu como um tapete do qual se tira o pó, e por fim, ele foi arrancado da porta de onde estava pendurado. Num instante, o quadro saiu voando pelos ares. A mãe deu um grito e desmaiou. Os filhos procuraram por toda redondeza, mas ninguém encontrou o quadro de pano da mãe.
Depois do sumiço, a mãe começou a vagar como uma alma penada. O caçula tentava consolá-la como podia, preparando sopas de gengibre, mas a mãe ia definhando rapidamente. Depois de algum tempo, a mãe falou para o filho mais velho:
– Filho, se você quer que eu viva, vá procurar o meu quadro de pano e o traga de volta. Sem ele é como se eu tivesse perdido uma parte da minha vida.
O filho calçou suas sandálias e saiu em direção ao leste. Andou meses a fio até chegar a um desfiladeiro onde havia uma casinha de pedra. Na frente da casa havia um cavalo esticando pescoço em direção a uns morangos.
– Por que o cavalo não come os morangos? Por que será que ele fica assim esticando o pescoço e de boca aberta?
Ao se aproximar constatou que o cavalo era de pedra. Ficou muito surpreso com isso. Enquanto estava lá, contemplando o cavalo, estarrecido, uma velha sorridente saiu da casa de pedra.
– O que você está procurando, meu filho?
– Eu estou procurando um quadro de pano que nossa mãe teceu. Nele tinha... minha mãe tinha reproduzido um paisagem... uma casa, um riacho, um jardim, aves, o sol, flores... Olha, pra ela fazer este quadro não comemos bem durante anos. Mal ela acabou de tecê-lo, o vento o levou Deus sabe pra onde. Mamãe me pediu para procurá-lo. Por acaso não sabe onde ele está?
– Sim, sei. Foram as fadas da montanha ensolarada que pegaram emprestado o quadro. Querem usá-lo como modelo para tecerem um brocado igualmente bonito.
– Fico feliz em saber para onde dirigir meus passos para reencontrá-lo. A senhora poderia me indicar o caminho da montanha ensolarada? Quero ir logo lá, assim vou ficar tranqüilo.
– É fácil dizer, mas difícil de realizar. Só se pode chegar lá montado neste cavalo aqui.
– Mas este cavalo é de pedra!
– Pouco importa. O cavalo voltará à vida assim que você implantar seus dentes nas gengivas dele, para que ele possa comer os morangos. Se você quiser, eu te ajudo a arrancar seus dentes com aquela pedra. Mas isso não é nada. O cavalo fará você atravessas as chamas de um vulcão e o gelo de uma geleira. E só depois, além do mar, você vai encontrar a montanha ensolarada e as fadas. Agora, se durante o percurso, você suspirar uma vez apenas, as chamas vão reduzi-lo a cinzas. Os pedaços de gelo da geleira vão quebrá-lo todo e as ondas do mar vão afogá-lo.
O filho mais velho recuou dois passos olhando para o caminho por onde tinha vindo.
– Se você não estiver disposto, não se esforce. Melhor voltar para casa. Eu vou lhe dar uma caixinha cheia de moedas de ouro para a sua caminhada.
– A senhora vai me dar, sem mais nem menos, essas moedas? Sem nada em troca?
– Sim! Assim por nada. Ou, se você quiser, para que você coma e não sinta fome.
– Hum... De fato, é verdade. Eu prefiro voltar pra casa. – Pegando as moedas de ouro e sumindo pelo mesmo caminho do qual tinha vindo. – Para uma pessoa apenas essas moedas são suficientes. Mas para quatro, são poucas. É melhor eu ir à cidade do que voltar pra casa. Vou viver como um senhor. – E tomou o caminho que levava à cidade.
Vendo, com o tempo, que o filho mais velho não voltava, um dia a mãe falou para o segundo filho:
– Seu irmão está viajando Deus sabe onde. Sem dúvida se esqueceu de nós. Vá, meu filho, vá ver se encontra meu belo quadro de pano.
O filho do meio calçou suas sandálias e se pôs a caminho. Andou um dia, uma semana, um mês e chegou à casinha de pedra. Viu o cavalo de pedra esticando o pescoço em direção aos morangos. A velha apareceu à porta, perguntando:
– Que bons ventos o trazem por aqui, meu filho?
– Estou procurando um quadro de pano que minha mãe teceu... O vento o levou.
– Seu irmão mais velho já passou por aqui, mas teve medo de reconquistar o quadro de pano, porque teria que atravessar chamas e geleiras montado naquele cavalo.
– Mas é um cavalo de pedra!
– Se você me deixar arrancar seus dentes com uma pedra, para implantá-los no cavalo ele reviverá. Comerá os morangos e poderá levá-lo até as fadas da montanha ensolarada que lhe irão devolver o quadro.
– Há! Era só o que me faltava! Deixar extrair meus dentes! Prefiro voltar pra casa!
– Neste caso, vou lhe dar um cofrezinho cheio de moedas de ouro. Seu irmão também as recebeu.
– Ah... Então foi por isso que meu irmão não voltou pra casa. E fez bem! Aproveitou melhor o seu dinheiro em outro lugar.
Então o irmão do meio pegou a caixinha com as moedas de ouro que lhe oferecia a velha e agradeceu educadamente, pensando em sumir o mais rapidamente de lá e ir direto à cidade.
– Ulula! Agora eu vou aproveitar a vida! Por que eu iria repartir com os meus irmãos?
Ao cabo de um mês a mãe chamou o caçula e lhe disse:
– Filho, me sinto fraca como uma mosca e se não encontrar o meu quadro, creio que não vou resistir por muito tempo mais. Meus dois filhos maiores devem estar passeando quem sabe onde! Sem dúvida se esqueceram de nós. Em você sempre tive mais confiança. Vá a procura de meu quadro!
O filho caçula calçou suas sandálias e partiu. Chegou ao desfiladeiro em frente a casinha de pedra e do cavalo de pedra com a cabeça esticada para os morangos. Na porta da casa se encontrava a velha que parecia esperar por ele. Ela o recebeu dizendo:
– O caminho que leva para o quadro de pano é difícil. Os seus irmãos maiores preferiram receber de mim uma caixinha com moedas de ouro e ir gastá-las na cidade.
– Eu não temo nada! Eu não preciso de ouro! As moedas de ouro não irão devolver a saúde à minha mãe. Mas que devo fazer eu para recuperar o quadro de pano?
A velha explicou ao caçula o caminho que atravessava as chamas e o gelo. Também lhe disse que poderia reanimar o cavalo se arrancasse os próprios dentes e os implantasse na boca do cavalo. Mal acabara de lhe dar esta explicação, o rapaz já tinha apanhado uma pedra, quebrando seus dentes e implantado na boca do cavalo. O cavalo se reanimou, comeu os morangos e o rapaz montou nele partindo imediatamente.
– Não se esqueça: não pode dar nenhum suspiro! Mesmo que as chamas estejam queimando você ou o gelo ferindo seu corpo se não você vai morrer.
Ofegante, o moço cavalgava cada vez mais para o interior do rochedo até chegar a um lugar cheio de chamas que saiam das entranhas da terra. As chamas o queimavam, mas ele não deu nenhum suspiro. Já estava achando que as chamas iriam acabar com ele, quando o cavalo deu um grande salto e eles foram parar num caminho bem estreito e bem sombrio. Incitando depois, de novo, o cavalo, para continuarem a corrida. Andaram assim por muito, muito tempo, até que o rapaz começou a sentir um ar gelado. Ao longe, ouvia-se um barulho estrondoso. Mas uma vez deu uma esporada no cavalo. Corriam como o vento quando de repente o caminho estreito entre as rochas se abriu. O cavalo parou de supetão. O rapaz começou a tremer de frio. Olhando em volta, até onde a vista podia alcançar, só se via gelo. Era uma imensa geleira com enormes icebergs ameaçadores que se chocavam com grande estrondo. Do outro lado da geleira, avistava-se bem longe, uma alta montanha verde.
– É a montanha ensolarada! Rápido cavalo! Estamos quase chegando!
O cavalo, sem hesitar, jogou-se nas ondas geladas. Aquele gelo movediço queimava e feria a pele do cavaleiro, mas o rapaz serrou a boca e não deixou nenhum suspiro escapar de seus lábios. Quando já estava quase se afogando, o cavalo conseguiu alcançar a margem. O bom sol secou as roupas, secou as feridas e, antes que ele pudesse compreender o que se passava, já se encontrava no topo da montanha.
Diante de seus olhos, brilhava um palácio de cristal e, vindos do jardim, ouviam-se risos e cantos de umas jovens. O rapaz entrou pelo portal de honra do pátio e apeou do cavalo. Viu à sua frente um grupo de belas moças ocupadas em tecer um pano. No meio delas encontrava-se o quadro de sua mãe. Ao perceberem o rapaz as moças abandonaram seus teares e vieram ao seu encontro, rindo. Uma delas, bem miudinha, com um vestido vermelho encantou-o particularmente. A seguir, uma bela dama aproximou-se do rapaz. Ela usava um vestido brilhante como os reflexos do sol no mar. Seus cabelos compridos estavam presos por um pente de ouro.
– Sou a rainha das fadas. Nunca ninguém vem aqui. Por que você empreendeu esta viagem tão cheia de perigos?
– Vim a procura do quadro de pano de minha mãe. O vento trouxe-o até vocês e minha mãe ficou doente por causa disso.
– Não foi por mero acaso que o vento levou o quadro de pano de sua mãe, fomos nós que ordenamos que ele fizesse isso. Queríamos nos servir dele como modelo para tecermos também um lindo quadro. Se você puder emprestá-lo por mais esta noite, amanhã poderá levar embora. Enquanto isso você é nosso hospede.
O rapaz parecia viver um sonho. As fadas o rodearam rindo e fizeram com que ele provasse o néctar e a ambrosia, como convém aos imortais. Logo em seguida continuaram seu trabalho. Ficaram tecendo a tarde toda. Ao cair o crepúsculo, suspenderam no teto uma pérola que brilhava na noite para poderem continuar tecendo até meia-noite. O rapaz estava esgotado de tantas emoções e adormeceu sem perceber. Enquanto isso, as fadinhas acabavam, uma após outra, seu trabalho no tear, indo se deitar. Somente a mais jovem ficou acordada, aquela que tinha agradado ao rapaz à primeira vista. Ela ficou olhando o quadro da mãe. Nenhuma fada tinha conseguido tecer um quadro tão lindo como aquele. Nenhum riacho brilhava tanto como aquele que tinha sido tecido com suas lágrimas e, nenhum sol queimava tanto quanto ao que fora tecido com as lágrimas do sangue dela. A jovem olhou o rapaz adormecido e teve uma idéia. Pegou um fio e bordou no quadro da mãe uma fadinha de vestido vermelho, em pé, perto do lago, olhando para os peixes vermelhos.
O rapaz acordou a meia-noite, a sala estava vazia. Só havia lá o quadro tecido por sua mãe. Ficou um pouco admirado e depois pensou:
– Por que esperar até amanhã? Minha mãe está doente e seu estado piora a cada dia.
Enrolou, pois, o pano, colocou o casaco, montou no cavalo e se pôs a caminho. Foi em vão que as ondas do mar lançaram nele os maiores gelos e que as chamas do vulcão tentaram engoli-lo. O rapaz não deu suspiro nenhum e, antes que pudesse se dar conta, estava na frente da casinha de pedra. A velinha já estava espiando sua chegada pela porta.
– Estou feliz de vê-lo de volta, rapaz. Você é um menino bom e valente. Você conseguiu o que queria. Vou devolver-lhe seus dentes.
Retirou os dentes do cavalo e os re-implantou na boca do rapaz. No mesmo instante, o cavalo virou pedra.
– Pegue estas sandálias de pele de cervo. Ao calçá-las você retornará à sua casa no mesmo instante.
O rapaz agradeceu muito a boa velha por sua ajuda, calçou as sandálias de pele de cervo e, sem saber como, foi parar na frente da casa onde tinha nascido. Uma vizinha aproximou-se ao vê-lo chegar. De cabeça baixa, disse a ele:
– É bom que você tenha voltado, ninguém sabe o que vai acontecer com a sua mãe. Não sai mais de casa e enxerga cada vez menos.
O rapaz entrou correndo em casa, gritando:
– Olhe mamãe! Olhe logo! – E mostrou o pano que tinha guardado em baixo do seu casaco. O quarto se iluminou todo quando ele desenrolou o brocado.
Mas a mãe não respondia. Desesperado, o rapaz a procurou pela casa até vê-la, deitada no chão. Abraçou muito forte seu corpo, deitou-a na cama e chorando, olhou para o quadro de pano. Nesse momento, como por mágica, a mãe despertou.
Quando ela percebeu que seu filho tinha trazido seu quadro de volta deu um grito de alegria, no mesmo instante estava curada. Pulou fora da cama, surpresa ao ver as forças lhe voltarem. Olhou para o quadro e, de repente, estava enxergando muito bem. Depois rogou ao filho:
– Leve o quadro para fora, filho, para eu poder vê-lo melhor.
O filho levou o quadro até a luz exterior e o desenrolou. As cores brilhavam. De repente, houve uma ventania e o quadro foi se desenrolando mais longe, cada vez mais longe, até cobrir toda a paisagem em volta. Tão longe quanto se podia enxergar viam-se campos de milho dourado, manadas de ovelhas, nuvens de pintinhos amarelos correndo por todo lado, no meio de patinhos. Um belo jardim atravessado por um riacho e as mais lindas flores. Tudo na natureza era como no quadro. Das casinhas prateadas saiam, agora, os vizinhos maravilhados, não acreditando no milagre.
O filho pegou a mãe pela mão e a levou para o jardim. Foram devagar em direção ao lago, não se cansando de ver tantas maravilhas. De repente, o rapaz parou estupefato, o coração batendo a mil por hora. Perto do lago estava a fadinha miudinha de vestido vermelho a lhe sorrir.
– De onde você vem?
A mocinha pôs-se a rir, piscando os olhos. – Eu me bordei no quadro de sua mãe e você me trouxe junto. Já que o brocado tomou vida, meu lugar também é aqui.
A mãe olhou muito feliz: – Temos agora uma grande casa, com uma filha que me fazia falta!
A fada olhou para o rapaz e se aproximou dela: – Você me aceita como esposo?
Ela respondeu que sim, com um leve sinal de cabeça. Houve uma grande festa de casamento. Além dos vizinhos, a mãe convidou os mendigos da região. Os irmãos maiores souberam de tudo. Já fazia muito tempo que haviam gasto todas as moedas de ouro e, como estavam acostumados a serem alimentados pelos outros, tornaram-se mendigos. Mas, quando chegaram na casa e viram as mudanças que ali aconteceram, tiveram vergonha de suas roupas esfarrapadas e preferiram não entrar. Foram embora, perdendo-se no mundo.
O caçula, ao lado da mulher fada e da mãe viveu feliz por muito tempo, numa região rica e ensolarada. E essa família nunca mais deixou de acreditar nos seus sonhos.

Eu quero é FÉRIAS!

2008-11-02T17:22:00.003-02:00

Hoje eu estava olhando umas coisas antigas e encontrei essa foto da época do colégio. Eu estava no segundo ano, assim como a maioria de vocês que entram aqui no Blog.

Tinha 16 aninhos, usava aparelho móvel nos dentes... usava uniforme! hehehehe Pois é, no Colégio Humanitas, lá em Piracaia, até hj o pessoal do ensino médio usa uniforme. (Mas eu gostava! Pelo menos não precisava pensar muito de manhã... podia dormir uns 15 minutinhos a mais!)

Nessa foto estou eu, a Vivian (minha amiga desde muito tempo, que até hoje é minha amiga! Ela tb mora aqui em São Paulo... já fizemos teatro juntas e foi minha madrinha de casamento!), do lado dela estão Nádia e Carol (faz anos que não as vejo).

É engraçado pensar nessa época. Essa foto tem 10 anos (foi tirada em outubro de 1998). Eu adorava ir à escola. Era meio rebelde (no sentido "comunista" da coisa), mas era bastante nerd! hehehehehe. Meus amigos dessa época contam que eu era uma aluna daquelas de dar raiva! hehehehe Porque eu estudava pra caramba e reclamava quando tirava nota baixa. Confesso que era assim mesmo. Não acho que era nerd. Eu era falante e sentava no fundão (menos nas aulas do professor Beto de física, pq ele era gato demais! hahahahahaha). Eu era estudiosa sim, mas era estrovertida... Nunca perdi uma balada pra estudar! E... como eu gostava de uma balada nessa época!

Na época do segundo ano eu não queria que as férias chegassem. A turma era ótima, o clima na classe era ótimo... e tinha toda a liberdade de ser "segundo ano". Já não estávamos mais no primeiro e, por isso, já conhecíamos o "esquema" do colégio... e já sabiamos nos virar com as várias regras que existiam! (eu me lembro que, quando cheguei no colégio, no primeiro ano, as meninas que vieram me dar boas vindas - elas já estudavam lá no ensino fundamental - me disseram "Bem vinda ao sistema nazista do humanitas!". Fiquei pasma! Com o tempo percebi o que elas queriam dizer com aquilo. A escola era bem conservadora, rigida... Namorinho pelos corredores... nem pensar!!! Isso significaria uma advertência daquelas de pai ser chamado no colégio e tudo! A gente também não podia ir de chinelo na aula... As outras regras eu nem me lembro... Mas consegui me virar bem com elas). Mas voltando ao assunto de não querer férias... Além dessas coisas, tinha o fato que depois das férias a gente voltaria pra escola e estaríamos no terceiro ano. Temido terceiro ano!!! "O ano".

Mas as férias inevitavelmente chegaram. Aproveitei muito... andei muito de bicicleta (que eu amava, na época), curti a natureza (ô saudade da época que a natureza estava do lado de fora da minha janela), badalei com os amigos, fui em encontros de jovens da igreja (outra coisa que eu amava na época)...

1998, meu segundo ano do ensino médio foi fantástico. Acho que foi o melhor ano da minha adolescencia! Tanta coisa aconteceu! Tive meu primeiro namorado sério (ele era DJ e 6 anos mais velho que eu - era ótimo pq eu e minhas amigas não pagavamos pra ir na "única" balada da cidade); fui pro Chile numa espécie de intercâmbio - relacionado a Igreja... Terminei com esse namorado e arrumei outro hehehehehehe (que era mais novo que eu! Ele era do primeiro ano)... E também terminei com este! (eu era namoradeira! hehehehe). Nossa... tanta coisa!

Espero que vocês estajam aproveitando muito o segundo ano (e vocês que estão no primeiro, lembrem-se de aproveitar muito o ano que vem).

Aproveitem muito estas férias e regarreguem toda a bateria pra 2009, um ano que pode ser muito decisivo na vida da maioria.

Ano que vem faz 10 anos que eu terminei o ensino médio. Dez anos atrás eu não queria que as férias chegassem... Agora eu quero! hehehehehe! Já estou um pouco cansada (não tive férias, praticamente, em julho... Pq como vocês sabem eu sou muito chique e fiquei um mês na Europa batendo perna dentro de museus! hehehehehehee - claro que não só de museus, mas... a maior parte do tempo foi!). Preciso descansar! Ler livros, ver filmes, curtir a natureza e andar de bicicleta!!! (além de agitar um churras de dez anos com a mulecada do Humanitas).

Beijos pra vocês!

Bons estudos!

Boa prova!

PLÍNIO MARCOS

2008-11-02T16:55:00.003-02:00

Este é um dos maiores dramaturgos brasileiros, pelo menos na minha opinião. Dono de textos incríveis, cheios de verdade e de coragem.
Seu estilo é naturalista, mesmo estando no século XX... E... que naturalismo!
Depois de ver uma peça de Plínio Marcos não tem como não pensar na realidade.
Autor de peças importantes como "Dois perdidos numa noite suja" que teve duas adaptações pra cinema (a última com a Débora Falabella); "Navalha na carne", que também teve duas adaptações pra cinema...

Site oficial do Plínio Marcos

http://www.pliniomarcos.com/

(entrem no site e "passeiem" por lá. Vale a pena!)

Minha peça preferida é a "Balada de um palhaço".
Ela é linda, linda... me faz pensar muito.

Tem um trecho dela que eu amo e por isso vou mostrar pra vocês:

"Ó ideal, que estás no meu interior,
verdade viva que faz minha alma imortal,
para que tua tendência evolutiva
seja realizada
para que teu nome se afirme pelo trabalho
para que tua revolução
seja manifestada a cada espetáculo.
A cada espetáculo concede-me a idéia criadora
que assim está como ela está
entendida no meu coração
seja entendida no meu corpo.
Ó ideal
preserva dos reflexos da matéria
que eu compreenda que o sofrimento benfeitor
está na origem da minha encarnação.
Livra-me do desespero
e que teu nome seja santificado
pela minha coragem na prova.
Ó ideal
faz com que eu não diferencie
o fracasso do sucesso
e perdoa minha dificuldade de comunicação
assim como eu perdôo os que não tem ouvidos de ouvir
nem olhos de ver.
Ó ideal
Destrói meu orgulho
que poderia afastar-me da tua luz-guia.
Nutre meu devotamento
porque és, ó ideal,
a realeza, o equilíbrio,
a força da minha intuição".

Um vídeo sobre os 70 anos de Plínio Marcos (ah, ele faria 70 anos em 2005).

PRA VER PLÍNIO MARCOS:

HOMENS DE PAPEL
Um grupo de catadores de papel que fomenta uma revolta contra o comprador do papel coletado que rouba no peso e no preço.
Com Grupo Chão de Teatro. Dir. Sérgio Audi. (70min).
Tusp. (sim... ali na famosa rua Maria Antonia, na frente do Mackensie... palco dos conflitos estudantis na época da ditadura!)
Sex e sab, 19h; dom, 18h. R$20. 16 anos.

Beijão pra todos!

A capa do TROPICÁLIA

2008-11-01T00:05:00.004-02:00

Oi gente

aqui estão algumas informações sobre a capa do disco TROPICÁLIA (pesquisei e aqui está a verdade verdadeira!)

A capa foi realizada em São Paulo (e não em Curitiba como alguns alunos pensaram!) na casa do fotógrafo Oliver Perroy que fazia trabalhos para a Editora Abril e a sua criação foi coletiva, todos davam sua opinião e no final um resultado característico daqueles tempos de "underground" a la Andy Warrol, com pitadas tropicalistas tupiniquins.

Tom Zé está de terno e a valise;

O maestro Rogério Duprat com um penico nas mãos, segurando como se fosse uma xícara.

Gilberto Gil com o retrato de formatura do curso normal de Capinan;

Gal Costa de saia, com um penteado caipira;

A seriedade dos Mutantes mostrando suas guitarras (menos Rita Lee que mostra o contraste de seus cabelos ruivos com a blusa verde);

Torquato Neto de boina e pose relaxada;

Caetano com um rosto solitário, segurando o retrato de Nara Leão que não pode aparecer no dia da foto.

Músicas:

01- Miserere nóbis
(Gilberto Gil/Capinan)
Gilberto Gil
02- Coração materno
(Vicente Celestino)
Caetano Veloso
03- Panis et circenses
(Gilberto Gil/Caetano Veloso)
Os Mutantes
04- Lindonéia
(Caetano Veloso)
Nara Leão
05- Parque industrial
(Tom Zé)
Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa e Os Mutantes
06- Geléia geral
(Gilberto Gil/Torquato Neto)
Gilberto Gil
07- Baby
(Caetano Veloso)
Gal Costa e Caetano Veloso
08- Três caravelas
(A. Algueiró Jr./G. Moreau/ Versão João de Barro)
Caetano Veloso e Gilberto Gil
09- Enquanto seu lobo não vem
(Caetano Veloso)
Caetano Veloso
10- Mamãe, coragem
(Caetano Veloso/Torquato Neto)
Gal Costa
11- Bat macumba
(Gilberto Gil/Caetano Veloso)
Gilberto Gil
12- Hino ao Senhor do Bonfim
(João Antonio Wanderley)
Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa e Os Mutantes

A música TROPICÁLIA, ficou fora do disco.

FESTIVAIS DA MÚSICA POPULAR BRASILEIRA

2008-10-31T23:37:00.002-02:00

Aqui estão alguns videos com canções dos Festivais da Música Popular Brasileira.

ARRASTÃO (Edu Lobo) - campeã do festival de 1965 com a interpretação de Elis Regina (linda!!!)

A BANDA(Chico Buarque) - Campeã do festival de 1966

DISPARADA (Geraldo Vandré) - Festival de 1966 (campeã tb)

PONTEIO - campeã de 1967

DOMINGO NO PARQUE - Gilberto Gil - 2º lugar 1967

RODA VIVA - Chico Buarque - 3º lugar 1967

ALEGRIA, ALEGRIA - Caetano Veloso - 4º lugar 1967

Utilidade 2

2008-10-31T23:20:00.002-02:00

Oi pessoal

Vim até aqui pra colocar uns links, imagens e vídeos interessantíssimos!!!!!

Vale a pena dar uma olhada! Tem tudo a ver com a aula!

Tropicália (este é um clipe do grupo TANTRA). Vale demais a pena ver!!!
O legal é que eles misturam de tudo!!!
E ver o Zé Celso de Carmem Miranda no fim é impagável!!!! (sim, o do Oficina). ALém disso... procurem as obras do Hélio Oiticica e da Ligia Clark!!!

Esse outro aqui é uma espécie de especial sobre a tropicália que passou na tv. Vale a pena ver!!!
Atenção: lá eles relacionam um pouquinho com a ditadura militar. É importante que vocês se lembrem daquela história que eu falei que, eles, antes de partir pra luta queriam conhecer o Brasil e refletir. Não disse que eles não agiram! Mas eram BEM diferentes da galera das músicas de protesto.

Utilidade

2008-10-30T11:26:00.004-02:00

Queridos

Algumas coisas que foram vistas esses dias... podem ajudar!

Um breve histórico da música brasileira:

http://prosalunos.blogspot.com/2007/10/msica-brasileira.html

Cinema Novo:

http://prosalunos.blogspot.com/search?q=cinema+novo

Cia. Cinematográfica Vera Cruz:

http://prosalunos.blogspot.com/2007/09/cinema-no-brasil.html

Prometo que até domingo eu coloco aqui alguns textos corridos sobre os anos 60 pra facilitar a vida de todos!

PS.: A imagem acima ("seja marginal, seja herói") é do Hélio Oiticica.

Calma... não tô falando que vocês devem ser "marginais"... isso, na verdade, é uma discussão que ele propõe. Primeiro, o que é ser marginal? (Não é ser vandalo, bagunceiro) Ser marginal é estar a margem, é estar excluído... É estar na margem e não no meio. E, viver assim não é fácil. Tem que ser muito herói pra vencer os obstáculos.

Beijocas pra todos!

Boa Noite!

2008-10-21T22:45:00.004-02:00

Bom pessoal

Estava morrendo de sono e fui dormir.

Espero que as coisas por aqui tenham ajudado.

Bjão pra todos!

Boa prova

BOA PROVA!

2008-10-21T15:08:00.002-02:00

Outra prova! A última do ano (tá... tem a PF).
O ano está acabando.
Estou muito feliz por tudo, sabe. Muito feliz por ter conhecido vocês, por ter passado por tantas... muitas risadas, algumas broncas, algumas surpresas boas, algumas decepções... até chorar eu chorei. Mas o saldo é positivo.
Espero que vocês se lembrem de mim e das coisas que vimos e conversamos durante o ano. Espero que eu tenha conseguido plantar alguma sementinha... que vocês passem a ver as coisas com outros olhos, que consigam perceber a magia da arte e sua importância na vida das pessoas (e quem sabe, na sua!)
Como estou bastante ocupada corrigindo provas, não vou escrever outro post sobre o TBC - aqui está o link para um texto que já tinha no blog:

http://prosalunos.blogspot.com/search?q=tbc

Queria aproveitar este post pra agradecer o carinho daqueles que ficaram do meu lado na história do "anônimo". Saibam que se estou aqui hoje é por vocês! Obrigada!!!!

Contem comigo sempre que precisarem!
(nossa... já estou em clima de despedida! Também... o ano já está acabando e eu sei que vocês só entram aqui na véspera da prova!)

Beijão pra todos! Até pro "anônimo"! hehehehehehe

NELSON RODRIGUES

2008-10-21T14:34:00.002-02:00

Nossa... como eu queria ter tido tempo pra falar mais de Nelson Rodrigues!!!
Bom, paciência... são tão poucas aulas e tantos assuntos!!! E tantas coisas apaixonantes (pelo menos pra mim!!!).

O que é necessário saber sobre Nelson Rodrigues para a prova e para um eventual vestibular (pq... sim!!! às vezes ele está presente nos vestibulares!): VESTIDO DE NOIVA.

É importante saber que esta peça foi o marco do teatro moderno no Brasil. Foi uma revolução nos palcos!
Em Vestido de Noiva, Nelson Rodrigues sugere insuspeitas perversões psicológicas, a traição entre irmãs e o apelo da vida mundana sobre a fantasia feminina. O desejo de matar o outro, de se vingar, de se aventurar sexualmente é explorado pelos personagens. Ele cria um artifício dividindo a ação em três planos – a memória, o coma e a realidade – permitindo ao espectador acessar toda a complexidade da psique da personagem central.

A famosa encenação foi realizada no Teatro Municipal do Rio de Janeiro em 1943, com a encenação do polonês Zbigniew Ziembinski (ok, lembrar só de "Ziembinski" já tá bom! hehehehe) com o grupo de teatro amador "Os Comediantes".

ALGUMAS FRASES "ÓTIMAS" DO NELSON RODRIGUES

"O brasileiro não está preparado para ser "o maior do mundo" em coisa nenhuma. Ser "o maior do mundo" em qualquer coisa, mesmo em cuspe à distância, implica uma grave, pesada e sufocante responsabilidade."

"A mais tola das virtudes é a idade. Que significa ter quinze, dezessete, dezoito ou vinte anos? Há pulhas, há imbecis, há santos, há gênios de todas as idades."

"Invejo a burrice, porque é eterna."

"Nem todas mulheres gostam de apanhar, só as normais."

"Todo amor é eterno. Se não é eterno, não era amor."

"Só o rosto é indecente. Do pescoço para baixo, podia-se andar nu."

"Os homens mentiriam menos se as mulheres fizessem menos perguntas."

"Toda unanimidade é burra."

"Nasci menino, hei de morrer menino. E o buraco da fechadura, é realmente, minha ótica ficcionista. Sou (e sempre fui) um anjo pornográfico."

Esse cara é um dos nossos maiores dramaturgos. Provavelmente é o mais conhecido, o mais lido e o mais encenado.
Ele venceu uma eleição da revista "istoé" sobre personalidade do século. Levou o título de personalidade do teatro.

Esse é o link da revista. Tem um pouquinho sobre a vida dele, vale a pena conhecê-lo melhor.

http://www.terra.com.br/istoe/biblioteca/brasileiro/artes_cenicas/cenicas5.htm

Algumas de suas peças:

A mulher sem pecado
Vestido de noiva
Valsa nº 6
Viúva, porém honesta
Anti-Nelson Rodrigues
Álbum de família
Anjo negro
Senhora dos afogados
A falecida
Boca de ouro
O beijo no asfalto
A Serpente
etc...

EM CARTAZ

ÁLBUM DE FAMÍLIA de Nelson Rodrigues. Drama. A história de uma família que vista de longe é uma família feliz. Com Joice Hilário, Tom Rocha, Raissa Sapienza, entre outros. Dir. Edu Rodrigues. (100min). Espaço dos Satyros I. Dom, 20h30. R$20. 14 anos.

A SERPENTE de Nelson Rodrigues. A tragédia de uma família. Com Bia Kobal, Danilo Santos, Ruth Melchior, Vinicius Cruz e Vivi Terci. Dir. Thiago Reis Vasconcelos. (60min). Espaço Cultural Pyndorama. Sab, 20h; dom, 19h. R$20. 14 anos.

UMA DICA PARA A PROVA E PARA CONHECER MELHOR O T
EATRO BRASILEIRO:
O Itaú Cultural tem uma ótima enciclopédia virtual de arte.
Aqui está o link da de Teatro:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_teatro/index.cfm

Lá tem várias coisas, é só procurar! Tem várias coisas sobre os grupos mais importantes da história aqui do Brasil, sobre os principais espetáculos e os grandes nomes também (diretores, atores).

Eles também tem sobre Artes Visuais:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_ic/index.cfm?CFID=7157538&CFTOKEN=90202448

e literatura:
http://www.itaucultural.org.br/aplicexternas/enciclopedia_lit/index.cfm?CFID=7157538&CFTOKEN=90202448

(Os textos são bons e confiáveis!! É que tem muito aluno que vive consultando a wikipédia e lá tem muuuuuuuitos erros! Tomem cuidado! A de literatura sobretudo usem bastante!!! Pode ajudá-los muito nas aulas e pra estudar pro vestibular).

Origens / Martins Pena

2008-10-21T14:20:00.003-02:00

Vou colocar os "posts" aos poucos, ok.

Beijocas!

TEATRO BRASILEIRO – ORIGENS

O teatro durante o período colonial tinha fins didáticos e catequéticos. As primeiras representações aconteceram quando os jesuítas chegaram para catequizar os índios. As apresentações eram realizadas tanto pelos padres como pelos índios. O principal autor dessa época é o Padre José de Anchieta.

MARTINS PENA

Martins Pena foi o precursor da Comédia de Costumes no Brasil.
Ele é autor de “O noviço”, “Juiz de paz na roça”, “Quem casa quer casa”, “As desgraças de uma criança”, etc
É importante lembrar que ele (ou melhor, seus textos) por um grande avanço do teatro brasileiro.
Entre suas características estão a linguagem coloquial, o seu extraordinário estilo cômico e a sátira, usada para censurar, entre outras coisas, a hipocrisia da Igreja e os abusos políticos.

Graças à suas comédias de costumes, Martins Pena conseguiu grande popularidade não só no período em que viveu, mas também nos dias atuais, pois sua obras ainda são muito representadas e continuam fazendo sucesso.
Entre seus personagens estão as pessoas simples da roça e a gente comum das cidades. Destacam-se os seguintes "tipos": juizes, profissionais da época, malandros, estrangeiros, falsos cultos etc.
O tema das peças gira em torno de casamentos, heranças, dívidas, festas da cidade e da roça, pequenas intrigas domésticas etc. Esses temas, por serem cotidianos, agradaram em demasia o público.
Por tudo isso suas comédias são "de OS COSTUMES".

CURIOSIDADE:
Martins Pena é o patrono da Cadeira n. 29 da Academia Brasileira de Letras

Primeira ajuda pra prova

2008-10-19T22:10:00.003-02:00

Oi pessoal

Eu vou colocar uns textos aqui no blog pra ajudar vocês.

Como sabem, os comentários serão analisados antes de serem publicados! Pois é! Acabou a farra do senhor "anônimo".

Já tem alguns textos que foram usados pelos alunos do ano passado:

TEATRO DE ARENA
http://prosalunos.blogspot.com/2007/09/o-arena.html

TEATRO OFICINA
http://prosalunos.blogspot.com/2007/09/teatro-oficina.html

São textos (e não esqueminhas!)

Depois eu coloco mais coisas.

Grande abraço!!!

PROVA SEGUNDO ANO EA213

2008-08-29T19:44:00.002-03:00

Está será a terceira prova de vocês (do segundo ano, esse ano... sem contar as "recs" para aqueles que não se deram bem!), e dessa vez vou fazer uma micro revisão, ok!?

Bom, em primeiro lugar a matéria da prova é:

MODERNISMO - SEGUNDA GERAÇÃO
http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/segunda-gerao-modernista.html

ARQUITETURA MODERNA

http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/arquitetura-moderna-no-brasil.html

ARTE CONTEMPORÂNEA

http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/arte-contempornea-brasileira.html

TEATRO - INTRODUÇÃO
http://prosalunos.blogspot.com/2008/08/as-origens-do-teatro.html

É bom lembrar que o blog não é tudo... prestar atenção nas aulas é FUNDAMENTAL!

Também gostaria de ressaltar sobre o trabalho:

Coloquei os links no seguinte post:

http://prosalunos.blogspot.com/2008/06/boas-frias.html

Gostaria de ressaltar que, por causa dos comentários "nada a ver" da última prova, que eu apagarei sem ler qualquer comentário de "anônimos". Se vc quer tirar dúvidas, deixe seu nome e a sua sala (pra eu saber quem é). Vale comentar, vale opinar... mas por favor, sejamos honestos e transparentes: não respeito aqueles que não se mostram. Combinado?!

Espero que seja útil!

Espero que vocês estudem!!

Espero que vocês curtam ARTE!

Bjão a todos!!!

PS.: Uma imagem só pra alegrar o post

As origens do Teatro

2008-08-29T19:15:00.003-03:00

A História do Teatro Ocidental começa aos pés da Acrópole, em Atenas, sob o luminoso céu da Grécia.

Suas origens encontram-se nos rituais báquicos, em homenagem a Dioniso, o deus do vinho, da vegetação e do crescimento, da procriação e da vida exuberante. Os festivais rurais da prensagem da uva (para o vinho), em dezembro, e as festas das flores de Atenas, em fevereiro e março, eram dedicados a ele. As orgias desenfreadas e as canções proclamadas pelos ditirambos honravam-no. Mais tarde, quando destes ritos se desenvolveu a tragédia e a comédia, Dioniso se tornou o "deus do teatro".

TEATRO --> Obra de arte social e comunal, composta por:

ATOR

PÚBLICO

AÇÃO

ESPAÇO CÊNICO

O teatro consiste na ação do ator, no espaço cênico, para o público, portanto não existe teatro sem um desses elementos.

THEATRON:

Palavra grega que designa o lugar de onde se vê o espetáculo, o espaço dos espectadores. Só depois o teatro será concebido como o edifício inteiro, e ainda mais tarde, como a linguagem em si.

Os estilos clássicos do teatro (os primeiros e aqueles que deram origem a todos os outros) são:

TRAGÉDIA: (do grego tragoedia = canto do bode - relacionado ao sacrifício aos deuses pelos gregos)

Segundo Aristóteles é a imitação de uma ação de caráter elevado e completo (deuses, reis, heróis e pessoas nobres). A tragédia é "uma representação imitadora de uma ação séria, concreta, de certa grandeza, representada, e não narrada, por atores em linguagem elegante, empregando um estilo diferente para cada uma das partes, e que, por meio da compaixão e do horror provoca o desencadeamento liberador de tais afetos."

COMÉDIA: (dp grego comoedia = canto dos comuns, festa popular)

Apresenta fatos relacionados às pessoas comuns, do povo. Por esse motivo a comédia épassivel ao riso. Na Comédia há a identificado com a limitação de homens inferiores; não, todavia, quanto a toda a espécie de vícios, mas só quanto àquela parte do torpe que é o ridículo. O ridículo é apenas certo defeito, torpeza anódina e inocente; que bem o demonstra, por exemplo, a máscara cómica que, sendo feia e disforme não tem expressão de dor.

OS GRANDES AUTORES GREGOS (e seus principais textos)

TRAGÉDIAS:

ÉSQUILO

Os Persas

Prometeu Acorrentado

SÓFOCLES

Édipo Rei

Antigona

EURÍPEDES

Medéia

As Bacantes

COMÉDIAS:

ARISTÓFANES

As núvens

A greve do sexo